Pictură portret

De la Wikipedia, enciclopedia liberă.
Salt la navigare Salt la căutare
Portret oficial al curții chineze pictat de împărăteasa Cao (soția împăratului Song Renzong ) din dinastia Song , secolul al XI-lea

Pictura de portret este un gen de pictură , în care intenția este de a reprezenta un subiect uman. Termenul pictură portret poate descrie și portretul propriu-zis. Pictorii de portret pot crea lucrarea la comandă, atât pentru figuri publice, cât și pentru persoane private, sau pot fi inspirați de admirație și afecțiune pentru subiectul care urmează să fie reprodus. Portretele sunt deseori amintiri importante de stat și / sau de familie.

Din punct de vedere istoric, portretele sunt imortalizate, în primul rând cei bogați și puternici. Cu timpul, însă, a devenit mai accesibil pentru clienții din clasa de mijloc să comande portrete ale familiei și colegilor lor. Astăzi, portretele sunt încă comandate de guverne, companii, grupuri, cluburi și persoane fizice. În plus față de pictură, portretele pot fi realizate și cu alte suporturi, cum ar fi gravarea , litografia , fotografia , video și suporturile digitale.

Tehnică și practică

Anthony van Dyck , Triple Portrait of Charles I , 1635-1636, prezentat în profil, în față și în trei sferturi, trimis la Bernini la Roma, când urma să sculpteze bustul acestei figuri.

Un portret bine executat trebuie să arate esența interioară a subiectului (din punctul de vedere al artistului) sau o reprezentare măgulitoare, nu doar o asemănare literală. Așa cum a scris Aristotel „obiectivul artei este de a reprezenta nu aspectul exterior al lucrurilor, ci semnificația lor internă, din acest motiv, nu figura externă și detaliile constituie adevărata realitate”. [1] Artiștii se pot strădui pentru realismul fotografic sau o asemănare impresionistă în a-și descrie subiectul, dar aceasta diferă de o caricatură care încearcă să dezvăluie personajul prin exagerarea trăsăturilor fizice. Artistul încearcă în general o reprezentare obiectivă, așa cum a declarat Edward Burne-Jones „Singura expresie admisibilă într-o mare portretizare este aceea a caracterului și a calității morale, nu există nimic temporar, efemer sau accidental”. [2]

În cele mai multe cazuri, acest lucru are ca rezultat un aspect serios și buze închise, rareori prezentate la un zâmbet ușor. Așa cum a spus Charles Dickens „există doar două stiluri în pictura de portret: zâmbetul serios și zâmbetul afectat”. [3] În ciuda acestor limitări, este posibil să se evidențieze o gamă completă de emoții subtile, de la amenințarea liniștită la satisfacția dulce. Cu toate acestea, cu gura relativ neutră, o mare parte din expresia feței trebuie creată prin ochi și sprâncene. După cum afirmă autorul și artistul Gordon C. Aymar „ochii sunt locul în care se caută cele mai complete, fiabile și relevante informații”. Iar sprâncenele se pot înregistra „aproape de la sine, mirare, compasiune, frică, durere, cinism, concentrare, melancolie, tristețe și anticipare, în variații și combinații infinite”. [4]

Pictura de portret poate reprezenta întregul subiect, jumătate de lungime , cap și umeri (numit și „bust”) sau cap , atât de profil , cât și de trei sferturi sau față plină , cu diverse efecte de lumină și umbră. Din când în când, artiștii au creat portrete cu vizualizări multiple, precum Anthony van Dyck în Triple Portrait of Charles I. [5] Există, de asemenea, câteva portrete în care fața subiectului nu este vizibilă. Pictura lui Andrew Wyeth , Lumea Cristinei (1948) este un exemplu celebru, în care poza fetei cu dizabilități, cu spatele la privitor, se integrează cu contextul în care se află și transmite interpretarea artistului. [6]

Mme. Charpentier și copiii săi , 1878, Metropolitan Museum of Art , New York
Gilbert Stuart , Portretul lui George Washington , c. 1796

Printre alte posibile variabile, subiectul poate fi îmbrăcat sau gol; în interior sau în aer liber; în picioare, așezat sau așezat; montat călare. Portretele pot fi de indivizi, cupluri, părinți și copii, familii sau grupuri colegiale. Pot fi create pe diverse suporturi, inclusiv uleiuri , acuarelă , cerneală , creion , cărbune , pastel și tehnică mixtă. Artiștii pot folosi o gamă largă de culori, cum ar fi Pierre-Auguste Renoir în Mme. Charpentier și copiii săi (1878) sau să se limiteze la alb și negru, ca Gilbert Stuart în Portretul lui George Washington (1796).

Uneori, dimensiunea generală a portretului este un aspect important. Portretele uriașe ale lui Chuck Close , create pentru a fi expuse într-un muzeu, sunt foarte diferite de cele mai multe portrete concepute pentru a se potrivi într-o casă sau pentru a fi ușor transportate de către client. Adesea, un artist ia în considerare locul în care va fi plasat portretul și culorile și stilul decorului înconjurător. [7]

Crearea unui portret poate dura mult timp, de obicei mai multe sesiuni ale subiectului. Cézanne, într-un caz extrem, și-a forțat supușii la peste 100 de sesiuni. [8] Pe de altă parte, Goya a preferat o sesiune lungă de o zi întreagă. [9] Media este încă de patru. [10] Portretiștii își prezintă uneori subiectele cu un portofoliu de desene sau fotografii din care subiectul selectează o poziție preferată, așa cum făcea Sir Joshua Reynolds . Unii, precum Hans Holbein cel Tânăr, au desenat un desen al feței, apoi au completat calm restul imaginii fără ca subiectul să fie prezent. [11] În secolul al XVIII-lea era obișnuit să durezi un an pentru a completa un portret. [12]

Gestionarea așteptărilor și dispoziției subiectului este o preocupare serioasă pentru orice portretist. În ceea ce privește fidelitatea portretului față de aspectul subiectului, portretiștii sunt în general consecvenți în abordarea lor. Clienții care l-au ales pe Joshua Reynolds știau că vor primi un rezultat măgulitor, în timp ce cei care s-au adresat lui Thomas Eakins știau că așteaptă un portret realist și neiertător. Unele subiecte exprimă preferințe puternice, în timp ce altele lasă orice decizie artistului. Oliver Cromwell a cerut faimos ca portretul său să nu conțină „toate aceste umflături, cosuri, negi și tot ce vedeți, altfel nu voi plăti niciodată un ban”. [13]

După ce a pus subiectul în largul său, favorizând o poziție naturală, artistul își studiază subiectul în căutarea acelei expresii faciale, printre mulți, care să-i satisfacă conceptul de esență a subiectului. Poziția este, de asemenea, atent analizată pentru a dezvălui starea emoțională și fizică a personajului, la fel ca și rochia. Pentru a menține subiectul angajat și motivat, artistul abil menține adesea un comportament plăcut și adoptă conversația. Élisabeth Vigée Le Brun i-a invitat pe ceilalți artiști să-i măgulească pe femei și să-i complimenteze aspectul, pentru a obține cooperarea lor în timpul sesiunii. [13]

Elementul esențial pentru rezultatul de succes al portretului este o stăpânire completă a anatomiei umane . Fețele umane sunt asimetrice și pictorii pricepuți le reproduc cu diferențe subtile între stânga și dreapta feței. Artiștii trebuie să cunoască structura osoasă și țesuturile subiacente pentru a face un portret convingător.

Margaret în costumul de patinaj al lui Thomas Eakins .

Pentru compoziții complexe, artistul poate face mai întâi o schiță completă în creion, cerneală, cărbune sau ulei, util mai ales dacă timpul subiectului este limitat. Dacă nu, creați o schiță brută conturând-o pe pânză în creion, cărbune sau ulei subțire. În multe cazuri, fața este finalizată mai întâi, iar restul mai târziu. În atelierele multora dintre marii pictori de portret, maestrul făcea doar capul și mâinile, în timp ce îmbrăcămintea și fundalul erau completate de principalii ucenici. Au existat, de asemenea, specialiști externi care se ocupau de articole specifice, cum ar fi draperiile și îmbrăcămintea, cum ar fi Joseph van Aken [14] Unii artiști din trecut au folosit modele sau păpuși pentru a ajuta la stabilirea și executarea poziției și a îmbrăcămintei. [15] Utilizarea elementelor simbolice aranjate în jurul subiectului (inclusiv semne, obiecte de uz casnic, animale și plante) a fost adesea folosită pentru a codifica pictura cu caracterul moral sau religios al subiectului, sau cu simboluri reprezentând ocuparea acestuia, interese sau statut social. Fundalul ar putea fi complet negru și fără conținut sau o scenă completă care să plaseze subiectul în mediul său social sau recreativ.

Autoportretele sunt produse în general cu ajutorul unei oglinzi, iar rezultatul final este un portret în oglindă, o inversare a ceea ce se întâmplă într-un portret normal atunci când subiectul și artistul se confruntă. Într-un autoportret, un artist dreptaci pare să țină o pensulă în mâna stângă, cu excepția cazului în care artistul corectează în mod deliberat imaginea sau folosește o a doua oglindă în timp ce pictează.

Jacques-Louis David , portret al doamnei Récamier (1800), Muzeul Luvru , Paris

Din când în când, clientul sau familia clientului devine nemulțumit de portretul rezultat și artistul este obligat să îl retușeze, să o facă mai bine sau să se retragă din comision fără a fi plătit, suferind umilința falimentului. Jacques-Louis David cu celebrul portret al doamnei Récamier , foarte popular în expoziții, a fost respins de subiect, așa cum i se întâmplase lui John Singer Sargent cu infamul Portret al doamnei X. Portretul general al lui John Trumbull al generalului George Washington din Trenton a fost respins de comisia care o comandase. [16] Celebrul și sensibilul Gilbert Stuart a răspuns odată, la nemulțumirea unui client față de portretul soției sale: „Mi-ai adus un cartof și te așteptai la o piersică!” [17]

Totuși, un portret de succes poate câștiga recunoștința eternă a unui client. Contele Balthazar a fost atât de mulțumit de portretul lui Raphael al soției sale, încât i-a spus artistului "Imaginea ta ... singură îmi poate ușura durerile. Imaginea aceea este bucuria mea. Îmi îndrept zâmbetele către ea. Este bucuria mea." [18]

Istorie

Antichitate

Portret funerar al unei femei romano-egiptene

Rădăcinile portretului se găsesc probabil în timpurile preistorice, deși unele dintre aceste lucrări supraviețuiesc și astăzi. În arta civilizațiilor antice din Semiluna Fertilă , în special în Egipt , abundă descrierile conducătorilor și zeilor. Cu toate acestea, cele mai multe au fost realizate extrem de stilizate și de profil, de obicei pe piatră, metal, lut, tencuială sau cristal. Portretele egiptene au pus un accent relativ redus pe asemănare, cel puțin până în timpul lui Ahenaton din secolul al XIV-lea î.Hr. Portretul notabililor din China datează probabil din anii 1000 î.Hr. , deși nimic nu a supraviețuit din acea epocă. Portretele chinezești existente datează din jurul anului 1000 . [19]

Din dovezile literare știm că pictura greacă veche , inclusiv portretul, era adesea extrem de precisă, dacă vrem să credem laudele scriitorilor, dar nu există exemple de picturi ale vremii. Capetele sculptate ale conducătorilor și personalitățile celebre, cum ar fi Socrate, supraviețuiesc într-o anumită cantitate, împreună cu busturile elenistice de conducători întipărite pe monede, arătând că portretizarea greacă ar fi putut obține o bună asemănare și subiecții au fost descriși fără a se lăsa prea mult adulți - portretele lui Socrate arată de ce avea reputația de urât. Succesorii lui Alexandru cel Mare au început practica adăugării capului (ca o figură divinizată ) la monedele lor și în curând și-au folosit propriile lor.

Portretul roman a adoptat atât tradițiile etrusce, cât și cele grecești și a dezvoltat o tradiție puternică, legată de utilizarea religioasă a portretelor strămoșilor și ale politicienilor lor. Din nou, puținele picturi care au supraviețuit, în Portretele lui Fayyum , în Mormântul lui Aline și în Severian Tondo , toate din Egipt sub dominația romană, sunt în mod clar producții provinciale care reflectă stilul grecesc mai degrabă decât cel roman, dar avem o bogăție de capete sculptate, inclusiv multe portrete din morminte din clasa mijlocie și mii de tipuri de portrete în monede.

Majoritatea portretelor pictate primite sunt picturi funerare care au supraviețuit în climatul sec al districtului egiptean Fayum (vezi figura de mai jos), variind de la secolul al II-lea până la al IV-lea . Acestea sunt aproape singurele picturi din perioada romană care au supraviețuit, pe lângă fresce , deși se știe din scrierile lui Pliniu cel Bătrân că pictura de portret a fost bine stabilită în epoca greacă și practicată de artiști de ambele sexe. [20] La vremea sa, Pliniu s-a plâns de starea de declin a portretului roman: „Pictura de portret care a fost folosită pentru a transmite asemănări exacte ale oamenilor de-a lungul secolelor, a dispărut destul ... indolența a distrus artele. " [21] [22] Aceste portrete complete ale Egiptului roman sunt excepții din fericire. Prezintă un simț oarecum realist al proporției și detaliilor individuale (deși ochii sunt în general mari și abilitatea variază foarte mult de la artist la artist). Portretele lui Fayum au fost pictate pe lemn sau fildeș în ceară și rășină de culori (encaustice) sau în tempera și introduse în bandajul mumiilor pentru a rămâne cu trupul în eternitate.

Pe măsură ce portretizarea în sine a scăzut la Roma, arta portretului a înflorit în sculptura romană, unde subiecții cereau realism, deși lipsit de măgulire. În timpul secolului al IV-lea, portretul sculptat a dominat în favoarea unui simbol idealizat a aspectului acelei persoane (comparați portretele împăraților romani Constantin I și Teodosie I ). În antichitate târziu interesul într - o asemănare a individului a scăzut considerabil , iar cele mai multe portrete pe monede romane târzii și pomelnice consulare sunt aproape neindividualizată, deși, în același timp , la începutul artei creștine a fost în evoluție spre imagini destul de standardizate. Pentru descrierea lui Isus și celelalte figuri principale ale artei creștine, precum Ioan Botezătorul și Sfântul Petru .

Evul Mediu

Pictură în format mic a dipticului Wilton pentru Richard al II-lea al Angliei , c. 1400, cu auriu și fundal foarte albastru.

Majoritatea portretelor medievale timpurii erau portrete ale donatorului , inițial în principal ale mozaicurilor papilor din Roma și manuscrise iluminate ; un exemplu este un autoportret al scriitorului, misticului, savantului, iluminatorului și muzicianului Hildegard din Bingen (1152). [23] Chiar și în monedele contemporane exista o asemănare mică. Piatra funerară a devenit răspândită în arta romanică a perioadei. Între 1350 și 1400, cifrele profane au început să reapară în fresce și panoul de picturi , cum ar fi în Carol al IV -au primit o profesie de loialitate de master Teodoric , [24] și portretele realizate similitudini evidente. Spre sfârșitul secolului, în Burgundia și Franța au apărut primele portrete în ulei ale unor indivizi contemporani cu tablouri la scară mică, mai întâi ca profiluri, apoi în alte puncte de vedere. Dípticul Wilton (circa 1400) este unul dintre cele două panouri supraviețuitoare ale portretului lui Richard al II-lea al Angliei , primul rege englez pentru care avem exemple contemporane. Cei mai mari exponenți ai maeștrii primitivi flamandi ai portretului au fost Jan van Eyck , Robert Campin și Rogier van der Weyden .

Renaştere

Albrecht Dürer , Autoportret , 1500

Renașterea a marcat un punct de cotitură în istoria portretului. Arătând puțin interes pentru lumea naturală și parțial pentru culturile clasice din Grecia și Roma antice , portretele, atât pictate, cât și sculptate, și-au asumat un rol important în societatea renascentistă și au fost apreciate ca obiecte și reprezentări ale succesului și statutului pământesc. Pictura, în general, a atins un nou nivel de echilibru, armonie și înțelegere, iar cei mai mari artiști ( Leonardo , Michelangelo și Rafael ) erau considerați „genii”, mult peste statutul de slujitori ai curții și ai bisericii. [25]

Multe inovații, în diferitele forme de portretizare, au evoluat în această perioadă fertilă. Tradiția portretului în miniatură a început și a rămas populară până la apariția fotografiei , dezvoltând abilitățile pictorilor de manuscrise iluminate . Portretele de profil, inspirate de medalioane antice, au fost deosebit de populare în Italia între 1450 și 1500. Medaliile , cu imaginile lor pe două fețe, au inspirat, de asemenea, o modă de scurtă durată pentru picturile pe două fețe la începutul Renașterii. [26] Sculpturile clasice, cum ar fi Apollo de la Belvedere , au influențat alegerea ipostazelor folosite de pictorii de portrete renascentiste, ipostaze care au continuat să rămână folosite de-a lungul secolelor. [27]

Artiștii din nordul Europei au fost pionieri în portretele realiste ale subiectelor seculare. Realismul și detaliile mai mari ale artiștilor nordici din secolul al XV-lea s-au datorat, parțial, apariției pinzelelor mai fine și a efectelor posibile cu culorile în ulei , în timp ce pictorii italieni și spanioli foloseau încă tempera . Printre primii pictori care au dezvoltat tehnica uleiului s-a numărat Jan van Eyck . Vopselele de ulei au produs consistență și grade de grosime mai mari și ar putea fi stratificate la mai multe niveluri, cu adăugarea de straturi din ce în ce mai groase, una peste alta (cunoscute de pictori ca grăsime peste slabă ). În plus, vopselele de ulei s-au uscat mai încet, permițându-i artistului să facă modificări ulterioare, cum ar fi modificarea detaliilor feței. Antonello da Messina a fost unul dintre primii italieni care a profitat de pictura în ulei . Instruit în Belgia , s-a stabilit la Veneția în jurul anului 1475 și a exercitat o mare influență asupra lui Giovanni Bellini și a școlii din nordul Italiei. [28] În secolul al XVI-lea , pictura în ulei s-a răspândit în toată Europa, permițând o reprezentare mai somptuoasă a îmbrăcămintei și a bijuteriilor. Pentru a îmbunătăți în continuare calitatea imaginilor, trecerea de la scândura de lemn la pânză ca suport, începând din Italia în prima parte a secolului al XVI-lea, răspândindu-se apoi în Europa de Nord în secolul al XVII-lea . Pânza nu avea problema fisurilor inerente lemnului, ținea pigmenții mai bine și avea nevoie de mai puțină pregătire, dar inițial era mult mai săracă decât lemnul.

În faza inițială, europenii de nord au abandonat reprezentarea profilului și au început producția de portrete cu volum și perspectivă realiste. În Olanda , Jan van Eyck a fost principalul pictor portretist. Portretul Arnolfini (1434, National Gallery , Londra) este un reper al artei occidentale, unul dintre cele mai vechi exemple complete ale portretului cuplurilor, pictat superb în culori bogate și detalii rafinate. Dar la fel de importantă a fost tehnica nou concepută a picturii în ulei introdusă de van Eyck, care a revoluționat arta și s-a răspândit în toată Europa. [29]

Hans Holbein cel Tânăr , Portretul lui Sir Thomas More , 1527

Printre marii pictori de portrete germani s-au numărat Lucas Cranach , Albrecht Dürer și Hans Holbein cel Tânăr care au folosit tehnica uleiului. Cranach a fost unul dintre primii artiști care a pictat figuri la comandă, ceea ce a devenit o tradiție de atunci. [30] Anglia nu avea la acea vreme pictori de portret proeminenți, iar pictorii precum Holbein erau solicitați de britanici. [31] Portretul lui Sir Thomas More (1527), primul său patron major din Anglia, are realismul unei fotografii. [32] Holbein a avut un mare succes cu picturile familiei regale, inclusiv cu cea a lui Henric al VIII-lea . Dürer a fost un desenator remarcabil și unul dintre primii mari artiști care au realizat o serie de autoportrete, inclusiv o pictură de față. El și-a încorporat autoportretul (ca spectator) în multe dintre picturile sale religioase. [33] Dürer a început să producă autoportrete la vârsta de treisprezece ani. [34] Ulterior, Rembrandt a amplificat această tradiție.

În Italia, Masaccio a deschis calea modernizării frescei adoptând o perspectivă mai realistă. Filippo Lippi a dezvoltat contururi clare și linii sinuoase [35], iar elevii lui Rafael au extins realismul în Italia la un nivel mult mai înalt în deceniile următoare cu frescele lor monumentale. [36] În această perioadă, portretul de logodnă, o specialitate specială a lui Lorenzo Lotto, a devenit popular. [37] La începutul Renașterii, portretele erau în general mici și uneori protejate de uși, balamale sau uși glisante. [38]

În timpul Renașterii, florentinii și nobilimea milaneză, în special, au cerut reprezentări mai realiste despre ei înșiși. Provocarea de a crea viziuni convingătoare complete și trei sferturi a stimulat experimentarea și inovația. Sandro Botticelli , Piero della Francesca , Domenico Ghirlandaio , Lorenzo di Credi , Leonardo și alți artiști și-au extins tehnica adăugând portrete la subiecte tradiționale religioase și clasice. Leonardo și Pisanello au fost printre primii artiști italieni care au adăugat simboluri alegorice portretelor lor seculare. [36]

Leonardo da Vinci , La Gioconda sau Mona Lisa , 1503-1505 / 1507

Unul dintre cele mai frumoase portrete din lumea occidentală este tabloul intitulat La Gioconda de Leonardo da Vinci , al personajului reprezentat despre care se crede că este Lisa del Giocondo , [39] [40] [41] membru al familiei Gherardini din Florența și soția bogatului negustor de mătase florentină Francesco del Giocondo. Celebrul „zâmbet de Mona Lisa” este un exemplu excelent de aplicare a asimetriei pe o față. În jurnalul său, Leonardo a dat sfaturi cu privire la calitățile luminii în pictura de portret:

„Un chip ridicat de grație în lumină și umbre trebuie adăugat fețelor celor care stau într-o ușă întunecată, unde ochii observatorului văd partea umbrită a feței ascunse de umbrele camerei și cea iluminată cu o mai mare strălucire. , dat de aer. Odată cu această creștere a luminilor și a umbrelor, fața devine mai proeminentă ".

( Leonardo da Vinci [42] )

Leonardo a fost elevul lui Verrocchio . După ce a devenit membru al breslei pictorilor, a început să accepte comisioane personale. Datorită multiplelor sale interese și în conformitate cu mintea sa științifică, producția sa de desene și studii preliminare a fost imensă, chiar dacă producția sa artistică finală a fost relativ modestă. Printre celelalte portrete memorabile se numără cele ale nobilelor Ginevra de 'Benci și Cecilia Gallerani . [43]

Portretele supuse supraviețuirii lui Raphael sunt mult mai numeroase decât ale lui Leonardo și prezintă o mai mare varietate de ipostaze, iluminare și tehnici. În loc să producă inovații revoluționare, marea realizare a lui Rafael a fost consolidarea și rafinarea curenților de evoluție ai artei renascentiste. [44] Era deosebit de priceput în portrete de grup. Capodopera sa Școala din Atena este una dintre cele mai faimoase fresce, conținând portretele lui Leonardo, Michelangelo, Bramante și Rafael însuși, în masca filosofilor antici. [45] Nu a fost, totuși, primul portret de grup al artiștilor. Cu câteva decenii mai devreme, Paolo Uccello pictase un grup de artiști, printre care Giotto , Donatello , Antonio Manetti și Brunelleschi . [33] Pe măsură ce faima sa a crescut, Rafael a devenit portretistul preferat al papilor. În timp ce mulți artiști renascențiali au acceptat cu nerăbdare comisioane de portret, unii artiști i-au respins, în special rivalul lui Rafael, Michelangelo , care, în schimb, a preluat comisia masivă a Capelei Sixtine . [36]

La Veneția, în jurul anului 1500, Gentile și Giovanni Bellini au dominat genul picturii de portrete, primind comisioane de la cele mai înalte birouri ale statului. Portretul lui Bellini despre Doge Loredan este considerat unul dintre cele mai frumoase portrete ale Renașterii și demonstrează măiestria pricepută a artistului asupra tehnicii de pictură nou-sosite (pictura în ulei). [46] Bellini a fost, de asemenea, unul dintre primii artiști din Europa care și-a semnat lucrările, deși rareori a indicat data. [47] La sfârșitul secolului al XVI-lea , Titian și-a asumat același rol, în special prin extinderea varietății de ipostaze ale supușilor săi regali. Titian a fost poate primul mare portretist al copiilor. [48] După Titian, care a murit de ciumă , Tintoretto și Veronese au devenit pictorii venețieni preeminenți care au ajutat la tranziția către manierismul italian. Manieristii au contribuit cu numeroase portrete remarcabile care puneau accent pe bogăția materială cu ipostaze elegante și complexe, ca în lucrările lui Agnolo Bronzino și Jacopo da Pontormo . Bronzino și-a creat faima în portretizarea familiei Medici . Portretul său îndrăzneț al lui Cosimo I de 'Medici , arată conducătorul auster în armura sa cu un ochi precaut care privește spre dreapta sa, în contrast puternic cu majoritatea picturilor regale care le arătau supușii lor ca conducători binevoitori. [49] El Greco , care a studiat la Veneția timp de doisprezece ani, a mers într-o direcție mai extremă după întoarcerea sa în Spania, subliniind „viziunea sa interioară” a personajului, până la diminuarea realității aspectului fizic. [50] Unul dintre cei mai buni pictori italieni din secolul al XVI-lea a fost Sofonisba Anguissola din Cremona , care a adăugat un nivel mai mare de complexitate atât portretelor individuale, cât și celor de grup.

Portretizarea curții în Franța a început atunci când flamandul Jean Clouet a pictat asemănarea opulentă a lui Francisc I al Franței în jurul anului 1525. [51] Regele Francisc a fost un mare patron al artiștilor și un colecționar avid de artă care l-a invitat pe Leonardo da Vinci să locuiască în Franța în perioada sa ulterioară. ani. La Gioconda a rămas în Franța după moartea ei. [51]

Baroc și rococo

Portret de grup Rembrandt , The Mayors of the Weavers 'Guild , 1662.

În epoca barocă și rococo (secolele XVII și respectiv XVIII ), portretele au devenit și mai importante în evidențierea statutului și poziției unui personaj. Într-o societate din ce în ce mai dominată de laici în instanțele europene puternice, imaginile cu figuri bogat îmbrăcate erau un mijloc de afirmare a autorității oamenilor importanți. Pictorii flamand Anthony van Dyck și Pieter Paul Rubens au excelat la acest tip de portret, în timp ce Jan Vermeer a produs în principal portrete de clasă mijlocie, la locul de muncă și în activitățile casnice. Autoportretul lui Rubens și al primei sale soții (1609) în rochiile lor de mireasă este un exemplu virtuos de portret de cuplu. [52] Faima lui Rubens s-a extins dincolo de arta sa, deoarece era om de curte, diplomat, colecționar de artă și om de afaceri de succes. Studioul său a fost unul dintre cele mai mari din acea perioadă, angajând specialiști în natură moartă , peisaj , pictură cu animale și scene de gen , precum și portret. Van Dyck a ucenic acolo timp de doi ani. [53] Carol I al Angliei s-a bazat mai întâi pe Rubens și apoi l-a chemat pe van Dyck, care l-a numit pictor la curte, dându-i titlul de cavaler și statutul de curtenesc. Van Dyck adottò i metodi di produzione di Rubens e le sue competenze negli affari, ma anche i suoi modi eleganti e l'aspetto. Secondo le fonti "Vestiva sempre magnificamente, aveva una servitù numerosa e una nobile tavola, nel suo appartamento, che pochi principi erano meglio serviti." [54] In Francia, Hyacinthe Rigaud dominò più o meno allo stesso modo, come notevole cronista della famiglia reale, dipingendo i ritratti di cinque re francesi. [55]

Una delle innovazioni dell'arte rinascimentale fu la migliore resa delle espressioni facciali per evidenziare le diverse emozioni. In particolare, il pittore olandese Rembrandt esplorò le molte espressioni del volto umano, divenendo uno dei principali autoritrattisti (ne realizzò più di 60 nella sua vita). [56] Questo interesse per il volto umano favorì la creazione delle prime caricature, accreditata all'Accademia Carracci, gestita dai pittori della famiglia Carracci nel tardo XVI secolo a Bologna (vedi Annibale Carracci ).

Velázquez , Papa Innocenzo X , c. 1650, Galleria Doria Pamphilj , Roma.

I ritratti di gruppo vennero prodotti in gran numero durante il periodo barocco, in particolare nei Paesi Bassi. A differenza del resto d'Europa, gli artisti olandesi non ricevettero commissioni dalla Chiesa calvinista , che aveva vietato tali immagini, ne dall'aristocrazia che era praticamente inesistente. Invece, le commissioni provenivano da associazioni civiche e imprese. Il pittore olandese Frans Hals usò pennellate fluide di colori vivaci per ravvivare i suoi ritratti di gruppo, compresi quelli delle guardie civili di cui faceva parte. Rembrandt beneficiò notevolmente di tali commissioni e del generale apprezzamento dell'arte da parte di clienti borghesi, che sostennero la ritrattistica come la natura morta e il paesaggio. Inoltre, i primi significativi mercanti d'arte e rivenditori fiorirono in Olanda in quel periodo. [57]

Con l'abbondanza di domanda, Rembrandt fu in grado di sperimentare la tecnica e la composizione non convenzionale, come ad esempio il chiaroscuro . Evidenziò queste innovazioni, introdotte da maestri italiani come Caravaggio , in particolare nella sua famosa Ronda di notte (1642). [58] Lezione di anatomia del dottor Tulp (1632) è un altro esempio della maestria di Rembrandt nei dipinti di gruppo, nel quale mette il cadavere in piena luce per attirare l'attenzione al centro del dipinto, mentre l'abbigliamento e lo sfondo si fondono nel nero, facendo spiccare le facce del chirurgo e degli studenti. Fu anche il primo quadro che Rembrandt firmò con il suo nome completo. [59]

In Spagna, Diego Velázquez dipinse Las Meninas (1656), uno dei più famosi ed enigmatici ritratti di gruppo di tutti i tempi. Esso commemora l'artista ed i bambini della famiglia reale spagnola, ea quanto pare i soggetti sono la coppia reale che è vista solo come riflessa in uno specchio. [60] Esordendo come pittore di genere, Velázquez salì rapidamente alla ribalta come pittore di corte di Filippo IV , eccellendo nell'arte del ritratto e in particolare, estendendo la complessità dei ritratti di gruppo. [61]

Gli artisti rococò , che erano particolarmente interessati alla decorazione ricca e complessa, furono padroni del ritratto raffinato. La loro attenzione ai dettagli del vestire e alla consistenza, aumentò l'efficacia dei ritratti come testimonianze della ricchezza mondana, come evidenziato da François Boucher nel famoso ritratto di Madame de Pompadour vestita in abiti di seta fluttuanti.

Thomas Gainsborough , The Blue Boy , c.1770, Huntington Library , San Marino (California)

I primi grandi ritrattisti nativi della scuola britannica furono i pittori inglesi Thomas Gainsborough e Sir Joshua Reynolds , che erano anche specializzati nell'abbigliare i loro soggetti in modo accattivante. Il dipinto di Gainsborough, Blue Boy è uno dei più famosi e riconosciuti ritratti di tutti i tempi, dipinto ad olio con pennellate molto lunghe e sottili per ottenere l'effetto scintillante del vestito blu. [62] Gainsborough è anche noto per gli sfondi molto elaborati dei suoi ritratti.

I due artisti britannici avevano opinioni opposte su come utilizzare gli assistenti. Reynolds li impiegava regolarmente (a volte facendo solo il 20 per cento della pittura), mentre Gainsborough raramente ne fece uso. [63] A volte un cliente chiedeva un impegno all'artista, come fece Sir Richard Newdegate con il ritrattista Peter Lely (successore di van Dyck in Inghilterra), il quale promise che il ritratto sarebbe stato "realizzato, dall'inizio alla fine, esclusivamente con le mie mani." [64] Diversamente dall'esattezza impiegata dai maestri fiamminghi, Reynolds riassunse il suo approccio alla ritrattistica affermando che, "la grazia e, possiamo aggiungere, la somiglianza, consiste più nel prendere l'atmosfera generale, piuttosto che osservare l'esatta similitudine di ogni caratteristica". [65] Altro artista di primo piano in Inghilterra fu William Hogarth , che osò resistere ai metodi convenzionali introducendo tocchi di umorismo nei suoi ritratti. Il suo "Autoritratto con Pug" è chiaramente più di una spiritosaggine sul suo animale domestico in un dipinto auto indulgente. [66]

Nel XVIII secolo le pittrici guadagnarono nuova importanza, in particolare nel campo della ritrattistica. Notevoli artiste furono la pittice francese Élisabeth Vigée Le Brun , l'artista italiana del pastello, Rosalba Carriera e la svizzera Angelica Kauffman . Anche in quel secolo, prima dell'invenzione della fotografia, le miniature, dipinte con incredibile precisione e spesso racchiuse in medaglioni in oro o smaltati, furono molto apprezzate.

Negli Stati Uniti d'America , John Singleton Copley , che aveva studiato alla raffinata scuola britannica, divenne il pittore più apprezzato nei ritratti in miniatura, con le sue immagini iper realistiche di Samuel Adams e Paul Revere . Copley è anche noto per i suoi sforzi nell'unire la ritrattistica con l'arte, accademicamente più venerata, della pittura storica , che tentò di applicare nei suoi ritratti di gruppo di famosi militari. [67] Altrettanto famoso fu Gilbert Stuart che dipinse oltre 1.000 ritratti e fu particolarmente noto per la sua ritrattistica presidenziale. Stuart dipinse oltre 100 ritratti di George Washington . [68] Egli lavorava in maniera molto rapida impiegando pennellate meno dettagliate e più morbide rispetto a Copley, per catturare l'essenza dei suoi soggetti. A volte faceva diverse versioni di un soggetto, per consentire al cliente di scegliere la preferita. [69] Celebre per i suoi toni rosei delle guance, Stuart scrisse "la carne è come nessun'altra sostanza sotto il cielo. Ha tutta l'allegria di un negozio di seta, senza il suo sfarzo di brillantezza e tutta la morbidezza del vecchio mogano, senza la sua tristezza." [70] Altri ritrattisti statunitensi di spicco dell'epoca coloniale furono John Smibert , Thomas Sully , Ralph Earl , John Trumbull , Benjamin West , Robert Feke , James Peale , Charles Willson Peale e Rembrandt Peale .

XIX secolo

Piotr Michałowski , Artist's daughter on horseback , ca 1853, Museo nazionale di Varsavia

Tra la fine del XVIII secolo e l'inizio del XIX, gli artisti del neoclassicismo continuarono la tradizione di dipingere soggetti abbigliati all'ultima moda che, per le donne dell'epoca, significava abiti diafani derivati da antichi abbigliamenti greci e romani. Gli artisti utilizzarono la luce diretta per definire la consistenza e la semplice rotondità dei volti e delle membra. I pittori francesi Jacques-Louis David e Jean-Auguste-Dominique Ingres dimostrarono il loro virtuosismo in questa tecnica simile al disegno e un occhio acuto nel cogliere le atmosfere. Ingres, allievo di David, si distinse per i suoi ritratti in cui figurava uno specchio dietro il soggetto, per simulare una vista posteriore dello stesso. [71] Il suo ritratto di Napoleone sul trono imperiale è un tour de force di ritrattistica regale (vedi galleria di immagini sotto).

Gli artisti romantici che operarono durante la prima metà del XIX secolo, dipinsero ritratti ispitati a personalità, belle donne e soggetti agitati, con vivaci pennellate e luci drammatiche, a volte lunatiche. Gli artisti francesi Eugène Delacroix e Théodore Géricault dipinsero ritratti particolarmente pregiati di questo tipo, soprattutto di focosi cavalieri. [72] Un notevole esempio di artista del periodo romantico in Polonia , che praticava un ritratto di cavalieri, fu Piotr Michałowski (1800-1855). Da segnalare anche la serie di ritratti di pazienti mentali di Géricault (1822-1824). Il pittore spagnolo Francisco de Goya dipinse alcuni delle più ricercate e provocatorie immagini di quel periodo, tra cui La maja desnuda (c. 1797-1800), nonché celebri ritratti di corte di Carlo IV .

Thomas Eakins , The Gross Clinic , 1875

Gli artisti del realismo del XIX secolo, come ad esempio Gustave Courbet , crearono ritratti oggettivi raffiguranti persone della classe media e inferiore. Dimostrando il suo romanticismo, Courbet dipinse diversi autoritratti che mostravano se stesso in vari stati d'animo ed espressioni. [73] Altro pittore francese del realismo fu Honoré Daumier che produsse molte caricature di suoi contemporanei. Henri de Toulouse-Lautrec ritrasse diversi artisti teatrali, come Jane Avril, catturando le loro emozioni. [74] Il pittore francese Édouard Manet , fu un importante artista transizionale che operò tra realismo e impressionismo . Fu un ritrattista di intuizione e tecnica eccezionali, con il suo dipinto di Stéphane Mallarmé che è un buon esempio del suo stile di transizione. Il suo contemporaneo Edgar Degas fu principalmente un realista e il suo dipinto La famiglia Bellelli è una rappresentazione perspicace di una famiglia infelice e uno dei suoi migliori ritratti. [75]

Negli Stati uniti, Thomas Eakins fu il maggior ritrattista, portando il realismo ad un nuovo livello di franchezza, in particolare con i suoi due ritratti di chirurghi al lavoro, così come quelli di atleti e musicisti in azione. In molti ritratti, come nel Ritratto della signora Edith Mahon , Eakins trasmette con coraggio le emozioni poco lusinghiere di dolore e malinconia. [76]

Vincent van Gogh , Autoritratto , 1887

I realisti, per lo più, diedero strada all' impressionismo a partire dagli anni 1870. In parte a causa dei loro magri redditi, molti degli impressionisti utilizzarono la famiglia e gli amici come loro modelli, e dipinsero gruppi intimi e figure singole, sia all'aperto che in interni luminosi. Celebri per le loro superfici scintillanti e ricche di tocchi di vernice, i ritratti degli impressionisti sono spesso disarmantemente intimi ed accattivanti. I pittori francesi Claude Monet e Pierre-Auguste Renoir crearono alcune delle immagini più popolari di singoli e gruppi di soggetti. L'artista statunitense Mary Cassatt , che studiò e lavorò in Francia, è popolare ancora oggi per i suoi coinvolgenti dipinti di madri e bambini, così come Renoir. [77] Paul Gauguin e Vincent van Gogh , entrambi postimpressionisti , dipinsero ritratti di persone che conoscevano, con tocchi vorticosi di colore, ma non necessariamente lusinghieri. Essi sono altrettanto, se non di più, celebri per i loro possenti autoritratti.

John Singer Sargent operò a cavallo di due secoli ma respinse palesemente sia l'impressionismo che il postimpressionismo. Fu il maggior ritrattista di successo della sua epoca, utilizzando una tecnica per lo più realistica, spesso effusa con l'uso brillante del colore. Fu altrettanto adatto a ritratti individuali che di gruppo, in particolare delle famiglie della classe superiore. Sargent nacque a Firenze da genitori statunitensi, studiò in Italia, in Germania ea Parigi ed è considerato l'ultimo grande esponente della tradizione del ritratto britannico a cominciare da Van Dyck. [77] Un altro ritrattista statunitense di primo piano, che studiò all'estero, fu William Merritt Chase . La pittrice della società statunitense, Cecilia Beaux chiamata la "donna Sargent", nacque da padre francese, studiò all'estero e ottenne il successo in patria usando i metodi tradizionali. Un altro ritrattista simile a Sargent, per la sua tecnica lussureggiante, fu il parigino di origine italiana Giovanni Boldini , un amico di Degas e Whistler .

Statunitense di nascita e artista internazionale, James Abbott McNeill Whistler fu a contatto con gli artisti europei e dipinse alcuni ritratti eccezionali, il più famoso dei quali fu Disposizione in grigio e nero, madre dell'artista (1871), noto anche come Madre di Whistler . [78] Anche nei suoi ritratti, come nei paesaggi tonali, Whistler voleva che i suoi spettatori si concentrassero sulla disposizione armonica di forme e colori. Whistler utilizzò una tavolozza tenue per creare i suoi effetti, sottolineando bilanciamento del colore e tonalità delicate. Disse "come la musica è la poesia del suono, così la pittura è la poesia della vista e l'oggetto non ha nulla a che fare con l'armonia del suono o del colore." [79] Forma e colore furono anche al centro dei ritratti di Cézanne , mentre il colore ancora più estremo e il colpo di pennello dominano i ritratti di André Derain e Henri Matisse . [80]

La diffusione della fotografia, nel XIX secolo, ebbe un effetto significativo sulla ritrattistica, soppiantando la precedente camera oscura che era stata anche utilizzata come ausilio nella pittura. Molti modernisti affollarono gli studi fotografici per avere dei loro ritratti, tra cui Baudelaire che, pur proclamando la fotografia una "nemica dell'arte", si trovò attratto dalla franchezza e dal potere della fotografia. [81] Fornendo un'alternativa a basso costo, la fotografia soppiantò gran parte del livello più basso del ritratto. Alcuni artisti realisti, come ad esempio Thomas Eakins e Edgar Degas , furono entusiasti della macchina fotografia e la ritennero un utile ausilio alla composizione. Dagli impressionisti in avanti, i ritrattisti trovarono una miriade di modi per reinterpretare il ritratto al fine di competere efficacemente con la fotografia. [82] Sargent e Whistler furono tra coloro che vennero stimolati ad espandere la loro tecnica per creare effetti che la macchina fotografica non poteva catturare.

XX secolo

Altri artisti degli inizi del XX secolo ampliarono il repertorio della ritrattistica verso nuove direzioni. L'artista del fauvismo , Henri Matisse , produsse potenti ritratti utilizzando colori non naturali, anche sgargianti, per i toni della pelle. Cézanne invocò forme altamente semplificate nei suoi ritratti, evitando il dettaglio pur sottolineando gli accostamenti di colore. [83] Lo stile unico dell'austriaco Gustav Klimt gli fece applicare motivi bizantini e oro ai suoi memorabili ritratti. Il suo allievo Oskar Kokoschka fu un importante ritrattista dell'alta società viennese. Il prolifico artista spagnolo Pablo Picasso dipinse molti ritratti, comprese immagini cubiste delle sue amanti, nei quali la verosimiglianza del soggetto è grossolanamente distorta per ottenere un effetto emozionale che va al di là della normale caricatura. [84] Una straordinaria ritrattista della fine del XX secolo, legata all' impressionismo francese , fu Olga Boznańska (1865-1940). I pittori espressionisti fornirono alcuni degli studi psicologici più inquietanti e interessanti mai prodotti. Artisti tedeschi come Otto Dix e Max Beckmann produssero notevoli esempi di ritrattistica espressionista. Beckmann fu un autoritrattista prolifico, producendo almeno ventisette dipinti di se stesso. [85] Amedeo Modigliani dipinse molti ritratti nel suo stile dalle forme allungate , che svalutò la "persona interna" a favore di rigorosi studi di forma e di colore. Per contribuire al raggiungimento di ciò, eliminò l'enfasi degli occhi normalmente espressivi e delle sopracciglia, fino al punto da creare fessure annerite e semplici archi. [86]

L'arte britannica fu rappresentata dai vorticisti che dipinsero alcuni ritratti notevoli nella prima parte del XX secolo. Il pittore dadaista Francis Picabia eseguì numerosi ritratti nel suo stile unico. Inoltre i ritratti di Tamara de Lempicka ottennero successo nell'era dell' Art déco con le loro curve snelle, ricche di colori e angoli acuti. Negli Stati Uniti Robert Henri e George Bellows furono raffinati ritrattisti (negli anni 1920 e 1930) della scuola realista americana. Max Ernst produsse un esempio di ritratto moderno collegiale con il suo dipinto del 1922, Tutti gli amici insieme . [87]

Un contributo significativo allo sviluppo della pittura ritrattistica del 1930-2000 venne dato dagli artisti russi, che operarono principalmente nelle tradizioni del realismo e della pittura figurativa . Tra di loro occorre segnalare Isaak Brodskij , Nikolai Fechin , Abram Arkhipov e altri. [88]

La produzione del ritratto in Europa (esclusa la Russia) e nelle Americhe in generale, diminuì negli anni 1940 e 1950, a causa del crescente interesse per l' astrattismo e l'arte non figurativa. Un'eccezione, tuttavia, fu rappresentata da Andrew Wyeth che operò come maggior artista statunitense del ritratto realista. Con Wyeth, il realismo, anche se palese, è secondario alle qualità tonali e all'umore dei suoi dipinti. Questo è ben dimostrato dalla sua serie simbolo di dipinti noti come le immagini di Helga , il più grande gruppo di ritratti di una sola persona realizzato da un artista importante (247 studi della sua vicina di casa Helga Testorf, vestita e nuda, in ambienti diversi, dipinti durante il periodo 1971-1985). [89]

Dagli anni 1960 e 1970, ci fu una rinascita della ritrattistica. Artisti britannici come Lucian Freud (nipote di Sigmund Freud ) e Francis Bacon produssero dipinti importanti. I ritratti di Bacon sono notevoli per la loro qualità da incubo. Nel maggio 2008, il ritratto di Freud del 1995 Benefits Supervisor Sleeping venne venduto all'asta da Christie's a New York per $ 33,6 milioni stabilendo un record mondiale per valore di vendita di un dipinto di un artista vivente. [90] Molti artisti americani contemporanei, come Andy Warhol , Alex Katz e Chuck Close , hanno reso il volto umano un punto focale delle loro opere. Il dipinto di Warhol di Marilyn Monroe è un esempio iconico. La specialità di Close erano gli enormi ritratti, iper realistici con teste grandi quanto tutta una parete, sulla base di immagini fotografiche. Jamie Wyeth continua nella tradizione realista del padre Andrew, producendo famosi ritratti i cui soggetti spaziano dai presidenti ai maiali.

Galleria d'immagini

Note

  1. ^ Gordon C. Aymar, The Art of Portrait Painting , Chilton Book Co., Philadelphia, 1967, p. 119
  2. ^ Aymar, p. 94
  3. ^ Aymar, p. 129
  4. ^ Aymar, p. 93
  5. ^ Aymar, p. 283
  6. ^ Aymar, p. 235
  7. ^ Aymar, p. 280
  8. ^ Aymar, p. 51
  9. ^ Aymar, p. 72
  10. ^ Robin Simon, The Portrait in Britain and America , GK Hall & Co., Boston, 1987, p. 131, ISBN 0-8161-8795-9
  11. ^ Simon, p. 129
  12. ^ Simon, p. 131
  13. ^ a b Aymar, p. 262
  14. ^ Simon, p. 98
  15. ^ Simon, p. 107
  16. ^ Aymar, p. 268, 271, 278
  17. ^ Aymar, p. 264
  18. ^ Aymar, p. 265
  19. ^ Aymar, p. 5
  20. ^ Cheney, Faxon, and Russo, Self-Portraits by Women Painters , Ashgate Publishing, Hants (England), 2000, p. 7, ISBN 1-85928-424-8
  21. ^ John Hope-Hennessy, The Portrait in the Renaissance , Bollingen Foundation, New York, 1966, pp. 71-72
  22. ^ Naturalis historia XXXV:2 trans H. Rackham 1952. Loeb Classical Library
  23. ^ Cheney, Faxon, and Russo, p. 20
  24. ^ David Piper, The Illustrated Library of Art , Portland House, New York, 1986, p. 297, ISBN 0-517-62336-6
  25. ^ Piper, p. 337
  26. ^ John Hope-Hennessy, p. 209
  27. ^ Simon, p. 80
  28. ^ John Hope-Hennessy, p. 54, 63
  29. ^ Piper, p. 301
  30. ^ Piper, p. 363
  31. ^ Aymar, p. 29
  32. ^ Piper, p. 365
  33. ^ a b Bonafoux, p. 35
  34. ^ John Hope-Hennessy, pp. 124-126
  35. ^ Piper, p. 318
  36. ^ a b c John Hope-Hennessy, p. 20
  37. ^ John Hope-Hennessy, p. 227
  38. ^ John Hope-Hennessy, p. 212
  39. ^ ( DE ) Mona Lisa – Heidelberger Fund klärt Identität (English: Mona Lisa – Heidelberger find clarifies identity) , su ub.uni-heidelberg.de , University of Heidelberg . URL consultato il 29 agosto 2008 (archiviato dall' url originale il 6 dicembre 2008) .
  40. ^ German experts crack the ID of 'Mona Lisa' , MSN , 14 gennaio 2008. URL consultato il 29 agosto 2008 (archiviato dall' url originale il 16 gennaio 2008) .
  41. ^ Researchers Identify Model for Mona Lisa , in The New York Times . URL consultato il 29 agosto 2008 . [ collegamento interrotto ]
  42. ^ John Hope-Hennessy, pp. 103-4
  43. ^ Piper, p. 338
  44. ^ Piper, p. 345
  45. ^ Pascal Bonafoux, Portraits of the Artist: The Self-Portrait in Painting , Skira/Rizzoli, New York, 1985, p. 31, ISBN 0-8478-0586-7
  46. ^ John Hope-Hennessy, p. 52
  47. ^ Piper, p. 330
  48. ^ John Hope-Hennessy, p. 279
  49. ^ John Hope-Hennessy, p. 182
  50. ^ John Hope-Hennessy, p. 154
  51. ^ a b John Hope-Hennessy, p. 187
  52. ^ Bonafoux, p. 40
  53. ^ Piper, pp. 408-410
  54. ^ Simon, p. 109
  55. ^ Aymar, p. 162
  56. ^ Aymar, p. 161
  57. ^ Piper, p. 421
  58. ^ Aymar, p. 218
  59. ^ Piper, p. 424
  60. ^ Bonafoux, p. 62
  61. ^ Piper, p. 418
  62. ^ Piper, p. 460
  63. ^ Simon, p. 13, 97
  64. ^ Simon, p. 97
  65. ^ Aymar, p. 62
  66. ^ Simon, p. 92
  67. ^ Simon, p. 19
  68. ^ Aymar, p. 204
  69. ^ Aymar, p. 263
  70. ^ Aymar, p. 149
  71. ^ Bonafoux, p. 99
  72. ^ Piper, p. 542
  73. ^ Bonafoux, p. 111
  74. ^ Piper, p. 585
  75. ^ Piper, p. 568
  76. ^ Aymar, p. 88
  77. ^ a b Piper, p. 589
  78. ^ Piper, p. 561
  79. ^ Aymar, p. 299
  80. ^ Piper, p. 576
  81. ^ Piper, p. 552
  82. ^ Simon, p. 49
  83. ^ Piper, p. 582
  84. ^ Aymar, p. 54
  85. ^ Aymar, p. 188
  86. ^ Piper, p. 646
  87. ^ Bonafoux, p. 45
  88. ^ Sergei Ivanov. Unknown Socialist Realism. The Leningrad School. - San Pietroburgo: NP-Print Edition, 2007. – 448 p. ISBN 5-901724-21-6 , ISBN 978-5-901724-21-7 .
  89. ^ ''An American Vision: Three Generations of Wyeth Art, Boston, 1987, Little Brown & Company, p. 123, ISBN 0-8212-1652-X
  90. ^ Freud work sets new world record , BBC News Online, 14 maggio 2008. URL consultato il 29 agosto 2008 .
  91. ^ Families in beeld - Frauke K. Laarmann, Families in beeld: De ontwikkeling van het Noord-Nederlandse familieportret in de eerste helft van de zeventiende eeuw. Hilversum, 2002, Verloren, ISBN 978-90-6550-186-8 accesso 25 dicembre 2010

Bibliografia

  • The New Age "Art Notes" column of 28 February 1918 is a closely reasoned analysis of the rationale and aesthetic of portraiture by BH Dias (pseudonym of Ezra Pound ), an insightful frame of reference for viewing any portrait, ancient or modern.
  • Joanna Woodall, Portraiture: Facing the Subject . Manchester University Press, Manchester, 1997.

Voci correlate

Altri progetti

Collegamenti esterni

Controllo di autorità LCCN ( EN ) sh85105118 · GND ( DE ) 4145426-1
Pittura Portale Pittura : accedi alle voci di Wikipedia che trattano di pittura
Estratto da " https://it.wikipedia.org/w/index.php?title=Pittura_ritrattistica&oldid=119091469 "