Opera italiană
Tradiția operei italiene este una dintre cele mai faimoase din lumea operei .
Originile
Începuturile melodramei par a fi văzute de la începutul secolului al XVI-lea în „intermediarele” interpretate între un act și altul al unei comedii recitate și în așa-numita „pastorală dramatică”, sau „tragicomedie”, în timpul căreia unele personaje a intervenit în acțiunea dramatică exprimându-se atât cântând, cât și cântând la instrumente. Primii libretiști și compozitori care au setat complet muzică unele spectacole teatrale, dând naștere melodramei , au folosit aceleași subiecte ca și tipurile de spectacole menționate, deoarece ar putea fi plauzibil ca un personaj să se exprime cântând numai dacă aparține lumea fantastică și idilică a Arcadiei.
Prima lucrare în întregime în muzică, fabula pastorală Daphne a început să proiecteze în mediul florentin deja în 1594 de mâna libretistului Ottavio Rinuccini cu muzică Jacopo Corsi și Jacopo Peri . Lucrarea a fost interpretată în public în 1598.
În acei ani, mulți alți compozitori și-au arogat meritul de a fi născut un nou tip de spectacol: Emilio de 'Cavalieri în 1600 își amintește compusul, deja în anul 1590 și 1596 trei pastorale recitate în muzică și Giulio Caccini publicat pentru a se grăbi Euridice înainte de a fi arătat.
Regulile de versificare respectate de Peri și Caccini în libretul Rinuccini și respectate mult timp de la acel moment înainte, prezise pentru recitativ :
- un silabism preponderent în relația text / muzică;
- un ritm neregulat, extrem de asemănător vorbirii, datorat și absenței repetărilor verbale și tendinței de a adopta o mișcare de grad comun în melodie;
- tendința de a marca silabele tonice folosind valori de durată mai mare decât cele utilizate pentru silabele anterioare; făcându-i consonați cu basul; pronunțarea cu o vocalizare virtuozică ;
- utilizarea cadențelor perfecte dacă în versificație existau semne de punctuație precum un punct sau un punct și virgulă, invers, dacă exista o virgulă sau un colon, se foloseau cadențe imperfecte sau inflexiuni.
O versificare foarte diferită a fost destinată părților corale și primelor forme de arie față de versetele libere, care s-a caracterizat prin:
- versurile sunt caracterizate de un puternic experimentalism nu doar de versuri eroice, a existat, de asemenea, loc pentru versurile francezilor și liricii anacreontice ;
- stroficitatea predominantă;
- aderarea fundului continuă la cântec;
- utilizarea unei varietăți mai înguste de combinații ritmice;
- repetarea porțiunii finale a unui text;
- profilul vocal nu aderă perfect la declarația textului literar;
- cel mai generic raport text / muzică.
Dezvoltări locale
În timp ce lucrarea prinde rădăcini în toată Italia și Europa , s-au născut în țară mai multe școli locale, în special cele romane, venețiene și napolitane.
Scoala romana
Noul tip de spectacol s-a răspândit în curând la Roma , unde a lucrat faimosul preot-libretist Giulio Rospigliosi (mai târziu Papa Clement al IX-lea ) favorizat de familia toscană a Barberinilor, în vârful vieții sociale romane din primele decenii ale XVII-lea. secol.
Printre compozitorii care au lucrat în acest timp vă puteți aminti: Luigi Rossi , Michelangelo Rossi , Marco Marazzoli , Paul Quagliati , Domenico și Virgilio Mazzocchi , Stefano Landi .
Începând cu anii treizeci ai secolului al XVII-lea, subiectele operelor extrem de mutate: cele ale tradiției pastorale și Arcadia, sunt preferate celor ale poeziilor cavalerești, de obicei ale lui Ludovico Ariosto și Torquato Tasso , sau cele preluate din arta „ hagiografie creștină și comedie dell” .
Numărul de personaje a crescut și, în consecință, comploturile dramatice au devenit multiple. De asemenea, a dezvoltat o nouă metodă de acordare a versurilor recitativelor care se potrivește diferitelor situații care decurg din povestea bogată și a fost mai aproape de vorbire, plină de parantetică în detrimentul stilului paratactic care a caracterizat atât lucrările florentine timpurii. A existat o creștere notabilă a ariilor virtuozice și plină de revărsări lirice.
Scoala venetiana
Orașul Veneția a fost un pol foarte important pentru difuzarea operei în muzică, deoarece se află la Veneția, odată cu deschiderea primului teatru de operă public, Teatrul San Cassiano (în 1637), că acest gen artistic se dovedește a fi practicabil. pretutindeni și, nemaifiind destinat unei elite de intelectuali și aristocrați, capătă un caracter distractiv.
La acea vreme, opera italiană „călătorea” în străinătate, în special în țările de dincolo de Alpii din Europa centrală, inclusiv Praga ca metropolă a Regatului Boemiei.
Teatrele erau deja folosite pentru recitarea comediilor și erau adaptate doar de unele familii înstărite, dar această tendință a avut o mare importanță deoarece, de fapt, ne îndreptam din ce în ce mai mult către o concepție antreprenorială a operei în muzică.
Subiectele noii lucrări muzicale au fost în general extrase din istoria romană și din legendele Troiei , pentru a celebra idealurile eroice și nobilia genealogie a statului venețian, totuși, nu lipsesc relațiile amoroase și romantismul.
Operele numără în mare parte trei acte, spre deosebire de cele princiare care în mod normal numărau cinci. O mare parte din versuri este încă unul dintre recitativ, dar de multe ori în momentele de mare tensiune emoțională sunt expresii melodice aerisite astfel de melodii săpate pentru că sunt „îndepărtate” de recitativ.
Structurile închise se întâlnesc în episoade vesele, cu personaje amuzante; Tineri; domnișoare de onoare ...
Compozitorii de operă care au contribuit cel mai mult la faimă și la dezvoltarea operei venețiene au fost Claudio Monteverdi , Francesco Cavalli , Antonio Cesti și Giovanni Legrenzi .
Scoala napolitana
În zona Napoli , din prima jumătate a secolului al XVI-lea s-a dezvoltat o puternică cultură pentru compoziție și muzică care a dus la nașterea școlii de muzică napolitane. Acesta din urmă va fi punctul de referință academică și culturală în Europa, însă, atingând apogeul în jurul secolului al XVIII-lea , când are meritul de a fi născut „ opera comică și” opera comică .
În oraș, la mijlocul secolului al XVI-lea au început să apară primii conservatori care au devenit apoi punctul cheie în scena muzicală europeană. Acestea au fost cronologic Conservatorio di Santa Maria di Loreto (1537), cel al Pietà dei Turchini (1573), Săracul lui Iisus Hristos (1589) și cel al Sant'Onofrio a Porta Capuana (1598).
Opera italiană în contextul barocului boem
Epoca barocă a fost o perioadă de mare prosperitate pentru opera italiană, care a jucat un rol foarte important în istoria Regatului Boemiei.
Italia a oferit atunci Europei compozitori excepționali și noi genuri muzicale, dar mai presus de toate operă. Deși acest gen teatral-muzical a fost folosit doar ca înfrumusețare a petrecerilor private din Florența în 1600, odată cu deschiderea primei opere de operă italiene (Veneția, 1637) a devenit accesibil tuturor straturilor sociale.
De atunci, opera italiană a „călătorit” și în străinătate, iar la Praga (pe atunci parte a Regatului Boemiei) a fost, de asemenea, foarte importantă pentru cultura cetățenilor.
Secolul optsprezece
Muncă serioasă
În secolul al XVIII-lea, viața culturală și artistică italiană a fost puternic influențată de idealurile estetice și poetice ale apartenenței la Academia Arcadia .
Poeții arcadieni au făcut multe schimbări în drama muzicală italiană serioasă, inclusiv:
- simplificarea parcelei;
- suprimarea subiectelor comice;
- reducerea numărului de arii;
- tendința către ' izometrică ;
- predilecția pentru comploturile vechiului teatru tragic și pentru cel modern francez, în care valorile fidelității, prieteniei, virtuții erau exaltate și care celebrau puterea absolută a suveranului.
Printre poeții vremii, ceea ce am avut mai mult noroc ca libretist (și l-am ținut timp de secole după moartea sa) a fost Pietro Metastasio , aparținând Academiei Arcadia.
Influența teoriilor arcadiene poate fi văzută în tendința de a compune arii izometrice cu același număr de linii, cu un limbaj simplu și eufonic.
În secolul al XVIII-lea, marea dezvoltare a ariei accentuează detașarea sa puternică de recitativ, caracterizată prin:
- o mai mare limitare a expresiilor armonice ale basului continuu;
- rigidizarea cadențelor;
- ritmul textului în versuri libere reprodus sumar;
- tendința de a utiliza tendințe melodice stereotipe, mai ales în anumite situații pline de retorică.
Recitativul cel mai utilizat este „ uscat ” sau „ușor”, numit astfel pentru că „pur și simplu” este însoțit doar de continuo. Folosind rar „ însoțit ” sau „forțat”, născut în jurul anului 1720, din obiceiul de a însoți „aerisit” cu orchestra.
În a doua parte a secolului al XVIII-lea am asistat, prin voința unor suverani și a unor compozitori și libretiști eminenți angajați de aceștia, la încercarea de a fuziona opera italiană cu „tragedie lirique” franceză.
Această încercare a fost încurajată de Ducatul de Parma , curtea italiană mai sensibilă la cultura de dincolo de Alpi. Pentru căsătoria Isabelei (fiica lui Filip de Bourbon , căsătorită cu fiica regelui Franței Ludovic al XV-lea ) cu Giuseppe Arhiduc al Austriei , Tommaso Traetta , compozitor chemat în curte de directorul de spectacole și ministru al Casei Regale Guillaume du Tillot , a compus o piesă foarte apropiată de stilul francez. La Viena, pentru această ocazie, au prezentat două festivaluri de teatru . Luni mai târziu, arhiducele a însărcinat-o pe Traetta să compună o petrecere teatrală de ziua soției sale.
Toate aceste absolut pozitive împinse spre opera franceză au fost primite și aduse la maximă expresie de către compozitorul german Christoph Willibald Gluck în colaborare cu libretistul italian Ranieri de 'Calzabigi , arhitecții așa-numitei „ reforme de lucru ”.
Caracteristicile fundamentale ale operei italiene de la sfârșitul secolului al XVIII-lea sunt:
- importanța acordată corului, văzut din ce în ce mai mult ca un personaj activ în acțiunea dramatică;
- dell 'refuza da capo aria și structurile învechite care caracterizaseră o eră pe care o putem defini „virtuoasă”, în favoarea unor structuri mai simple și dinamice, precum aerul bipartit, cavatina , aerul sub formă de sens giratoriu ;
- tendința de a se asigura că personalul orchestral se exprimă pe deplin la potențialul lor, cu creșterea consecventă a „orchestrelor de acțiune”. Unitatea centrală de măsură a melodramei este acum „scena”;
- libretele sunt mai mult legate de textele literaturii moderne;
- metrica este foarte variată și deschisă la noi experimente și combinații.
Opera amuzantă
Opera comică L este un stil dezvoltat în secolul al XVIII-lea la Napoli și mai târziu a mers cu piciorul înainte la Roma și apoi în toată Italia până la „întreaga Europă . Curentul s-a dezvoltat într-o manieră stabilă la Napoli, unde a fost prima operă buffa, opera comică . Napoli , în secolul al XVIII-lea , a fost unul dintre cele mai importante centre muzicale ale întregii scene europene și simbolul acestei culturi pe scară largă înrădăcinată în oraș constă în nașterea Real Teatro San Carlo . [1]
Această formă a început să se dezvolte odată cu lucrarea Pride triumful lui Alessandro Scarlatti în 1718 . A început cu un libret la Napoli , a devenit în curând italianizat cu lucrări de Scarlatti, Pergolesi ( Stăpâna de servitoare , 1733 ), Galuppi ( The country philosopher , 1754 ), Piccinni ( La Cecchina , 1760 ), Paisiello ( Nina , 1789 ), Cimarosa ( căsătoria secretă , 1792 ) și trilogia lui Mozart / Da Ponte și în prima jumătate a secolului al XIX-lea , marile opere comice ale lui Rossini ( Frizerul din Sevilla , în 1816 și La Cenerentola , 1817 ) și Donizetti ( L „elisir love , 1832 și Don Pasquale , 1843 ). Odată cu acești mari compozitori ai genului de operă comică, va ajunge la culmea succesului și apoi va scădea după mijlocul secolului al XIX-lea, în ciuda faptului că Falstaff-ul lui Giuseppe Verdi va fi pus în scenă în 1893 .
Primii compozitori de opere comice au fost Giovanni Battista Pergolesi , Nicola Logroscino , Baldassare Galuppi , Alessandro Scarlatti , Leonardo Vinci , Leonardo Leo și Francesco Feo . Lucrarea acestor oameni, care operează toți în Napoli sau Veneția , a fost apoi preluată și extinsă de Niccolò Piccinni , Paisiello și Domenico Cimarosa .
Opera comică se distinge de cea serioasă prin multe caracteristici:
- importanța încredințată acțiunii scenice și, în consecință, necesitatea ca muzica să urmeze schimbările acțiunii dramatice, subliniind expresivitatea cuvintelor;
- alegerea cântăreților care au fost, de asemenea, actori excelenți pentru a spori acțiunea;
- echipament de scenă redus și personal orchestral;
- prezența câtorva personaje (cel puțin în lucrare pe scurt interludiu comic, opera comică diferită la dimensiune mare, care va merge mai târziu) și comploturi simple (un bun exemplu este Stăpâna de servitoare , 1733, din Pergolesi );
- libretele inspirate din commedia dell'arte, cu subiecte realiste, limbaj colocvial, expresii argotice;
- în ceea ce privește vocalitatea: refuzul clar al cântării virtuozice; tendința de a pronunța greșit cuvintele; prezența frecventă a ticurilor melodice și ritmice; inserția onomatopeei și a interjecțiilor a variat;
- versificarea caracterizată adesea de hipermetrie pentru a reda mai realist efectele căscatului, strănutului, râsului; prezența unor propoziții scurte, rapide, cu multe terminații trunchiate și alunecoase;
- utilizarea redusă a cântăreților castrați .
În a doua parte a secolului al XVIII-lea, opera comică își datorează succesul colaborării dramaturgului Carlo Goldoni cu muzicianul Baldassare Galuppi .
Datorită lui Goldoni, opera comică capătă mult mai multă demnitate decât interludiul; de fapt, el fixează organizarea formală în 2-3 acte, creând librete pentru lucrări la scară largă, care diferă semnificativ de cele de la începutul secolului al XVIII-lea pentru complexitatea comploturilor și psihologia personajelor, printre care există unele serioase, în detrimentul celor caricaturați într-un mod exasperat. Acum există, de asemenea, comploturi amoroase, comploturi care văd conflictul dintre diferitele clase sociale din centrul lor și, de asemenea, idei auto-referențiale. Cea mai faimoasă lucrare comună a lui Goldoni și Galuppi este filosoful țării (1754).
Colaborarea lui Goldoni cu un alt compozitor celebru, Niccolò Piccinni , s-a născut cu La Cecchina (1760) în general pe jumătate serios , văzând acțiune în timpul spectacolului două personaje amuzante, doi nobili și două personaje.
Versificarea Goldoniană se caracterizează printr-un stil mai omogen decât cel polimetric din lucrările anterioare.
Pentru dezvoltarea operei comice, „ farsa într-un singur act” a avut o importanță considerabilă, un tip de spectacol muzical conceput inițial ca un rezumat al unei opere comice mari, dar care în timp capătă din ce în ce mai mult propria demnitate, devenind un gen de sine stătător, caracterizat prin: o vocalitate distinct virtuozică; rafinamentul orchestrației; marea importanță încredințată direcției; prezența neînțelegerilor și a surprizelor în timpul acțiunii.
Secolele al XIX-lea și al XX-lea
În secolul al XIX-lea au avut mult noroc lucrările compozitorilor precum Gioachino Rossini , Vincenzo Bellini , Gaetano Donizetti și Giuseppe Verdi .
În general, operele acestei perioade au fost influențate de literatura națională, dar și de romantismul în creștere european și William Shakespeare, drept urmare comploturile se bazează adesea pe mișcările interioare ale personajelor, adesea protagoniști ai poveștilor de dragoste pasionate și al acțiunilor tragice. Cele mai prezente figuri sunt cele ale tiranului și ale femeii îndrăgostite. Cu toate acestea, numeroasele efecte și răsuciri spectaculoase se datorează operei franceze. Libretul constă de obicei din 2-3 acte.
În secolul al XIX-lea s-a stabilit o relație precisă între rolul cântărețului și vocea sa:
- a dispărut vocea castratului, părți din care au fost încredințate unei „ travestii ” contralto
- Încetul cu încetul, tenorul nu era parte la antagonistul încredințat, într-adevăr, el întruchipa din ce în ce mai des dragostea perfectă a eroului și extrem de pasională
- în partea de jos erau încredințate părți solemne, aeruri amestecate de înțelepciune și moralitate
- A dat o mare importanță baritonului , rival tenor îndrăgostit (la fel ca soprana echivalentul său feminin, mezzosoprana )
- vocea sopranei era acum inseparabil asociată cu figuri feminine delicate ca idealizate și angelice, fragile, dar în același timp adesea mai puternice decât valorile pudicitiei și castității.
Până aproape la mijlocul secolului al XIX-lea, metricele libretelor se caracterizau prin utilizarea predominantă a versurilor pariziene, foarte incisive și potrivite pentru noul tip de situație scenică. Textul este în general foarte esențial. Cadratura izometrică este utilizată pe scară largă.
De la mijlocul secolului încoace, mulți libretiști au început să experimenteze noi structuri metrice mai flexibile: există multe strofe polimetrice, linii cu silabe neobișnuite și forme metrice amestecate între ele.
Organizarea formală a melodramei din secolul al XIX-lea se bazează pe ceea ce Abraham Basevi a numit forma obișnuită .
La sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea, cei mai mari compozitori care s-au dedicat melodramei și au fost membri importanți ai muzicii verismului au fost: Pietro Mascagni , Ruggero Leoncavallo , Umberto Giordano , Francesco Cilea și mai ales Giacomo Puccini .
Criticii i-au unit cu epitetul Școlii tinere și, din Cavalleria Rusticana de Mascagni, unii dintre ei au urmat calea operei verismo, care a fost deosebit de populară în ultimul deceniu al secolului al XIX-lea.
Libretiștii își iau reperul din romantismul francez; din scapigliatura (unii libretiști, printre care Antonio Ghislanzoni , Arrigo Boito și Ferdinando Fontana , erau din Scapigliati); din naturalism franceza Emile Zola ; realismul lui Verga . Subiectele și limbajul sunt cele ale vieții de zi cu zi, în reproducerea cărora spectatorii pot identifica. Opera realistă este caracterizată de o pasiune dramatică și sfâșietoare, de povești truculente de intrigă și gelozie în familie. Există, de asemenea, lucrări cu subiecte istorice sau exotice.
Pe linia (deja adoptată de regretatul Verdi) de rupere a succesiunii versurilor izosilabice, mai ales dacă parizilabă, experimentalismul libretiștilor între secolele XIX și XX devine din ce în ce mai puternic. Metrica este absolut flexibilă și mutantă.
Din punct de vedere muzical structura este extrem de netedă, ariile sunt concise, perioadele melodice deseori întrerupte. Vocalitatea este stentoriană și împinsă, notele înalte sunt luate brusc și deseori imediat întrerupte, pentru a obține un efect mai naturalist, mai aproape de cuvântul rostit. Remarcabilă este utilizarea maselor orchestrale, adesea dedicate pentru a scoate la lumină melodii exotice sau culoarea locală (în această tendință se vede peste tot influența operelor franceze precum Carmen de Bizet ).
Notă
- ^ F. Mancini, Teatro San Carlo 1737-1987, Electa 1991.
Bibliografie
- Lorenzo Bianconi, opera din Italia, Bologna, Il Mulino, 1993, ISBN 88-15-04061-7 .
- Lorenzo Bianconi și Giorgio Pestelli (eds), History of Italian Opera, Turin, EDT , SBN IT \ ICCU \ IFC \ 0,073,870 .
- Franco Mancini, Teatrul San Carlo (1737-1987) , Napoli, Electa, 1991, ISBN 88-435-2414-3 .
- Fabrizio Dorsi , Istoria operei italiene vol.1 Secolul al XVII-lea, secolul al XVIII-lea , Monza, Casa Musicale Eco , 2016
- Joseph Rausa , History of Italian Opera vol.2 secolul al XIX-lea până în zilele noastre din 1800 până în 2015 , Monza, Casa Musicale Eco , 2016
- Richard Viagrande, CASTA DIVA Teatru muzical în Europa din a doua jumătate a epocii lui Rossini, ghid de ascultare , Monza, Casa Musicale Eco , 2018
Elemente conexe
Alte proiecte
-
Wikiquote are citate legate de opera italiană -
Wikimedia Commons conține imagini sau alte fișiere ale operei italiene
