K-pop

K-pop (prescurtare pentru muzica populară coreeană , ^[1] în limba coreeană 케이팝 ^? , Ke-ipap ^LR ) este muzica populară din Coreea de Sud . ^[2]

Originile K-popului se regăsesc în ultimele două decenii ale anilor 1800 , când unele melodii occidentale populare au fost rescrise în coreeană. Puternic condiționată de „ ocupația japoneză din anii ’20 1900 , scena muzicală locală a înflorit odată cu redresarea economiei la sfârșitul războiului coreean din anii cincizeci , iar contactele cu americanii și mișcarea hippie au adus în prim plan o lumină- producție inimă făcută din trapuri și balade . La începutul anilor 1990 , experimentele lui Seo Taiji și Boys cu diferite stiluri și genuri și integrarea coregrafiei și a elementelor muzicale din străinătate, cum ar fi rapul, au ajutat la remodelarea și întinerirea scenei muzicale a țării. ^[3] În 1996, cântăreților tradiționali li s-a alăturat figura idolului cu debutul HOT , iar de acolo K-pop a devenit o subcultură capabilă să reunească fandomuri uriașe de adolescenți și tineri. ^{[4] [5]} După o fază de recesiune, în 2003 TVXQ și BoA au dat locul unei noi generații de artiști care au exportat genul pe piața japoneză din apropiere și care continuă să răspândească K-pop la nivel internațional datorită apariției rețelelor sociale . ^{[6] [7]} Genul a cunoscut o creștere semnificativă în 2018, fiind listat ca a șasea cea mai mare piață de muzică din lume de către Federația Internațională a Industriei Fonografice . ^[8]

Originea și utilizarea termenului

Până în anii 2000 , muzica populară coreeană se numea gayo ( 가요 ^? ); termenul „K-pop” a devenit mai târziu obișnuit în Coreea. ^{[1] [9]} Deși indică toată muzica populară coreeană, acasă este adesea folosită într-un sens restrâns pentru a se referi doar la cea destinată exportului pe piața globală, ^{[10] [11]} influențată nu de muzica tradițională coreeană , ci mai degrabă din stiluri și genuri din întreaga lume, precum experimental , rock , jazz , gospel , hip hop , R&B , reggae , dans electronic , folk , country și clasic . ^[12] În lume, „K-pop” este interpretat pe scară largă ca un termen interschimbabil pentru a se referi atât la muzica populară coreeană, cât și la popul coreean, cu referire în special la cântecele grupurilor de idoli, cele mai exportate la nivel global. ^{[13] [14]}

Prima sa utilizare cunoscută a avut loc în ediția din 9 octombrie 1999 a Billboard de Cho Hyun-jin, apoi corespondent al revistei, care a folosit-o pentru a traduce gayo într-un articol intitulat „Coreea de Sud va permite anumite spectacole în japoneză live”. Cho însuși nu este sigur că a inventat termenul, după ce a citit că acesta a fost deja folosit de cei din industria muzicală, dar a spus că nu l-a mai auzit niciodată personal. ^[15] Potrivit altor surse, cuvântul „K-pop” a fost inventat de japonezi pe exemplul „ J-pop ” pentru a vinde muzică populară coreeană în țara lor. ^{[16] [17]}

Istorie

Originile muzicii populare coreene

Începutul istoriei muzicii populare coreene poate fi datat în 1885 , când misionarul american Henry Appenzeller a început să predea cântece populare americane și britanice în școli. Aceste melodii, numite changga ( 창가 ^? ) În coreeană, se bazau pe o melodie populară occidentală și aveau versuri în limba coreeană. De exemplu, Oh My Darling, Clementine a devenit cunoscută sub numele de Simcheongga . ^{[n 1]} În timpul dominației japoneze (1910-1945), popularitatea cântecelor changga și a compozițiilor melancolice a crescut pe măsură ce coreenii și-au exprimat sentimentele împotriva opresiunii coloniale prin muzică. ^{[18] [19]} Japonezii au confiscat apoi colecțiile existente de changga și și-au publicat propriile cărți de versuri muzicale; ^[19] toate înregistrările muzicale au fost realizate și de companiile de discuri japoneze. ^[20]

Cel mai vechi album pop coreean cunoscut este Park Chae-seon și Yi Pungjin Sewol de Lee Ryu- saek ( Aceste vremuri tumultuoase ), lansat în 1925 și cu melodii populare traduse din japoneză. ^[21] Imnul morții lui Yun Sim-deok , lansat în august 1926, a fost prima melodie pop coreeană comercializată în Japonia, ^{[18] în} timp ce prima melodie pop scrisă de un compozitor coreean este considerată a fi Nakhwayusu ( 낙화 유수 ^? ; Buds căzut în apă curgătoare ), cântat de Lee Jeong-suk în 1929. ^[21] La mijlocul anilor 1920 , compozitorul japonez Masao Koga a amestecat muzica tradițională coreeană cu evanghelia introdusă de evangheliștii americani în anii 1870 : acest tip de muzică a devenit cunoscut în Japonia ca enka , iar în Coreea s-a dezvoltat ulterior în trap ( 트로트 ^? , Teuroteu ^LR ). ^{[21] [22]} Tears of Mokpo a lui Lee Nan-young (1935) a pus bazele trotului coreean, stabilindu-i ritmul, tempo-ul și tehnica vocală. ^[18]

1940-1960: sosirea culturii occidentale

Marilyn Monroe distrează soldații americani în Coreea în februarie 1954.

Cu peninsula coreeană divizată după eliberarea de ocupația japoneză în 1945, au început să se deschidă mici case de discuri coreene ^[20] și cultura occidentală a fost introdusă în țară la scară mică, cu unele baruri și cluburi de noapte în stil occidental care cântau muzică din vest . La sfârșitul războiului coreean (1950-53), trupele americane au rămas în Coreea de Sud, ducând la răspândirea culturii americane și mondiale în țară și la acceptarea treptată a muzicii occidentale. Personaje proeminente ale divertismentului american precum Nat King Cole , Marilyn Monroe și Louis Armstrong au participat la spectacolele organizate de USO în Coreea de Sud pentru armata SUA. ^{[23] [24]} Aceste vizite au generat atenția publicului coreean. În 1957, au început emisiile de radio ale forțelor americane Coreea, care au extins popularitatea muzicii occidentale. Muzica americană a început să influențeze muzica coreeană: scara pentatonică a fost înlocuită treptat de heptacordul occidental și cântecele populare au început să fie modelate după cele americane. ^[25]

În anii 1960 , dezvoltarea LP-urilor și îmbunătățirile tehnologiei de înregistrare au dus la căutarea diferitelor voci. ^[26] Au fost organizate și audiții deschise pentru a angaja muzicieni care să cânte la cluburile militare americane, care numărau 264. De când Coreea de Sud a sărăcit din războiul coreean, cântăreții calificați coreeni au considerat spectacolele soldaților o bună sursă de venit, iar mulți au pășit redirecţiona. Au cântat în diferite genuri, cum ar fi country , blues , jazz și rock & roll . Economia sud-coreeană a început să înflorească, iar muzica a urmat aceeași tendință, propulsată de primele radiouri comerciale ^[23], care au devenit principalul mijloc de ascultare a muzicii. ^[20] Toate producțiile au fost supuse cenzurii la diferite niveluri pentru a apăra moravurile și a preveni tulburările politice. ^[20]

De asemenea, cinematografia coreeană a început să se dezvolte și muzicienii care cântă pentru un public mai larg: ^[23] artiști care au concertat anterior pentru armată, precum Shin Jung-hyeon , Surorile Pearl și Patti Kim , au ajuns la publicul local. Când Beatlemania a aterizat pe coasta coreeană la mijlocul deceniului, ideea de „sunet de grup” a crescut și au apărut primele formații locale, precum Add4 și Key Boys . ^[27] Add4, primul grup rock coreean, a fost fondat în 1962 de Shin Jung-hyeon și a produs prima melodie rock coreeană, The Woman in the Rain , o formă de rock ușor care amintește de Beatles . ^[28] În anii 1950 și 1960, muzica pop occidentală, rockul coreean și trotul au coexistat în Coreea de Sud. ^[23]

Surorile Kim cu Dean Martin .

Unii cântăreți coreeni au câștigat popularitate internațională. În 1959, Kim Sisters au concertat în Las Vegas și au devenit primii artiști coreeni care au lansat un album pe piața pop din SUA; ^[29] coperta lor din Charlie Brown a atins numărul 7 în Billboard Single Chart. Trio-ul a făcut turnee în Statele Unite și Europa și a apărut la radio și TV, marcând douăzeci și cinci de apariții la emisiunea The Ed Sullivan Show , cu șapte mai mult decât vedetele americane Patti Page și Louis Armstrong. ^[23] Piesa lui Han Myeong-suk din 1961, The Boy in The Yellow Shirt a fost refăcută de cântăreața franceză Yvette Giraud și a fost populară și în Japonia. ^[30]

1970-1980: influențe hippy și perioada baladei

La sfârșitul anilor 1960, muzica pop coreeană a suferit o altă transformare. Tânăra generație născută după anii 1950 crescuse cu influența culturii și stilului de viață american (în special mișcarea hippy ), dând naștere astfel unei „culturi a tinerilor” exprimată prin părul lung, blugi , chitare acustice și muzică populară , genul preferat a tineretului politizat; tot mai mulți muzicieni erau studenți și absolvenți care făceau muzică ușoară, spre deosebire de predecesorii lor, condiționată de război și de opresiunea japoneză. ^[26] Au protestat împotriva războiului din Vietnam la fel de mult ca și hippii americani, așa că guvernul coreean a interzis populația deoarece era asociată cu mișcările de rebeliune a studenților. Cu toate acestea, pop-ul cu influență populară a rămas popular în rândul tinerilor, iar televiziunea locală MBC a organizat un concurs de canto la colegiu în 1977, marcând nașterea mai multor festivaluri de muzică modernă. ^[31] Una dintre figurile proeminente din această perioadă a fost Han Dae-soo , a cărui melodie Mul jom juso ( 물 좀 주소 ^? ; Give me some water , 1974) a devenit o icoană în rândul tinerilor coreeni. Spectacolele sale îndrăznețe și stilul său unic de cântat au șocat adesea publicul și i s-a interzis să cânte în Coreea. ^[32] Guvernul lui Park Chung-hee a interzis popul american și rock-ul coreean asociat cu sexul și drogurile ^[33] , precum și stilul trot și ppongjjak , influențat de cântece enka, pentru a-și susține politicile anti-japoneze. ^{[34] [35]} Tot în anii 1970 , DJ-urile au început să câștige popularitate. ^[26]

Lee Moon-sae (stânga) și Byun Jin-sub (dreapta), exponenți ai genului baladei din anii '80.

În 1980, a fost lansat Asia Music Forum, în care au concurat reprezentanți ai cinci state asiatice. A câștigat coreeanul Cho Yong-pil , care s-a bucurat de atunci de o carieră de succes, jucând în Hong Kong și Japonia. Deși inițial a făcut muzică rock ca chitarist într-o formație, melodiile la trap au fost cele care i-au făcut avere. Femeia în afara ferestrei din albumul auto-intitulat (1980) a fost un succes, cu un milion de exemplare vândute în Coreea, și i-a permis să devină primul cântăreț sud-coreean care să cânte la Carnegie Hall din New York. ^[36] Împreună cu colegii Lee Mi-ja și Na Hoon-a , Cho a fost considerat o icoană la domiciliu, ^[37] dar la mijlocul deceniului trotul a scăzut ^[38] în favoarea baladelor după modelul lui Lee Kwang-jo din 1985 albumul Ești prea departe pentru a te apropia de a vândut peste 300.000 de exemplare. Alți exponenți populari ai genului au fost Lee Moon-sae și Byun Jin-sub , în timp ce unul dintre cei mai căutați compozitori a fost Lee Young-hoon . ^[36] Scena muzicală era statică: baladele erau caracterizate de sunete dulci și versuri romantice influențate de ascultarea ușoară și folk și, în absența unui clasament național, popularitatea unui artist și vânzările consecvente ale discurilor sale depindeau de aparițiile în emisiunile săptămânale difuzate de KBS și MBC, astfel încât melodiile au fost înregistrate pentru a se potrivi cu specificațiile TV, cu introduceri lungi și decolorări instrumentale pentru a face loc anunțurilor de la prezentatori. Cântăreții au trebuit, de asemenea, să cânte împreună cu formațiile și dansatorii din studioul pus la dispoziție de rețelele de televiziune, ceea ce a împiedicat scena pop să crească spontan. ^[35] Lipsa controlului drepturilor de autor și necesitatea de a înregistra diferite aranjamente bazate pe formația pusă la dispoziție de rețele și radiouri au favorizat răspândirea copertelor care a făcut mai dificilă asocierea unei melodii cu un singur cântăreț specific. Acest lucru a început să se schimbe când Coreea a semnat Convenția internațională privind dreptul de autor în 1985. ^[20]

1990: dezvoltarea K-popului modern

În 1988, guvernul a ridicat restricțiile privind călătoriile în străinătate, iar creșterea simultană a venitului disponibil a permis achiziționarea de antene parabolice , datorită cărora populația a fost mai expusă tendințelor muzicale globale. ^[39] Conștientizarea, astfel dobândită, că cântecele populare din Coreea nu erau foarte diferite de baladele țărilor vecine au alimentat naționalismul , iar artiștii au devenit convinși că este esențială depășirea influențelor asiatice care au caracterizat producția lor muzicală până în acel moment punct. moment. ^[40] Libertatea politică cauzată de tranziția la democrație după sfârșitul dictaturii lui Park a început experimentarea muzicală ^[41], iar artiștii și-au însușit stiluri din străinătate pentru a se distinge și a-și spori audiența. ^{[39] Au} încorporat europop în producția lor, precum și caracteristici ale muzicii populare din SUA, cum ar fi hip hop, rock , jazz și dans electronic . ^[2] Heavy metalul , care fusese un gen underground în anii 1980, a devenit popular atunci când tinerii s-au îndepărtat din ce în ce mai mult de programele TV în favoarea concertelor live din districtul universitar Sinchon din Seul. ^[42] Deși stilurile muzicale au venit din străinătate, conținutul melodiilor reflecta sentimente naționaliste și tipic coreene, cum ar fi han . ^[43]

I DJ DOC , unul dintre triourile populare de hip hop din anii '90. ^[44]

Apariția tinerilor muzicieni precum Seo Taiji și Boys , 015B , Shin Hae-chul și Yoon Sang au pus bazele K-popului modern. ^[45] În special, debutul lui Seo Taiji and Boys în 1992 a revoluționat complet genul, inventând o formulă muzicală unică care va deveni ulterior practică: a folosit rap în timpul versurilor și pop în coruri, însoțind și melodiile cu mișcări dinamice de dans. ^{[39] [46]} Trio-ul a debutat la un show de talente MBC cu prima piesă de coreeană rap, Nan arayo ( 난 알아요 ^? ; Știu ), ^[39] și a primit cel mai mic scor de la juri, cu toate acestea piesa și The The primul album al grupului a avut atât de mult succes, încât au apărut pe piață și alte melodii cu același format. Succesul lui Nan arayo a fost atribuit noii sale ritmuri inspirate de jack swing și corului ușor de reținut, precum și versurilor sale inovatoare care vorbeau despre problemele societății coreene, insuflând o mai mare conștientizare socială în muzica pop. ^{[39] [47]} În urma lui Seo Taiji și Boys s-au născut artiști de succes hip-hop și R&B precum Yoo Seung-jun , Jinusean , Solid , Deux , 1TYM și Drunken Tiger . ^[47] Etichetele, prudente față de schimbări, au continuat totuși să favorizeze muzicienii care păstrau încă unele elemente ale tradiției baladei. ^[41]

Criza financiară care a lovit Coreea la sfârșitul anilor nouăzeci a provocat închiderea caselor de discuri mai slabe din punct de vedere economic și înlocuirea acestora cu companii cu o abordare mai integrată a producției de conținut cultural, care s-a concentrat pe adolescenți ca clienți ai acestora: astfel a apărut centrul tinerilor muzică pop, cu crearea unor grupuri de idoli alcătuite din băieți sau fete. ^[38] Urmând modelul idolului pop american popularizat de Motown Records , ^[46] Lee Soo-man , președintele SM Entertainment , a lansat una dintre primele trupe de băieți idoli, HOT , care a debutat în 1996 după o linie riguroasă. numai în cântec și dans, dar și în etichetă, comportament, limbaj și gestionarea mass-media. ^[23] Cântecul lor Candy a prezentat o formă de pop mai blândă și mai blândă, cu melodii optimiste însoțite de mișcări de dans energice, diferite de melodiile și melodiile emoționante ale generației anterioare. ^[48] Grupul a câștigat o popularitate enormă, vânzând 10 milioane de discuri în cinci ani și permițând SM să devină prima agenție de divertisment sud-coreeană listată la bursă . ^[49] Având în vedere succesul SM, multe companii similare au apărut și au urmat același proces de fabricare a vedetelor , lansând trupe populare de băieți și grupuri de fete precum Sechs Kies , SES , Fin.KL , NRG , Baby VOX , Diva , Shinhwa și GOD , transformând treptat piața divertismentului. ^{[49] [50] [51]} Stilurile de muzică destinate publicului adult s-au mutat pe marginea pieței în timp ce adolescenții, care dobândiseră o putere de cumpărare mai mare datorită economiei aflate în plină dezvoltare la începutul deceniului, au devenit grupul principal de muzică populară consumator demografic. ^[38] Acest lucru a permis artiștilor să fie prezentați prin producții stimulante vizual, cum ar fi videoclipuri muzicale foarte curate, spectacole de televiziune, concerte live la scară largă și programe de varietate , precum și prin comercializarea mărfurilor dedicate. ^[38] Prin intermediul mass-media, guvernul a cerut artiștilor să se angajeze în autocenzură pentru a „contracara declinul moralei prin protejarea tinerilor de materiale dăunătoare” și pentru a menține decorul, în special referindu-se la spectacolele HOT, care au urcat pe scenă purtând bijuterii și salopete colorate se deschid adesea la buric, dar încercarea ei de a opri schimbările rapide din muzica pop a eșuat. ^[52] Între timp, îmbrățișând revoluția muzicii digitale , rapperul Cho PD a lansat primul album digital al Coreei în 1998, cu un succes considerabil. ^[53]

O mișcare reacționară împotriva culturii populare convenționale s-a răspândit și în anii 1990, exprimată prin deschiderea unor cluburi de muzică underground ilegale și a unor formații de punk rock precum Crying Nut . ^[54] Criza financiară i-a împins pe artiști să caute noi piețe pentru muzica lor, iar HOT a lansat un album în mandarină pentru publicul chinez mai larg. ^[50]

Secolul 21: răspândire globală

Același subiect în detaliu: Hallyu .

La începutul anilor 2000 , muzica coreeană a început să fie denumită „K-pop”. ^[1] Idolii au început să se bucure de succes și în alte părți ale Asiei: în 2002, coincidența lui Baby Vox a devenit populară după ce a fost eliberată și promovată în jurul Cupei Mondiale din Coreea de Sud, iar în anul următor au fost primul grup de idoli care a ajuns la topul topurilor din China , cu I'm Still Loving You de pe al treilea album Devotion . ^[55] În curând, însă, grupurile care avuseseră succes în anii 1990 au început să se dizolve, incapabili să concureze pe piață, deoarece nu aveau propriul stil muzical. ^[56] Solistii, pe de altă parte, au câștigat popularitate: BoA a fost primul cântăreț de K-pop care a ajuns în topul topului japonez Oricon , ^[57] iar Rain a cântat la Beijing într-un concert sold out în fața a 40.000 de oameni . ^[58] În 2003, succesul trupei de băieți TVXQ a marcat revenirea grupurilor în lumea divertismentului coreean și creșterea K-pop ca parte a hallyu , adică popularitatea culturii sud-coreene în străinătate. ^[6] S-a născut o a doua generație K-pop, urmată de începuturile unor grupuri precum Super Junior (2005), Big Bang (2006), Wonder Girls (2007), Girls 'Generation (2007), Kara (2007), Shinee (2008), 2NE1 (2009) și f (x) (2009). ^[58] Cvintetul a marcat, de asemenea, creșterea trupelor de băieți K-pop în Japonia, iar cu piesa Purple Line în 2008 au fost prima trupă de băieți străini și a doua coreeană după BoA care a ajuns în topul clasamentelor Oricon. ^{[59] [60]}

Până la mijlocul anilor 2000, o mare parte a pieței muzicale din Asia de Est a început să fie ocupată de K-pop. ^[61] Exporturile de muzică au fost favorizate de rolul în creștere al Coreei de Sud în economia mondială, de imigrația masivă a coreenilor în Japonia, Statele Unite și Europa de Vest, de participarea lor străină la industria culturală și de divizarea muncii artistice producție și distribuție cu personal străin. ^[62] În 2008, aproape 68% din profiturile de acest tip legate de export provin din Japonia, urmată de China (11,2%) și Statele Unite (2,1%). ^[61] În același an a avut loc introducerea în Coreea a muzicii electronice de dans , ^[63] prezentată pentru prima dată în peninsulă într-un mini album de Big Bang, Always . ^[64] De atunci, alți artiști și formații s-au aventurat în gen, ^[65] și trupele de băieți au început să lanseze melodii cu un conținut mai matur și obscur. ^[66]

Dezvoltarea rețelelor sociale a fost un instrument vital care a permis muzicii coreene să ajungă la un public mai larg ^[7], iar K-pop-ul a apărut din ce în ce mai frecvent pe topurile occidentale precum cele de pe Billboard . ^{[67] [68]} Genul a câștigat o atenție deosebită în întreaga lume când Psy Gangnam Style a devenit primul videoclip care a atins un miliard de vizionări pe YouTube în 2012 , primind o acoperire mass-media extinsă de la prese importante. ^{[69] [70] [71]} Cele mai mari agenții coreene de divertisment - SM, YG și JYP Entertainment - au încercat apoi să intre pe piața SUA cu artiști precum BoA, Wonder Girls, Girls 'Generation și CL , dar s-au făcut toate încercările de a s-a dovedit a fi faliment. ^{[72] [73] [74]}

Varietatea Show Me the Money din 2013 a marcat intrarea hip hopului, până acum un gen underground în Coreea, în tendințele muzicale dominante, influențând puternic atât muzica idolului, cât și întreaga scenă K-pop. Au apărut din ce în ce mai mulți „idoli hip hop”, punând rapul în centrul muzicii lor și abordând problemele sociale, în special în rândul grupurilor de băieți. ^{[46] [66]} În 2017, unul dintre ei, cel al BTS , și-a făcut drum în Statele Unite, devenind primul grup coreean care a câștigat un Billboard Music Award ; ^{[75] [76] [77]} a devenit mai târziu primul artist sud-coreean care a câștigat un American Music Award , ^{[78] care} a avut un album, Love Yourself: Tear din 2018, pe locul 1 pe Billboard 200 , ^[79] un single , Dinamita anului 2020, a ocupat locul Billboard Hot 100 ^[80] și o nominalizare la premiul Grammy 2021 în categoria Cea mai bună interpretare vocală de grup . ^[81] Considerat la fel de influent ca Beatles și Monkees , ^[82] BTS a generat o frenezie socială globală care a fost echivalată cu Beatlemania ^[83], iar succesul fără precedent al trupei pe piața internațională și în special cea americană a fost atribuit în mare măsură adoptării genul hip hop. ^[46]

În 2018, genul a cunoscut o creștere semnificativă a veniturilor, fiind listat ca a șasea cea mai mare piață de muzică din lume de către Federația Internațională a Industriei Fonografice . ^[8]

Caracteristici

Genul hibrid și transnaționalitatea

Tendința de căutare a cuvântului „K-pop” în perioada 2008-2012 conform Google Trends .

Seo Taiji .

K-pop-ul modern s-a dezvoltat la începutul anilor 1990 cu debutul lui Seo Taiji and Boys , care a izbucnit cu un cântec de dans care conținea segmente de rap și însoțit de coregrafie, într-o perioadă în care scena muzicală era dominată de pop sunshine și de soliști care cânta balade . Acest stil - cunoscut ulterior sub denumirea de "dans rap" - este considerat fundamentul muzicii idol. ^[84] K-pop-ul modern este un produs cultural format din „calitate, identitate și semnificații care transcend valoarea lor strict comercială”. ^[6] Este cea mai transnațională muzică pop de pe piața asiatică ^[11] și se caracterizează prin fuziunea sunetelor moderne occidentale și a influențelor afro-americane (precum referințe la hip hop , R&B , jazz , pop negru, soul , funk, techno , disco , house și afrobeat ) la ideea coreeană de performanță, care include pași de dans sincronizați, schimbări de formare și mișcări atractive și repetitive. ^{[11] [17] [85]}

Artiștii sunt cunoscuți pentru piesele lor de dans , dar înregistrează frecvent balade ^[17] și unele îmbină popul cu muzica tradițională coreeană. ^[86] Cu toate acestea, hip hop-ul este baza pe care a fost construit genul, atât din punct de vedere muzical, cât și din punct de vedere stilistic: rapul este o necesitate și o condiție prealabilă pentru grupuri, fiecare dintre acestea conținând cel puțin un rapper, iar în coregrafie sunt încorporate break mișcări de dans care sunt accentuate de ritmul hip-hop-ului. ^[87] Chaemin Lee și Jaibeom Kim susțin că rapperii erau un „condiment” pentru a sprijini cântăreții în goluri în timpul podurilor de cântece, iar rapperii din scena underground au debutat în K-pop. ^[88]

Unii consideră K-popul un gen atotcuprinzător, alcătuit și din elemente vizuale. ^[89] L' Institut national de l'audiovisuel francese lo definisce "una fusione di musica sintetizzata, coreografie definite e abiti colorati alla moda", ^[61] mentre il professore di etnomusicologia dell' Università di Hannover Michael Fuhr lo descrive come "un prodotto meticolosamente ibridato, un'aggregazione unica di musica, immagini visive, testi, ballo, e moda, un prodotto postmoderno di pastiche e parodia , una carnevalesca celebrazione del diverso, un brillante mondo di escapismo , e una pratica culturale altamente partecipativa messa in atto attraverso i media digitali". ^[90]

Per alcuni, non sono gli elementi musicali unicamente coreani i responsabili del successo del K-pop, bensì i suoi aspetti transnazionali e ibridi. ^[91] Tra essi figurano la dedizione per le produzioni di alta qualità e la presentazione degli idol, oltre alla loro etica del lavoro e al comportamento sociale educato, che possono attrarre appartenenti a diverse etnie, nazionalità e religioni per via del loro appeal quasi universale. ^{[92] [93]}

Uso di frasi in inglese

All'artista hip hop Yoon Mi-rae e al rapper Tiger JK dei Drunken Tiger è riconosciuto il merito di aver reso popolare l'hip hop in stile americano in Corea. ^[94]

Il K-pop moderno è segnato dal suo uso di frasi in inglese . Jin Dal-yong di Popular Music and Society ha scritto che ciò potrebbe essere dovuto all'influenza "dei coreano-americani e/o dei coreani che hanno studiato negli Stati Uniti che si avvantaggiano della propria scioltezza con l'inglese e delle risorse culturali che non si trovano comunemente tra chi è stato cresciuto ed educato in Corea". ^[95] La musica pop coreana di cantanti o gruppi con coreano-americani, come Fly to the Sky , GOD , Rich, Yoo Seung-jun e Drunken Tiger , contiene frasi sia in stile americano che in inglese. La loro produzione ha uno stile diverso rispetto alla musica coreana classica, il che cattura l'interesse dei giovani. ^[95] Compositori e produttori stranieri vengono sempre più coinvolti nella realizzazione di canzoni per gli artisti K-pop, come will.i.am e Sean Garrett . ^{[96] [97]} Musicisti e rapper stranieri quali Akon , Kanye West , Ludacris e Snoop Dogg hanno inoltre registrato brani insieme ai colleghi sudcoreani. ^{[98] [99]}

Ai cantanti coreani è richiesto l'uso dell'inglese poiché le compagnie d'intrattenimento vogliono occupare i mercati nelle altre parti dell'Asia e da lì aprirsi verso l'Occidente. La maggior parte impara l'inglese poiché è una lingua comune nel mondo della musica, ma alcuni apprendono anche altre lingue straniere come il giapponese per avvicinarsi al mercato nipponico. Allo stesso modo, un numero crescente di gruppi adotta nomi in inglese piuttosto che in coreano, il che permette di raggiungere un pubblico globale più ampio. ^[95] L'internazionalizzazione del K-pop a metà degli anni 2000 ha standardizzato l'inclusione nei gruppi di emigrati coreani anglofoni che riescano a cantare in inglese con più naturalezza ea relazionarsi più facilmente con il pubblico non coreano. ^[100] L'uso dell'inglese, tuttavia, non ha significato la popolarità del K-pop sul mercato nordamericano. ^[95] Per alcuni commentatori, ciò è dovuto al fatto che il genere possa essere visto come un distillato della musica occidentale, rendendo difficile la sua accettazione in questi mercati. Inoltre, il pubblico occidentale tende a dare enfasi all'autenticità e all'espressione individuale nella musica, che il sistema di formazione degli idol dà l'idea di sopprimere. ^[101] Secondo una ricerca condotta dalla compositrice Elaine W. Chun, sebbene l'ibridismo appaia sempre più spesso nel K-pop ea volte possa portare i fan ad ammirarne maggiormente le star perché è percepito come fresco, nuovo e interessante, è difficile far cambiare idea a chi crede nella purezza della linguistica . ^[102]

Nel corso dei decenni, i nomi degli artisti, i titoli ei testi delle canzoni hanno mostrato una crescita significativa dell'uso di parole inglesi. Nessun cantante nella top 50 delle classifiche negli anni Novanta aveva nomi inglesi e chi lavorava nell'industria musicale considerava l'uso di nomi coreani uno standard; inoltre, i musicisti con nomi inglesi li traslitteravano in hangeul . Nel 1995, mentre la maggior parte dei cantanti popolari continuava a usare i nomi di battesimo coreani, quattordici degli artisti nella top 50 facevano uso di nomi in inglese. Passata la crisi finanziaria del 1997 , il governo smise di censurare i testi in inglese e la lingua conobbe un boom nel Paese. Diciassette cantanti nella top 50 avevano nomi inglesi nel 2000, trentuno nel 2005 e quarantuno nel 2010, anche se solitamente tre o quattro artisti avevano più di una canzone in classifica contemporaneamente. I nomi coreani divennero sempre meno frequenti, al contrario di quelli in inglese, che vennero inoltre scritti in alfabeto latino . La percentuale di canzoni con il titolo in inglese nella top 50 era dell'8% nel 1995, del 30% nel 2000, del 18% nel 2005 e del 44% nel 2010. Un esempio di canzone coreana con una porzione significativa di testo in inglese è Jumping delle Kara , pubblicata in contemporanea in Corea e in Giappone con molto successo. ^[95]

Marketing

Le nuove canzoni vengono presentate al pubblico tramite la televisione nazionale, anziché in radio. ^[103] Ai gruppi viene assegnato un nome e un "concept", ^[104] ovverosia il tipo di tema visivo e musicale che verrà utilizzato durante le loro attività. I concept possono cambiare nel tempo, ei fan fanno distinzioni tra i concept da gruppo maschile e quelli da gruppo femminile. Possono essere anche divisi in concept generali e concept tematici, come "carino" o "fantasy". I nuovi gruppi di idol debuttano spesso con un concept noto al mercato per assicurarsi un esordio di successo. A volte vengono formati sotto-gruppi (sub-unit) con soltanto alcuni membri del gruppo principale: a titolo di esempio, i Super Junior-KRY , composti da Kyuhyun , Ryeowook e Yesung dei Super Junior , ei Super Junior-M , tra i sotto-gruppi K-pop più venduti in Cina. ^[105]

Le agenzie di talenti si rivolgono ai singoli mercati nazionali differenziando sia le lingue delle canzoni, sia i nomi dei gruppi, con lo stesso artista che può assumerne uno diverso per mercato, come le Girls' Generation , che sono note come Sonyeosidae in patria e Shōjojidai in Giappone. ^[106] Il Giappone è l'unico mercato per il quale vengano realizzate opere apposite nella lingua locale, poiché è il principale importatore di musica K-pop e ha una cultura dei fandom simile a quella sudcoreana, che si concentra maggiormente su CD e merchandising anziché sui biglietti dei concerti come avviene negli Stati Uniti e in Europa. ^[107]

Il marketing online include il caricamento di video musicali su YouTube per raggiungere una platea globale. ^[103] Prima del video vero e proprio vengono pubblicati foto teaser e trailer . I dischi vengono promossi da due o tre canzoni, aventi le definizioni di "title song" ( 타이틀곡 ^? , ta-iteul gok ^LR ) la prima e "canzoni successive" ( 후속곡 ^? , husok gok ^LR ) le altre. ^[108] Dopo alcuni mesi di pausa, durante i quali viene registrato il nuovo disco, le attività promozionali si ripetono da capo. ^[108] Questo ciclo di attività che segue il debutto prende il nome di "comeback" ( 컴백 ^? , Keombaek ^LR ), letteralmente "ritorno sulle scene", anche se il musicista o gruppo in questione non si era preso un periodo di pausa. ^{[109] [110] [111]}

Coreografie

Dopo alcuni tentativi fallimentari di incorporare il ballo nelle esibizioni canore durante gli anni Settanta e Ottanta, ^[112] esso è diventato parte integrante del K-pop nel 1992 con i Seo Taiji and Boys , che portarono al declino delle esibizioni statiche in favore di gesti delle mani, passi di danza e acrobazie tipiche della break dance . ^[113] Le coreografie e le esibizioni sono diventate l'aspetto più importante del K-pop, poiché uniscono la musica alle qualità estetiche e, specialmente nel caso dei gruppi, hanno un ruolo decisivo nell'affermazione dell'identità e della direzione artistica, che vengono implementate direttamente nelle performance senza utilizzare altri oggetti scenici. ^{[14] [114]} Per Chuyun Oh, la musica dance dei giovani idol è "sicuramente una delle caratteristiche principali che simboleggiano il K-pop". ^[115]

Riproduci file multimediale

La coreografia di Gangsta dei Noir contiene una "point dance". ^[116]

Le coreografie tendono a fondere un'ampia gamma di stili, passi e movimenti provenienti da hip hop, musical , pop americano, danza moderna , arti marziali tradizionali , danza popolare , tip-tap , swing , danza jazz e balletto. ^[115] In coreano prendono il nome di "anmu" ( 안무 ^? ) e includono spesso la cosiddetta "point dance" ( 포인트 안무 ^? , po-inteu anmu ^LR ), ovverosia una sequenza di movimenti avvincenti e ripetitivi che ricalca il contenuto del testo del brano. ^{[117] [118]} Con il termine "kalgunmu" ( 칼군무 ^? ) ci si riferisce alle routine di ballo più precise e sincronizzate. ^[119] Negli anni 2010 Ring Ding Dong e Lucifer degli Shinee hanno lanciato la moda delle coreografie complesse, costruite attorno ad uno schema di separazione/unificazione in cui i membri del gruppo danzano singolarmente o in piccoli gruppi prima di riunirsi nel momento culminante del pezzo. ^[14] Nello stesso decennio è emersa anche la "concept coreography" ( 콘셉트 안무 ^? , konsepteu anmu ^LR ), nella quale testo, costumi di scena e danza vengono uniti in un'esibizione onnicomprensiva per raccontare una storia, come, ad esempio, in Wolf degli Exo . ^[119]

Una volta ideata, la coreografia viene trasmessa alla compagnia d'intrattenimento insieme ad un video d'esempio registrato da ballerini professionisti, dopodiché sia l'azienda che gli artisti stessi forniscono suggerimenti che vanno a modificarla. ^[120] Per poter coreografare una canzone è necessario che chi la scrive tenga in considerazione il tempo , mentre i coreografi hanno il compito di semplificare i movimenti per permettere ai fan di replicare gli stessi passi. ^[121] I registi dei video musicali, invece, devono trovare metodi per far risaltare la danza: le "concept coreography", per esempio, possono essere registrate in ripresa continua . ^[119]

L'allenamento e la preparazione necessari per sfondare nell'industria e ballare con successo sono intensi, per questo esistono centri di formazione che sviluppano le abilità di ballo. Poiché le coreografie eseguite dai gruppi K-pop sono energiche, l'allenamento fisico è uno dei maggiori obiettivi delle scuole, e deve continuare anche dopo aver firmato un contratto. Le etichette ospitano centri di formazione molto più grandi per coloro che sono stati scelti. ^[122] Alcuni trascorrono anche diversi anni all'estero a studiare danza insieme a coreografi e istruttori americani prima di debuttare. ^[14]

Moda ed estetica

La rivoluzione della musica coreana operata nel 1992 dai Seo Taiji and Boys si estese anche al modo di vestire e molti artisti adottarono lo stesso abbigliamento, fatto di capi di vestiario hip hop. ^[123] Negli anni Novanta, nonostante i costumi dei gruppi maschili fossero costruiti con schemi di colori, tessuti e stili simili, i capi di ciascun componente mantennero comunque una certa individualità; al contrario, i gruppi femminili indossavano abiti omogenei e spesso identici. ^[124] Le tendenze di moda in voga dalla fine degli anni 2000 ai primi anni 2010 mostrarono invece maggior diversità e distinzione. ^[125] Il ruolo della moda nel K-pop è cresciuto di pari passo con la digitalizzazione del mercato musicale nel XXI secolo, che ha aumentato la concorrenza e reso necessaria l'adozione di strategie per lasciare un'impressione nel pubblico che fosse il più duratura possibile. I cantanti hanno iniziato ad essere interpretati come marchi e per ciascuno è stato creato uno stile composto da elementi visivi di diverso genere che uniscono il design degli album, dei video musicali e delle esibizioni a trucco, acconciature e costumi di scena per definire l'identità dell'artista. Tale fenomeno, mescolando la musica alla cultura pop , è inedito sia nell'industria musicale statunitense che in quella giapponese. ^[126] Il K-pop ha un'influenza significativa sulla moda asiatica, dove le tendenze iniziate dagli idol vengono seguite dal pubblico giovane. ^[127] Alcune celebrità hanno anche uno status consolidato di icone di stile, come G-Dragon ^[128] e CL , che ha ripetutamente lavorato con lo stilista Jeremy Scott , che l'ha definita la propria "musa". ^{[129] [130]}

Seo Taiji segnò un punto di svolta anche per i canoni estetici degli artisti maschili: l'ideale contadino dell'uomo robusto con il volto rotondo fu sostituito da un look androgino caratterizzato da visi più allungati e corpi alti e magri. ^[123] Secondo il professore di sociologia Ingyu Oh, "il K-pop enfatizza un aspetto alto, magro e femminile con espressioni facciali adolescenziali oa volte molto carine, a prescindere dal fatto che i cantanti siano maschi o femmine". ^[131] Mentre le donne vengono rappresentate come più conformi alle aspettative di genere , uomini con tratti "morbidi" o "delicati" hanno assunto un ruolo centrale nella commercializzazione del K-pop e dei prodotti culturali coreani in generale. ^[132] Essi esibiscono una sorta di " femminilità maschile" che si oppone alle nozioni occidentali convenzionali sia di mascolinità che di eterosessualità e omosessualità . ^{[133] [134]} Uno studio ha evidenziato che le fan del K-pop apprezzano tale tipo di rappresentazione "anomala" perché dà loro la sensazione di non dover rispettare l'idea patriarcale della donna subordinata all'uomo, facendole sentire più dominanti. ^[135]

Diritti d'autore

L'approssimativo regime di tutela del copyright in Corea del Sud prima del 2009 e l'ampia diffusione della pirateria nel Paese hanno contribuito allo sviluppo e alla competitività dell'industria K-pop. ^{[136] [137]} Tra gli anni Sessanta e Ottanta del XX secolo , LP e nastri pirata di artisti stranieri censurati dalle autorità erano particolarmente popolari tra i giovani e avviarono la prima innovazione della scena musicale dominata dal trot , portata avanti da cantanti K-pop che acquistavano i più economici album pirata per copiarne lo stile. ^[138] Erano le case discografiche stesse a piratare i dischi, per poterne investire i ricavi nella ricerca di nuovi talenti e nella produzione di inediti, in un mercato sottosviluppato dove vendere gli album originali era meno remunerativo che realizzare copie illegali. ^[138] Il governo inasprì le norme antipirateria nel 1987, permettendo alle etichette discografiche occidentali di pubblicare direttamente i titoli dei propri cataloghi in Corea, ma nel frattempo il K-pop aveva già migliorato la propria competitività acquisendo gli stili del pop occidentale attraverso le copie pirata, e le nuove leggi sul diritto d'autore appena introdotte impedirono che il mercato degli album stranieri superasse quello degli album locali, le cui vendite, paradossalmente, prosperavano proprio grazie alla diffusione dei dischi pirata. ^[139] In seguito, crescendo in un ambiente dove la pirateria musicale era la norma, artisti e addetti del settore della nuova generazione non hanno insistito sulla tutela del diritto d'autore, rendendo invece più disponibili e gratuiti i contenuti K-pop online. ^[138]

Industria

Dopo la loro comparsa alla fine degli anni Novanta, gli idol hanno assunto un ruolo di primo piano nell'industria K-pop, ^{[11] [140]} grazie alla contemporanea proliferazione dei programmi d'intrattenimento sui canali via cavo sudcoreani, che si sono rivolti alle agenzie d'intrattenimento per scritturare gli artisti necessari ai loro show. ^[141] Nel 2012, 82 canzoni nella top 100 della Gaon Chart erano registrate dagli idol; il resto del pop rappresentava l'8% e le colonne sonore il 5%, mentre altri generi come hip hop, rock e folk occupavano meno dell'1%. ^[142] Tuttavia, sebbene gli idol siano più popolari dei cantanti tradizionali, la musica dance che sono soliti pubblicare rappresenta solo una minima parte della produzione musicale coreana annuale: rock, hip hop, jazz , R&B, elettronica e crossover sono generi più diffusi, e nel 2011 due terzi dei 1100 album pubblicati appartenevano alla musica indie . ^[140]

I gruppi sono più comuni dei solisti, poiché, seguendo l'ottica di un' economia di scala , la presenza di molteplici artisti permette di eseguire le coreografie senza assumere ballerini di backup; inoltre ciascun membro può attirare diversi tipi di fan e dedicarsi ad attività separate diverse da quelle del proprio gruppo. ^[143]

L'industria coreana identifica tutte le pubblicazioni musicali disponibili su supporto fisico come "album": gli album in studio vengono chiamati "album regolari" ( 정규 앨범 ^? , jeonggyu aelbeom ^LR ), gli EP "mini album" ( 미니 앨범 ^? , mini aelbeom ^LR ) ei singoli "single album" ( 싱글 앨범 ^? , singgeul aelbeom ^LR ). ^[144] Se un singolo è disponibile soltanto in formato digitale, viene espressamente identificato come "digital single". ^[145]

Agenzie

Il K-pop ha generato un'intera industria di case di produzione musicale, compagnie di gestione degli eventi, distributori di musica e fornitori di merchandise e servizi. Nel 2012 si è stimato che le agenzie di management attive fossero circa un migliaio, principalmente imprese di piccole e medie dimensioni, e per questo soltanto otto erano quotate in borsa. ^[146] SM Entertainment , YG Entertainment e JYP Entertainment , fondate negli anni Novanta, sono note collettivamente con il nome "Big 3" ( 빅3 ^? , Bik3 ^LR ) e sono state un fattore cruciale per il successo del K-pop, più del sostegno governativo e dello sviluppo tecnologico, poiché sono state la forza motrice nella creazione della musica degli idol. ^{[84] [147] [148]} Gli artisti che debuttano sotto di esse godono di più fama rispetto agli altri e hanno più probabilità di successo, grazie alla maggior disponibilità di capitali e infrastrutture per farsi pubblicità. ^{[149] [150]} Tutte le compagnie quotate operano all'interno dell'indice KOSDAQ , ^[151] tranne la Hybe , che nell'ottobre 2020 si è quotata nell'indice KOSPI diventando la più grande azienda di intrattenimento del Paese, con una capitalizzazione di mercato superiore a quella combinata delle Big 3. ^[152]

Le etichette discografiche fungono anche da rappresentanti dei propri artisti. Sono responsabili dell'assunzione, del finanziamento, della formazione e della commercializzazione di nuovi talenti, oltre che della gestione delle loro attività musicali e delle pubbliche relazioni. ^[153] Fusioni e acquisizioni permettono loro di dotarsi delle competenze di altre compagnie specializzate in settori specifici, riducendo tempi e costi per lanciare i loro artisti. ^[154]

Mercato

Album fisici venduti in Corea del Sud per anno (milioni) [155] [156]

Fino alla metà degli anni 2000 , nell'era dei dischi in vinile , il formato più diffuso sul mercato musicale coreano è stato l' album in studio a 33 giri , considerato più efficiente di 78 giri ed EP , mentre non venivano pubblicati singoli . ^{[157] [158]} Per questo motivo, per identificare la canzone più famosa e pubblicizzata del disco, che in Occidente è spesso chiamata "singolo", è stato coniato il termine "title track" ( 타이틀 곡 ^? , ta-iteul gok ^LR ), che viene utilizzato anche se il brano in questione ha un titolo diverso da quello dell'album di provenienza. ^[144] Il concetto occidentale di singolo è entrato in Corea nei tardi anni 2000, sulla scia della sensibile crescita delle vendite di musica digitale iniziata alla fine degli anni Novanta, ^[159] ei formati musicali più diffusi sono diventati i singoli digitali e gli EP per via del minor costo di produzione rispetto agli album in studio. ^[160]

Nel 2008 le vendite di musica digitale hanno superato quelle delle copie fisiche grazie in parte alla velocità e alla convenienza della rete mobile nazionale. ^[159] Nel 2012, per esempio, il costo medio per ottenere una canzone K-pop in Corea del Sud era di $0,10 per download singolo e di $0,002 per streaming online, ^{[161] [162]} inferiori rispetto ai corrispondenti esteri a causa della lunga competizione dei distributori sudcoreani con la pirateria. ^[163] La digitalizzazione della musica è andata di pari passo con il confezionamento e la presentazione dei CD di musica pop come oggetti da collezione, di forme e dimensioni differenti e spesso accompagnati da diversi tipi di gadget, ^[159] una strategia che ha permesso di mantenere una crescita costante delle vendite di dischi fisici nel Paese. ^[155]

Nel 2002, il mercato musicale in Corea del Sud registrava un valore interno di 286,1 miliardi di won ($272 milioni) ed esportazioni per 6 milioni di dollari. ^[164] Nel 2008 valeva $148,5 milioni a livello globale secondo la IFPI , ^[165] ma l'anno seguente il mercato interno crollò a 80 miliardi di won, perciò le compagnie d'intrattenimento si rivolsero a Internet e alla musica digitale per raggiungere i mercati esteri, portando a un aumento delle esportazioni, che toccarono $31,3 milioni ^[164] e fecero dell'industria la 14ª più grande al mondo. ^[165] Quello stesso anno, DFSB Kollective divenne il primo distributore di musica K-pop su iTunes . ^[166] Dopo una serie di sentenze contro lo streaming gratuito ei siti di download, nel 2011 il mercato della musica digitale in Corea toccò i 600 miliardi di won ^[164] ei $195,8 milioni a livello globale. ^[165] Secondo Billboard , nella prima metà del 2012 l'industria della musica coreana incassò $3,4 miliardi, un incremento del 27,8% rispetto all'anno precedente, ^[167] e fu riconosciuta dal Time come "la maggiore esportazione della Corea del Sud". ^[168] Nel 2016, i ricavi globali derivanti dal K-pop arrivarono a $4,7 miliardi ^[169] e nel 2018, anno in cui sperimentò una crescita degli introiti del 17,9% rispetto all'anno precedente, l'industria musicale coreana era la sesta più grande al mondo. ^[8] Il genere esplose ulteriormente nel 2020 registrando un incremento del 44,8% e affermandosi come mercato musicale dalla crescita più rapida; ^[170] nello stesso anno l'industria della musica pop perse circa 184 miliardi di won (163 milioni di dollari) a causa del crollo dei biglietti per i concerti causato dalla pandemia di COVID-19 . ^[171]

La Banca di Corea ha attribuito la rapida impennata delle esportazioni culturali a partire dal 1997 alla crescita della popolarità globale del K-pop. ^[172]

Ildisco più venduto di sempre in Corea del Sud è Map of the Soul: 7 dei BTS , pubblicato nel febbraio 2020, con più di 4,1 milioni di copie fisiche in nove giorni. ^[173]

Il Giappone è il principale mercato in cui viene esportato il K-pop, seguito da Stati Uniti e Cina. ^[107]

Classifiche musicali

Lo stesso argomento in dettaglio: Gaon Chart .

Le classifiche musicali coreane includono la Gaon Chart lanciata nel 2010 dalla Korea Music Content Association ^[174] e la Korea K-pop Hot 100 lanciata da Billboard Korea nel 2011. ^[175] I dischi K-pop sono inoltre apparsi in numerose classifiche estere, come la Oricon Chart giapponese e la statunitense Billboard .

Negli Stati Uniti, BoA è stata il primo artista K-pop a figurare nella Billboard 200 con il suo album eponimo , che nell'aprile 2009 si è classificato 127º. ^[176] La posizione massima raggiunta da un coreano è la prima, ottenuta dai BTS con Love Yourself: Tear nel maggio 2018. ^[177] Le prime coreane a classificarsi sulla Billboard Hot 100 sono state invece le Wonder Girls nell'ottobre 2009 con la versione inglese di Nobody , che si è collocata 76ª; ^[178] la posizione massima raggiunta da un coreano è la prima, ottenuta dai BTS con Dynamite nel settembre 2020. ^[80]

Nel Regno Unito , i BTS sono stati i primi artisti K-pop a entrare nella UK Album Charts , comparendo in posizione 62 nell'ottobre 2016 con Wings . ^[179] Il gruppo ha segnato anche il miglior piazzamento di sempre per un cantante coreano, quando l'EP Map of the Soul: Persona è stato primo in classifica nell'aprile 2019. ^[180]

La Corea del Sud ha diversi rivenditori di musica online, e il termine "all-kill" (AK; 올킬 ^? , Olkil ^LR ) viene utilizzato quando una canzone è al primo posto, nello stesso momento, in tutte le principali classifiche musicali in tempo reale. ^[181] L'all-kill è "perfetto" quando la canzone contemporaneamente si posiziona anche al primo posto nella classifica settimanale iChart. ^[182]

Televisione

MTV , importata in Corea a metà degli anni Novanta, ha contribuito alla trasformazione del K-pop in una cultura visiva trasmettendo i video musicali prima dell'avvento di YouTube. Sul finire del decennio hanno preso piede sei programmi musicali con esibizioni dal vivo ( Inkigayo , Show! Eum-ak jungsim , Music Bank , M Countdown , Show Champion e The Show ), trasmessi uno per emittente settimanalmente, dal martedì alla domenica. Essi rappresentano il principale mezzo di promozione per gli artisti grazie alla costante esposizione al pubblico, e in ogni puntata viene premiata la canzone più popolare della settimana incrociando diversi dati tra cui vendite, visualizzazioni su YouTube e voti degli spettatori. ^[183]

Il gruppo IOI si è formato tramite la prima edizione di Produce 101 . ^[184]

Negli anni 2010, per contrastare il declino in popolarità dei programmi televisivi a favore di Internet, molti canali hanno iniziato a trasmettere talent show K-pop. Alcuni di essi hanno riscosso ampi consensi in termini di audience e sponsorizzazioni, e il successo della seconda edizione di Superstar K nel 2010 ha causato la quadruplicazione di questo genere di programma. ^[185] Oltre a talent show come K-pop Star e competizioni tra rapper come Show Me The Money e Unpretty Rapstar , sono stati prodotti molti show "di sopravvivenza", che generalmente mettono gli apprendisti uno contro l'altro per formare un nuovo gruppo di idol. Esempi di show di sopravvivenza sono MyDOL , da cui sono nati i VIXX , ^[186] WIN: Who Is Next , che ha dato vita ai Winner , ^[187] Mix&Match , che ha visto la formazione degli Ikon , ^[188] Sixteen , dal quale sono uscite le Twice , ^[189] No.Mercy , che ha fatto esordire i Monsta X , ^[190] Pentagon Maker , che ha formato i Pentagon , ^[191] e il franchise di Produce 101 . ^[192] L'ascesa di questi programmi, che spesso coinvolgono agenzie più grandi che mettono sotto contratto gli apprendisti delle colleghe più piccole per formare gruppi a progetto temporanei e che trattengono per sé la maggior parte dei ricavi, ha generato critiche di monopolizzazione dell'industria. ^{[193] [194]}

Critiche all'industria

Corruzione

Dagli anni Settanta, quando, per aggirare la pirateria e la censura del governo, ci si rivolse a radio ed emittenti televisive per presentare i propri artisti al pubblico, nell'industria musicale si è diffusa la pratica della payola , che coinvolge DJ, produttori televisivi e giornalisti che si occupano di spettacolo. ^[195] Nel 2002 il Time riferì che, durante un tentativo per contrastare "la corruzione sistemica nel settore musicale della Corea del Sud", due produttori televisivi sudcoreani erano stati arrestati per "aver accettato sottobanco pagamenti che garantissero apparizioni in TV ad aspiranti cantanti e musicisti". Tra le otto aziende sotto indagine figurarono la SidusHQ e la SM Entertainment . ^[51] Nel 2011 vennero arrestate ventinove persone, principalmente dipendenti di radio e canali via cavo, sospettate di aver accettato pagamenti in contanti in cambio di airplay o falsi posizionamenti nelle classifiche. ^[196]

Superlavoro

Lo stesso argomento in dettaglio: Idol coreano § Condizioni contrattuali .

Nel 2008 la boy band TVXQ ha portato in aula la SM Entertainment per via dell'eccessiva durata del suo contratto (13 anni) e dell'ingiusta distribuzione dei guadagni. ^[197] La BBC ha definito "schiavista" l'accordo, i cui termini permettevano un loro potenziale sfruttamento tramite superlavoro. ^[198] Alla luce del caso TVXQ, l'anno successivo la Korean Fair Trade Commission ha introdotto dei contratti standardizzati non più lunghi di sette anni che garantissero maggiori diritti agli idol nei rapporti con le proprie agenzie ^[199] e ha proseguito con le riforme anche negli anni successivi. ^{[200] [201]} Secondo quanto riportato da Jugan Chosun , a fine 2011 la SM Entertainment risultava essere l'unica compagnia ad essere mai stata denunciata dai propri artisti per le condizioni contrattuali. ^[147]

Sessualizzazione

I girl group K-pop degli anni Novanta avevano un'immagine da "ragazze innocenti" priva di elementi sessuali, in linea con la loro età, e, quando non si poteva più mantenerla per ragioni anagrafiche, il gruppo veniva sciolto. Negli anni 2000, invece, essi adottarono outfit sensuali e coreografie che sottolineassero determinate parti del corpo: taluni hanno condannato questa scelta, sostenendo che sia un modo per mercificare il corpo femminile. ^[202] Alcuni critici hanno sollevato particolare preoccupazione per la sessualizzazione dei minori, obiettando che specialmente le giovani idol sono suscettibili di pressioni a indossare vestiti succinti e ballare in modo provocante. ^[203] Paragonato alla musica pop occidentale, il K-pop contiene comunque una parte minima di sesso, droghe o comportamenti aggressivi ed è più orientato ad ottenere l'approvazione dei genitori. ^[204] Nel 2014 la Korean Fair Trade Commission ha approvato una legge che proteggesse i minorenni da pratiche lavorative dannose ed esibizioni apertamente sessualizzate, applicando maggior severità all'intera industria dell'intrattenimento. ^{[205] [206]}

Salute mentale

In Corea, gli artisti K-pop sono esposti allo stress psicologico più frequentemente di altri personaggi dello spettacolo, ^[207] e alcuni hanno suggerito che la costante attenzione del pubblico e l'incertezza del proprio lavoro di intrattenitori possano aver avuto effetti deleteri sulla loro salute mentale . ^[208] Secondo Park Kyung dei Block B , "ci sono molte persone che hanno debuttato senza avere ancora una percezione di sé e si rendono conto in seguito che ogni loro mossa e ogni parola che dicono è sotto osservazione, quindi diventano caute e perdono la loro libertà". ^[209] Gli idol devono inoltre fare i conti con l'invasione della loro privacy perpetrata giornalmente dai sasaeng ^[207] e con i commenti malevoli lasciati dai netizen. ^[210] Alcune agenzie come la JYP Entertainment hanno assunto degli psicologi per aiutare i propri artisti a gestire lo stress. ^[211]

I suicidi di noti musicisti K-pop hanno attirato l'attenzione sulle pressioni vigenti nell'industria. ^[212] Nel dicembre 2017 la morte di Kim Jong-hyun degli Shinee , che aveva parlato apertamente della sua depressione , stimolò numerose conversazioni sullo stato dell'assistenza mentale in Corea del Sud, con diverse star che affrontarono pubblicamente l'argomento, nonostante il senso di tabù sui disturbi psicologici radicato nella cultura coreana, e nella primavera 2018 un numero consistente di musicisti partecipò ad una serie di concerti gratuiti per accrescere la consapevolezza sulla prevenzione dei suicidi. ^[213] Nel 2019, le morti apparentemente auto-inflitte di Sulli e Goo Ha-ra , entrambe vittime di cyberbullismo , alimentarono ulteriori discussioni su una proposta di legge per introdurre pene più severe contro chi lasciava commenti d'odio, ^[214] mentre il sito Kakao disabilitò i commenti alle notizie di intrattenimento. ^[215]

Cultura

Attrattiva e fan base

Lo stesso argomento in dettaglio: Popolarità del K-pop all'estero .

Secondo alcuni punti di vista, il K-pop ha colmato il vuoto tra le esibizioni sessualizzate degli artisti americani e quelle compassate dei loro colleghi asiatici, esemplificando "i valori da classe media urbana e suburbana, che cercano di essere accettabili allo stesso tempo sia per i giovani che aspirano all'università, sia per i loro genitori: un mondo che non suggerisce niente della povertà e della violenza del centro-città, del radicalismo corporale o sessuale, o della devianza sociale e dell' alienazione culturale ”. ^{[93] [216]}

Fan del K-pop in Polonia.

Il K-pop come esportazione culturale ha soddisfatto le necessità della giovane popolazione dell'Asia orientale che cercava musica più regionale rispetto al pop americano ed europeo. ^[217] In Corea sono le donne le principali consumatrici di K-pop, ^[218] così come all'estero, dove le giovani donne appassionate del genere costituiscono la maggior parte dei fan della hallyu , ma il K-pop è seguito anche da uomini e persone adulte. ^[219] Nel 2018 la rivista britannica Metro ha intervistato cinque fan maschi di differenti nazionalità, che hanno raccontato di come seguire boy band K-pop e partecipare alle attività dei propri fandom li avesse aiutati a capire meglio se stessi e il concetto di mascolinità . ^[220]

La diffusione dei fandom all'estero è stata a volte resa difficoltosa dall'impossibilità di interagire personalmente con gli artisti, la quale ha generato la percezione che questi ultimi potessero essere "artificiali" o "falsi". Per questo motivo, in un primo momento i fan stranieri hanno basato i propri gusti su quelli dei loro omologhi coreani, seguendo gli artisti famosi in madrepatria, prima di sviluppare preferenze indipendenti e, talvolta, opposte. ^[221] Fino agli inizi degli anni 2000 i fandom K-pop negli Stati Uniti erano diffusi soltanto nelle comunità coreane o asioamericane e tra americani caucasici ex-fan del J-pop interessati alla cultura asiatica, ma con il lancio di YouTube nel 2005 si sono espansi velocemente al di fuori di esse, includendo afroamericani e ispanici che non conoscevano la cultura coreana. ^[222] Secondo il rapporto annuale di Nielsen , i fan americani del K-pop nel 2019 erano con maggior probabilità adolescenti e millennial di sesso maschile, ispanici o comunque non bianchi , che spendevano di più in musica del resto della popolazione e trascorrevano anche più ore la settimana ad ascoltarla. ^[223]

La cultura dei fandom K-pop si distanzia da quella dei seguaci del pop americano poiché l'artista ei suoi fan sviluppano un legame di appartenenza reciproca, e non è raro che il fandom si dedichi completamente al proprio idolo diventando, a volte, la forza motrice del suo successo. ^[221] La connessione tra le due parti è rafforzata dal fatto che sia l'artista stesso o la sua compagnia a scegliere il nome dei fan. ^[221] Un articolo del The Wall Street Journal del 2013 ha indicato che la capacità di resistenza futura del K-pop sarebbe stata influenzata dai fan, le cui attività online si erano evolute in "micro-aziende". ^[224] Poiché in Corea le prestazioni nelle classifiche svolgono un ruolo fondamentale nel misurare il successo di un gruppo e mantenerlo in attività, gli appassionati pongono molta enfasi su acquisti, streaming, ascolti e promozioni, ^[14] e con il trascorrere degli anni hanno imparato a sfruttare Internet, diventando comunità virtuali altamente organizzate con obiettivi comuni specifici e strategie attentamente pianificate che includono download e streaming costanti. Il loro fervore e mobilitazione hanno motivato lo sviluppo di risorse e servizi più all'avanguardia. ^{[225] [226]} Una caratteristica unica dei fandom K-pop è il "fan chant", nel quale il pubblico riecheggia alcuni versi di una canzone o scandisce i nomi di componenti del gruppo durante le parti non cantate. ^{[14] [227]}

Molti fan viaggiano all'estero per vedere i propri idoli in tour, ei turisti provenienti da Giappone e Cina visitano comunemente la Corea del Sud per assistere ai concerti K-pop. ^[168] Un tour di gruppo focalizzato sul K-pop e proveniente dal Giappone ha portato oltre 7.000 fan a Seul nel 2012 per incontrare i JYJ ^[228] e, durante il concerto del gruppo a Barcellona nel 2011, fan da tutto il mondo hanno trascorso la notte accampati all'ingresso. ^[229] Nel 2012 è stato organizzato per la prima volta a Irvine l'annuale festival Kcon , ^[230] che nel corso degli anni ha aumentato il numero di edizioni e si è espanso in Europa, Asia, Sudamerica e Oceania. ^{[231] [232]}

Una ricerca di mercato condotta nel luglio 2019 dalla Embrain Trend Monitor su un campione di sudcoreani tra i 16 ei 64 anni ha rilevato che la maggioranza di essi riteneva positivi i fandom, definendoli "appassionati" e "virtuosi", ma anche "estremi". Il 39,9% li reputava un passatempo , soprattutto gli adolescenti; per il 63,2% era un hobby sano, specialmente per le donne piuttosto che per gli uomini, e per gli adolescenti ei ventenni. D'altra parte, il 28,7% ha affermato di non capire il fenomeno e il 23,8% ha dichiarato di ritenere patetico chi partecipava alle attività dei fandom nonostante l'età avanzata. ^[233] Nel Paese è infatti diffusa la percezione che seguire con assiduità una celebrità sia un comportamento socialmente anormale e immaturo una volta superata l'adolescenza, quando agli adulti viene richiesto di investire il proprio tempo e denaro sulla famiglia. Per questo alcuni fan più cresciuti del K-pop nascondono la loro passione a familiari, colleghi e amici, dando origine al fenomeno dell' ilko ( 일코 ^? ; " Cosplayer di persona normale" ). ^[234] Le donne sono spesso identificate con il termine denigratorio ppasun-i ( 빠순이 ^? ), che indica un soggetto femminile che accetta passivamente i contenuti culturali prodotti dal sesso maschile, ^[218] o trattate collettivamente come fanatiche a causa dei sasaeng . ^[235]

Social media

Psy, il cui video musicale di Gangnam Style è stato il primo video a raggiungere 1 miliardo di visualizzazioni su YouTube.

L'avvento dei social media ha permesso agli artisti K-pop di raggiungere un pubblico globale e di comunicare facilmente con i loro fan, ^[236] che usufruiscono dei social per esprimere la propria devozione, interagire tra loro e consumare contenuti K-pop. ^[237] Giacché i ricavi del mercato musicale mondiale online sono cresciuti del 19% dal 2009 al 2014 con i social media, i consumatori di musica intorno al mondo sono stati esposti più facilmente al K-pop e, attraverso le pubblicità sui social, le compagnie di intrattenimento hanno ridotto il divario culturale affinché il genere potesse entrare nel mercato globale e ottenere il riconoscimento all'estero. ^[238] Piattaforme come Facebook vengono usate dalle agenzie per informare sulle audizioni globali. ^[236]

I gruppi idol traggono benefici dai social media basati sui video come YouTube , perché le componenti visive come il ballo e la moda sono fattori essenziali nelle loro esibizioni. ^[238] Da quando il K-pop ha iniziato ad espandersi oltre i confini della Corea, i suoi artisti hanno segnato record significativi su YouTube, dove il numero di ricerche del termine "K-pop" è aumentato di 33 volte nel decennio 2004-2014. ^[238] Nel dicembre 2011 è diventato il primo genere specifico di una nazione ad ottenere una homepage sulla piattaforma di condivisione video, ^[236] e nel 2012 le visualizzazioni dei video K-pop erano salite a 7 miliardi all'anno^[239] contro gli 800 milioni del 2010. ^[240] In quello stesso anno, il videoclip di Gangnam Style di Psy è stato il primo video a raccogliere un miliardo di visualizzazioni su YouTube. ^[241] Ddu-Du Ddu-Du delle Blackpink è il video di un gruppo K-pop più visto, ^[242] mentre Butter dei BTS è il video musicale con il maggior numero di visualizzazioni (oltre 108 milioni) nelle prime ventiquattr'ore dalla pubblicazione. ^[243]

Nel corso del decennio 2010 , il K-pop è diventato uno degli argomenti di conversazione più gettonati su Twitter a livello globale, con oltre 6 miliardi di tweet nel periodo luglio 2019-giugno 2020. ^[244] Twitter è il social media principale con cui le star K-pop stabiliscono connessioni e ottengono promozioni: ^[244] per esempio, Gangnam Style divenne virale dopo essere stata menzionata da noti twitteri, ^[245] e Bang Si-hyuk , produttore dei BTS, ha parzialmente attribuito la rapida crescita della loro fanbase all'uso di social media simili. ^[246] Il 13 novembre 2017, i BTS sono diventati il primo artista sudcoreano a raggiungere i 10 milioni di follower sulla piattaforma. ^[247] Sono stati la celebrità più twittata al mondo sia nel 2017 che nel 2018, ^{[248] [249]} detengono il Guinness dei primati per il maggior numero di interazioni su Twitter ^[250] e dal 2017 vincono il premio di Top Social Artist ai Billboard Music Award . ^[251] Anche altri gruppi come i Seventeen ei Monsta X sono apparsi nella top 10 globale degli artisti più twittati del 2017, e gli Exo sono stati la celebrità più seguita di quelle unitesi a Twitter in quell'anno. ^[252] Secondo l'amministratore delegato di Twitter Korea, il suo uso da parte delle celebrità ne ha fatto accrescere la popolarità tra i sudcoreani. ^[253]

Il K-pop nelle relazioni con l'estero

Il governo sudcoreano ha riconosciuto i benefici apportati al settore delle esportazioni dalla popolarità dei contenuti culturali coreani nel mondo e ha perciò sovvenzionato determinate imprese, ^[61] approntando, tra le altre, anche delle iniziative per espandere la popolarità del K-pop, intraprese principalmente dal Ministero della Cultura, dello Sport e del Turismo. Le ambasciate ei consolati sudcoreani hanno organizzato concerti K-pop all'estero, ^[254] e il Ministero degli Affari Esteri invita regolarmente i fan del K-pop oltreoceano a partecipare all'annuale K-pop World Festival in Corea del Sud. ^[255] Questo impegno ha generato la credenza che il governo coreano sia stato un fattore chiave nel successo del genere all'estero, tuttavia le sponsorizzazioni statali sono iniziate soltanto dopo che il K-pop aveva già ottenuto un livello significativo di popolarità internazionale, e sono utilizzate per promuovere il "brand nazionale" della Corea. ^[256]

Oltre a cogliere i benefici economici derivanti dalla popolarità del K-pop, il governo sudcoreano ha tratto vantaggio dall'influenza del K-pop in ambito diplomatico , usandolo come forma di soft power . Per esempio, gli Mnet Asian Music Award 2014 si sono tenuti a Hong Kong , aperti da un discorso dell'allora presidente della Corea del Sud Park Geun-hye . L'evento è stato considerato un tentativo deliberato del governo sudcoreano di sostenere le proprie industrie culturali per rafforzare la sua reputazione internazionale e influenza politica. ^[257]

Il K-pop ha trovato spazio anche nelle relazioni tra la Corea del Sud e la Corea del Nord . Il 25 maggio 2010, il Sud reagì al presunto affondamento, causato dal Nord, di una nave della marina trasmettendo HuH delle 4Minute nella zona demilitarizzata . ^[258] Il Nord rispose che avrebbe "distrutto" qualunque altoparlante lungo il confine. ^[259] Quello stesso anno, The Chosun Ilbo riportò che il Ministero della Difesa stava considerando di installare dei teleschermi sul confine per trasmettere video musicali di girl group popolari nell'ottica di una "guerra psicologica" contro la Corea del Nord. ^[260] Nel settembre 2012, il Nord caricò online un video con una foto manipolata della presidentessa sudcoreana Park Geun-hye che ballava Gangnam Style , etichettandola come una "devota" ammiratrice dell' autocrazia imposta da suo padre Park Chung-hee . ^[261] Dal 31 marzo al 3 aprile 2018, dopo un intervallo lungo più di un decennio durante il quale i cantanti pop sudcoreani si erano esibiti solo occasionalmente in territorio nordcoreano, ^[262] circa 190 artisti si esibirono a Pyongyang , con il dittatore Kim Jong-un tra il pubblico. ^{[263] [264]}

Riproduci file multimediale

Il presidente statunitense Barack Obama nel maggio 2013 citò Gangnam Style quale esempio di come la gente di tutto il mondo stesse venendo "spazzata dalla cultura coreana – dalla Korean Wave". ^[265]

A partire dai primi anni 2010, diversi leader politici hanno riconosciuto l'ascesa mondiale della cultura popolare coreana: nell'ottobre 2012, la portavoce del dipartimento di Stato americano Victoria Nuland osservò in una riunione quotidiana con la stampa che sua figlia "ama[va] il pop coreano", ^[266] causando una frenesia mediatica in Corea del Sud dopo che un giornalista della Yonhap News Agency statale organizzò un'intervista con la Nuland descrivendone la figlia adolescente come "pazza per la musica e la danza coreane". ^[267] Nel novembre 2012, il ministro di Stato britannico del Foreign Office Hugo Swire ebbe un incontro con i diplomatici sudcoreani alla Camera dei lord , durante il quale affermò che "come Gangnam Style ha dimostrato, anche la vostra musica è globale". ^[268] Nel febbraio 2013, la vicepresidentessa del Perù Marisol Espinoza rilasciò un'intervista alla Yonhap News Agency, citando il K-pop come "uno dei principali fattori che hanno fatto desiderare ai peruviani di conoscere meglio la Corea del Sud". ^[269]

L'associazione del K-pop con l'identità nazionale della Corea del Sud ha raggiunto un livello tale che i beni culturali coreani sono diventati bersagli di boicottaggio durante le dispute diplomatiche. ^[256] Nell'agosto 2016 venne riferito che la Cina aveva intenzione di bandire le trasmissione coreane e le promozioni degli idol K-pop nel Paese per opporsi allo spiegamento del sistema difensivo THAAD in Corea del Sud. ^{[270] [271]} Il reportage su queste misure causò un effetto negativo immediato, seppure temporaneo, sul valore delle azioni delle agenzie di talenti coreane. ^[272]

Critiche

Dalla sua ascesa nel XXI secolo, il K-pop ha ricevuto reazioni critiche in Corea del Sud che hanno messo in dubbio la sua identità come genere. Alcuni critici musicali l'hanno definito "un'etichetta industriale creata sin dall'inizio principalmente per promuovere il marchio nazionale sul mercato globale", obiettando che non si fosse formato "spontaneamente come cultura popolare, ma [fosse stato] creato attraverso un piano orchestrato e guidato dal governo con considerazioni di carattere commerciale", e che "il genere non ha praticamente nessun legame con l'identità tradizionale coreana". ^{[10] [273]} Secondo un altro punto di vista, "la funzione del K-pop non sembra essere quella di diffondere la cultura coreana, quanto quella di sviluppare le tendenze globali all'interno della struttura del K-pop, [...] elevando cantanti e artisti altamente dotati ai gusti del pubblico globale". ^[274] Lo stesso termine "K-pop" è stato messo in discussione, poiché raggruppa tipicamente artisti che si dedicano a generi musicali completamente differenti sotto un'unica definizione. Alcuni critici l'hanno ritenuto riduttivo e geograficamente limitante, oltre che un riflesso delle dinamiche di potere nel mercato musicale globale, che tende a dare nomi specifici ai generi provenienti da culture considerate "altre". ^[275]

Il K-pop ha a volte affrontato critiche da giornalisti che lo hanno percepito come scontato e non originale. ^{[276] [277] [278] [279]} Alcuni esponenti dell'industria musicale e della stampa hanno dibattuto sulla sua sostenibilità, poiché la continua replica della musica dance che ha portato il genere al successo ha causato, negli anni 2010, un'omogeneizzazione delle produzioni e dei talenti artistici. ^[150] Le preoccupazioni su una possibile stagnazione del K-pop sono state affrontate in programmi televisivi come Bongmyeon ga-wang , Girl Spirit e Hit the Stage , che hanno mostrato la versatilità e il talento degli idol facendoli cimentare in generi differenti o nella creazione di coreografie. ^[150] Taluni hanno criticato la propensione delle agenzie a produrre quasi esclusivamente gruppi idol, argomentando che ciò sia limitante poiché, dovendo dividere la scena con gli altri membri, pochi riescono a dimostrare completamente il loro potenziale. ^[280] La monopolizzazione dell'industria operata dagli idol e dalle loro agenzie è stata inoltre criticata perché presenta un quadro semplicistico del panorama musicale del Paese, concentrandosi principalmente sulla musica che produce i margini di profitto più alti. ^[275]

L' uso delle frasi in inglese è stato oggetto di critiche, avendo "creato titoli privi di senso". ^[281] Alcuni artisti sono stati accusati di plagio , ^{[282] [283]} oltre che di appropriazione culturale . ^{[284] [285]} Tuttavia si dibatte se prendere in prestito elementi culturali provenienti dall'estero costituisca davvero un'appropriazione culturale, o se essa sia davvero negativa. Per la studiosa Crystal S. Anderson "appropriarsi di elementi di una cultura prelevandoli dal loro contesto originale e usandoli in un modo completamente diverso non costituisce automaticamente un'appropriazione culturale negativa", ^[286] mentre per il giornalista Michael Hurt "l'attribuzione tende ad essere piuttosto chiara. Ad oggi, le star K-pop non hanno affermato di aver inventato il rap o di essere più brave a farlo dei suoi creatori, e lo eseguono secondo uno standard elevato o offrendo un nuovo approccio". ^[285]

La crescente copertura mediatica del K-pop in Occidente ha dato origine ad una serie di stereotipi secondo i quali l'industria sarebbe "piena di star prefabbricate simili a robot che cantano musica superficiale per folle di fangirl urlanti". ^[287] La genesi di tale preconcetto risale al successo delle Girls' Generation e delle Wonder Girls nel 2007, quando il genere fu esportato sul mercato internazionale. Ai tempi, nonostante la presenza di idol come i Big Bang che producevano autonomamente le loro canzoni e che introducevano nella loro musica elementi hip hop e R&B al posto della più comune dance , un ampio numero di gruppi preferì seguire le tendenze pubblicando opere simili tra loro. Inoltre, il pubblico ei critici occidentali hanno interpretato l'incontro tra il desiderio di successo degli idol e gli interessi commerciali delle loro agenzie come un segno che il genere sia "pop da fabbrica". ^[288] L'idea è stata proposta per la prima volta da un articolo pubblicato dal New Yorker nel 2009 e intitolato Factory Girls . ^[289] Per superare il pregiudizio, gli anni 2010 hanno visto un significativo incremento nella partecipazione degli idol a tutti gli aspetti della loro musica, dalla composizione ai testi, alle coreografie. ^[288]

Numerose testate occidentali hanno mostrato una tendenza a concentrarsi solo sugli eventi negativi che avvengono nell'industria K-pop, oltre ad attribuire l'origine del genere al governo, ^[289] e hanno dedicato articoli all'indagine di un "lato oscuro" che si nasconderebbe dietro all'immagine deliberatamente pulita degli artisti, ^[290] descrivendoli come carcerati abusati dalle proprie agenzie, ^[291] spogliandoli della loro autonomia decisionale ^[289] e sostenendo che determinati incidenti, come i suicidi di alcune star, fossero da imputare esclusivamente alle loro carriere nell'industria, ^[292] ignorando le circostanze personali e sociali in cui vivevano. ^[289] Questo genere di rappresentazione è stato criticato sia dai fan, sia da alcuni media, perché include spesso inesattezze di fatto, cliché e razzismo . ^[293] Secondo Lee Gyu-tag, professore di studi culturali alla George Mason University, ciò "è forse dovuto ad uno stereotipo etnico e razziale verso una certa cultura che non capiscono del tutto". ^[289] Il Telegraph l'ha definito "un modo per 'alienare' una cultura visivamente diversa dalla nostra", segnalando che i maltrattamenti che avvengono nell'industria musicale coreana non sono diversi da quelli dell'industria occidentale, ^[291] mentre per Joanna Elfving-Hwang, professore associato di studi coreani all' Università dell'Australia Occidentale , è un esempio di solipsismo causato dalla volontà di considerare l'Occidente la principale fonte di cultura. ^[294]

Annotazioni

Note

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