Orson Welles

Orson Welles, fotografiat de Carl Van Vechten , 1937

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Cel mai bun scenariu original Oscar 1942
Oscar onorific 1971

Orson Welles ( Kenosha , 6 mai 1915 - Los Angeles , 10 octombrie 1985 ) a fost actor , regizor , scenarist , dramaturg și producător de film SUA .

Semnătura lui Orson Welles

Este considerat unul dintre cei mai versatili și inovatori artiști ai secolului al XX-lea în teatru , radio și cinema ^{[1] [2]} . El a obținut succesul la vârsta de douăzeci și trei de ani datorită emisiunii radio Războiul lumilor , o emisiune care a provocat panică în Statele Unite , făcând populația să creadă că este atacată de marțieni . Acest debut neobișnuit i-a dat faimă și i-a câștigat un contract pentru un film pe an cu compania de producție de film RKO , pentru a fi realizat cu libertate artistică absolută ^[3] . În ciuda acestei clauze avantajoase, doar unul dintre proiectele planificate a putut vedea lumina: Fourth power (1941), cel mai mare succes cinematografic al lui Welles, considerat încă în unanimitate astăzi unul dintre cele mai bune filme din istoria cinematografiei ^{[4] [5]} .

Cariera ulterioară a lui Welles a fost împiedicată de o lungă serie de dificultăți și inconveniente care l-au împiedicat să continue să lucreze la Hollywood și care l-au obligat să se mute în Europa, unde a continuat să încerce să-și facă lucrările, finanțându-se în principal cu apariții în filmele altor persoane. . ^[6] . Printre numeroasele sale proiecte, Welles a reușit să realizeze și să regizeze filme precum: Macbeth (1948), Othello (1952), The Infernal Quinlan (1958), The Trial (1962), F as Fake (1975) și altele.

Faima sa a crescut după moartea sa în 1985 și este considerat unul dintre cei mai mari regizori de film și teatru din secolul XX ^{[7] [8]} . Palme de Aur la Cannes în 1952 (pe vremea aceea Gran Prix du Festival), a primit, printre alte premii, Oscarul pentru realizarea vieții în 1971 . În 2002 a fost ales cel mai bun regizor din toate timpurile de către British Film Institute ^{[7] [8]} . American Film Institute l-a clasat pe Welles pe locul șaisprezecelea printre cele mai mari vedete din istoria cinematografiei ^[9] .

Biografie

Copilăria și începuturile

Casa în care s-a născut Orson Welles, în Kenosha , într-o fotografie din 2013

Orson Welles s-a născut în Kenosha ( Wisconsin ), al doilea fiu al lui Beatrice Ives, pianistă și sufragetă care executase o pedeapsă pentru funcții politice puternic radicale, și Richard Welles, proprietarul unui lanț de fabrici de autoutilitare și inventator amator ^[11] , a coborât dintr-o familie bogată din Virginia ^[12] . Încă de la naștere, părinții eclectici și bogați i-au oferit fiului lor o educație neconvențională și l-au tratat drept copilul minune al familiei, dirijându-și talentul precoce către diferite forme artistice: cel mic a învățat imediat să cânte la pian grație învățăturilor mamei sale. și în curând a început să se dedice picturii ^[13] .

Welles a făcut prima sa apariție teatrală la vârsta de trei ani, ca un extra în Samson și Dalila , interpretat la Chicago Opera , care a fost urmat de rolul copilului într-o versiune a Madama Butterfly ^[14] . În 1919, părinții săi s-au despărțit, în culmea unei căsnicii furtunoase, iar Orson și-a urmat mama în Chicago , alături de care a frecventat cercurile artistice și intelectuale. La 10 mai 1924, Beatrice Welles a murit brusc la vârsta de patruzeci și trei de ani. Pierderea dureroasă a avut efecte profunde asupra alegerilor artistice ale lui Orson Welles, care s-a întors să locuiască cu tatăl său și și-a abandonat cariera muzicală pentru totdeauna ^{[15] [16]} .

Doctorul Maurice Bernstein, un vechi prieten de familie al familiei Welles, a stimulat dragostea băiatului pentru teatru, oferindu-i un felinar magic, o cutie de culori și un teatru de păpuși , cu care Orson a început să-și încerce mâna la punerea în scenă a tuturor spectacolelor sale. proprii, în care le oferea vocea tuturor personajelor din când în când ^[13] .

La vârsta de zece ani, în timpul școlii timpurii la Madison, Wisconsin , Welles s-a dedicat pieselor de teatru ale elevilor și a regizat și a interpretat primul său spectacol din Camp Indianola, Doctorul. Jekyll și domnul Hyde . Apoi și-a început studiile la Școala Todd din Woodstock ( Illinois ), o școală avangardistă dirijată de profesorul Roger Hill, pe care Welles îl va cita de mai multe ori ca profesor și ca cel care i-a furnizat ideile artistice și literare pe care și-ar fi bazat cariera și care i-ar afecta creativitatea ^[17] .

În cei cinci ani petrecuți la Școala Todd, Welles și-a continuat experiențele teatrale și literare, acționând în tragedii și drame istorice shakespeariene și chiar aventurându-se în magie și iluzionism , forme artistice care au rămas mereu printre interesele sale. În această perioadă a regizat, de asemenea, o versiune a lui Iulius Cezar a lui Shakespeare , cu care a câștigat premiul Asociației Teatrale din Chicago pentru cea mai bună piesă școlară ^[18] .

În 1930, tatăl său a murit, lăsându-l pe Orson, în vârstă de 15 ani, sub tutela doctorului Bernstein (ulterior imortalizat de Everett Sloane drept domnul Bernstein în Fourth Estate ) ^[13] . În anul următor băiatul a absolvit Școala Todd și, după ce a participat scurt la Chicago Art Institute , a obținut permisiunea de la Dr. Bernstein să amâne înscrierea la Universitatea Harvard și să plece în Irlanda pentru un fel de „turneu artistic”, cu scopul principal de a rupe în pictură . Călătorind într-o căruță trasă de măgar , pe care a folosit-o deseori ca acoperiș pentru noapte, Welles a vizitat mai întâi Insulele Aran și apoi s-a mutat la Dublin , unde și-a terminat finanțele ^[13] .

Welles a decis să încerce drumul teatrului și apoi s-a prezentat lui Hilton Edwards, regizorul Gate Theatre din Dublin, pretinzând că este un „actor celebru din New York” și a obținut un concert printre actorii principali. Prima sa reprezentație a fost ducele Karl Alexander de Württemberg în ediția teatrală a Jew Süss ^[20] .

Teatrul Gate din Dublin , unde Welles a jucat la începutul anilor 1930

În 1933, după ce a lucrat timp de doi ani ca regizor și actor în diferite spectacole și la Abbey Theatre , Welles a decis să se mute la Londra pentru a încerca mâna la teatrul englez, dar i s-a refuzat permisul de muncă ^[20] ; apoi a fost forțat să se întoarcă în Statele Unite , unde a jucat piese la Școala Todd și a colaborat cu Roger Hill la o serie de eseuri despre Shakespeare care au apărut în seria Everybody's Shakespeare ^[17] .

The Hearts of Age

În 1934, Welles, în vârstă de 19 ani, s-a căsătorit cu moștenitoarea Virginia Nicolson, cu care va avea o fiică, pe numele neobișnuit de Christopher, născut în 1937. La Școala Todd a filmat primul său scurtmetraj , The Hearts of Age (1934 ) ^[21] , în care a interpretat figura grotescă a Morții și la care soția sa Virginia a participat și la rolul unei domnișoare în vârstă ^[22] .

Acest scurt film de 16 mm mut, cu un context simbolic și dramatic, a fost inspirat din opera regizorilor vremii, de la Erich von Stroheim la Luis Buñuel , până la suprarealiștii francezi. Deja în acest scurtmetraj putem vedea cum compoziția imaginii caracterizează în mod clar tehnica de regie a lui Welles ^[23] . În doar patru minute, filmul, bazat în mod evident pe regizori precum Griffith, Stroheim, Murnau (imagini negative) și suprarealistul avangardist francez, a prezentat deja toate elementele viitoarei producții cinematografice a lui Welles ^[24] .

Acuratețea machiajului a fost, de asemenea, un element fundamental și a relevat o tendință pe care Welles a dezvoltat-o ​​pe parcursul carierei sale de actorie, aceea a camuflajului și a travestismului, cu utilizarea unor tehnici de machiaj elaborate; în The Hearts of Age , Welles a apărut ca un bătrân, chiar dacă avea doar 19 ani ^[23] și mai târziu a acordat întotdeauna o atenție deosebită machiajului , începând deja cu a patra moșie ^[25] .

Teatrul din New York

În 1934 Welles s-a mutat definitiv la New York și a debutat pe Broadway , unde a jucat rolul lui Tibaldo în Romeo și Julieta , în compania Katharine Cornell , interpret al rolului Julietei ^[27] . Eminentul critic Alexander Woollcott a fost cel care l-a recomandat pe Welles lui Cornell, după ce l-a văzut cântând la Teatrul Abbey din Dublin ^[28] . Welles a început să lucreze și la radio, realizând emisiuni precum America’s Hour , Cavalcade of America , Columbia Workshop: Hamlet și The March of Time (pe care le va parodia la începutul Fourth Estate ^[29] ).

Premiera Voodoo Macbeth , 14 aprilie 1936

În aceeași perioadă a întreprins colaborarea artistică cu regizorul și producătorul de teatru John Houseman , organizând spectacolul Panic , care a fost urmat de o reprezentare istorică ^[30] care a început să contribuie la faima sa: Voodoo Macbeth , cea mai revoluționară versiune a Macbeth, văzut până atunci; lucrarea a constat într-o transpunere a lui Macbeth a lui Shakespeare, în care acțiunea a fost transferată din Scoția în Haiti și în care clasicele trei vrăjitoare au fost înlocuite de 40 de vrăjitori voodoo . O altă particularitate a fost compoziția distribuției, alcătuită în întregime din actori negri, aleasă personal de Welles pe străzile din Harlem . Fostii interpreți au spus că selecția a constat în simpla citire a unui pasaj: dacă candidatul s-a dovedit a fi capabil să citească, Welles l-a angajat cu un salariu de 21 de dolari pe săptămână ^[31] .

Voodoo Macbeth a avut premiera pe 14 aprilie 1936 la Teatrul Lafayette din Harlem ^[32] și, după două luni de reluări, a fost interpretat încă două luni la Teatrul Adelphi de pe Broadway, înainte de a pleca într-un turneu național în șapte teatre susținute de inițiativa guvernamentală. Administrarea progresului în lucrări ^[32] . Lucrarea a avut un succes imens și a electrizat publicul, permițându-i lui Welles, în vârstă de 21 de ani, să devină instantaneu cel mai faimos și aclamat regizor de teatru din New York ^[33] .

Perioada succesului lui Welles a coincis cu un moment de puternic angajament social din partea lumii teatrale americane, care a adus multe succese pe scenă prin rodul muncii diferitelor activități de grup. Una dintre cele mai mari asociații de teatru colectiv a fost Teatrul Federal, care în New York se mândrea cu patru mari companii și în cadrul căruia Welles și-a continuat colaborarea cu John Houseman ^[34] , prin montarea diferitelor spectacole, cum ar fi adaptarea farsei A pălărie de paie de la Florența de Eugène Labiche , Faust de Christopher Marlowe și The Million Ghosts , o satiră despre comerțul cu arme , care s-a dovedit a fi un fiasco colosal ^[30] .

În ciuda unor opoziții din partea cercurilor politice mai conservatoare ^[35] , Welles și Houseman au decis să interpreteze muzicalul lui Marc Blitzstein Cradle with Rock , considerat prima „ dramă proletară ” din istoria teatrului american. Cu toate acestea, guvernul a încercat să împiedice punerea în scenă și, în seara premierei, la 16 iunie 1937, distribuția a găsit blocată intrarea în Teatrul Maxine Elliott și clădirea ocupată de poliție; acest inconvenient nu l-a descurajat pe Welles, care a improvizat spectacolul la fața locului în afara teatrului pentru a distra spectatorii până când problema a fost rezolvată. Teatrul de la Veneția a fost închiriat la douăzeci și unu de străzi distanță, iar publicul a fost invitat să meargă la noul teatru, unde spectacolul a fost pus în scenă în spatele cortinei, fără decor sau costume, cu interpreții care acționau de-a lungul culoarelor tarabelor, ca reglementările sindicale interziceau intrarea în scenă a distribuției. Blitzstein singur a ocupat scena, recitând subtitrările care însoțeau mișcările scenei și cântând muzica la pian. Spectacolul a fost atât de reușit încât a fost repetat în această formă improvizată până la 1 iulie următor ^[36] .

Cu experiența Teatrului Federal închisă, Welles și Houseman au fondat o nouă companie de proză, Teatrul Mercur , cu scopul de a pune în scenă opere clasice și moderne. Compania (pe care tânărul regizor o va regiza până la sfârșitul perioadei sale de la Hollywood) a debutat cu o versiune a lui Iulius Cezar a lui Shakespeare ambientată în Italia fascistă , o reprezentare care a stârnit imediat diverse controverse: pe lângă Welles din partea lui Brutus , personajul al lui Iulius Cezar s-a caracterizat prin prezentarea multor asemănări cu figura lui Mussolini . Primul din operă nu a obținut succesul sperat și criticile negative l-au obligat pe Welles să facă unele revizuiri ale textului care vor fi fundamentale pentru feedback-ul publicului în lunile următoare, atât de mult încât să fie necesar să transferați spectacolul într-un teatru mai mare. ^[37] .

Radioul - Teatrul Mercur în aer

În vara anului 1938 Welles (care apăruse deja pe coperta revistei Time în mai ^[33] ) și compania Mercury Theatre au devenit o prezență zilnică la emisiunile radio CBS , cu programul Mercury Theatre on the Air . În care reinterpretări audio au fost propuse clasice sau opere literare populare. Printre textele reinterpretate se numără amintirea: Dracula , Insula Comorilor , 39 de pași , Contele de Monte Cristo , Iulius Caesar , Sherlock Holmes , Oliver Twist ^{[38] [39]} .

Razboiul lumilor

Copie a unui disc, creat 10 ani mai târziu, a înregistrării Războiului lumilor .

Memorabilă rămâne transmisia care a fost difuzată la 30 octombrie 1938, în timpul căreia Welles, în vârstă de 23 de ani, a jucat într-o adaptare radio scrisă de Howard E. Koch din The War of the Worlds , un roman științifico-fantastic de HG Wells ; programul a provocat panică în mare parte din Statele Unite, deoarece mulți ascultători de radio credeau că Pământul era într-adevăr invadat de o flotă războinică de nave spațiale marțiene ^{[31] [40] [41]} .

Welles știa că CBS difuza pe frecvențe apropiate de cele ale celei mai populare NBC , unde în același timp erau difuzate emisiile populare ale comediantului și ventrilocului Edgar Bergen și ale păpușii sale Charlie McCarthy ^[42] , dar știa și că Bergen, în un moment foarte precis al transmisiei sale, a transmis întotdeauna o tăietură muzicală în timpul căreia publicul a avut tendința de a schimba stația: în acel moment Welles a decis să-și debarce marțienii. Alegerea sa dovedit eficientă în timp ce Statele Unite au plonjat în haos. Potrivit mărturiei multor colaboratori, inclusiv asistentul personal Alland, executivul CBS , Davison Taylor, s-a aruncat în sala de înregistrare după 15 minute și i-a exclamat lui Welles: „ Doamne, oprește chestia asta! Oamenii de acolo sunt. Au înnebunit! ”. La scurt timp, Welles i-a răspuns CEO-ului CBS Paley (care a sosit în papuci și halat de baie ), care i-a ordonat să închidă emisiunea: " Întrerupeți? mai târziu ^[31] . Pentru a spune adevărul, Welles a crezut că adaptarea este plictisitoare și nu a vrut să o propună, dar s-a trezit obligat să o folosească în absența altor materiale interesante disponibile.

Crezând că evenimentele descrise în difuzare au fost autentice, ascultătorii programului s-au panicat , fără să-și dea seama că era de fapt o simplă emisiune radio. Povestea povestită în roman a fost interpretată de Welles ca un comentariu real, cu singura intenție de a fi convingătoare pentru public. Adaptarea romanului a simulat de fapt un buletin informativ special, care uneori a fost inserat deasupra celorlalte programe ale programului , pentru a oferi actualizări cu privire la aterizarea navelor spațiale marțiene în Grovers Mill ( New Jersey ). Rezultatul a fost prea realist și a depășit așteptările autorului. Povestea s-a transformat într-o uriașă revenire publicitară pentru Welles, atât de mult încât RKO a venit înainte oferindu-i un contract pentru realizarea a trei filme la Hollywood ^[43] .

Welles la Hollywood

Înainte de debutul real al filmului în Fourth Estate , Welles a regizat deja un film. Too Much Johnson , un film de lung metraj filmat în 1938, a fost destinat să fie inclus în farsa teatrală omonimă (jumătate de oră în total) care, totuși, nu a fost niciodată pusă în scenă. Welles a spus despre film, după ce a crezut că este singura copie care a fost pierdută în incendiul din 1970 al vilei sale din Madrid : „ A fost un film bun. Am creat o visă Cuba la New York. M-am uitat la ea acum 4 ani și tipăritul era în stare excelentă. Știi, nu mi-am pus-o niciodată. M-am gândit să-l pun împreună pentru a-l oferi lui Joe Cotten drept cadou de Crăciun de câțiva ani, dar nu am făcut-o niciodată ” ^[44] . O copie a filmului a fost găsită la 7 august 2013 într-un depozit din Pordenone . Restaurată de Cineteca del Friuli , lucrarea a fost proiectată la 9 octombrie 2013 ca parte a evenimentuluiZilele filmului mut ^[45] .

Din momentul sosirii sale la Hollywood, la 22 iulie 1939, Welles a fost primit ca călduț: cativa dintre invitati au participat la recepție în onoarea lui, în timp ce ziarele și caricaturiști a făcut imediat haz de barba (care a crescut pentru un rol de teatru în Zeița verde ) ^[46] . Dar Welles a ignorat aceste atitudini și s-a concentrat asupra proiectului său și a ambițiilor sale de regizor.

În 21 august următor, el a semnat cu RKO Pictures cel mai avantajos contract oferit vreodată de un studio ^[47] . În calitate de actor, scenarist, regizor și producător, Welles va primi o taxă estimată de 50.000 USD, plus 20% din încasările brute, pentru realizarea a trei filme. Contractul i-a acordat, de asemenea, libertate artistică absolută, o libertate pe care oricine la Hollywood și-ar fi dorit-o și care probabil a contribuit la alimentarea invidiei filmului față de nou-venit ^[48] .

Pentru primul său proiect la RKO, Welles a început să lucreze la o adaptare a romanului Heart of Darkness (Inima întunericului) de Joseph Conrad . Scenariul, realizat în scurt timp, a inclus câteva variante din roman: în textul original al lui Conrad, povestea s-a desfășurat începând de la Tamisa din Londra până în inima junglei prin ascensiunea râului Congo ; în versiunea lui Welles, acțiunea a fost actualizată și mutată la New York, râul Hudson înlocuind Tamisa. Personajul lui Marlow a devenit american și caracteristicile asumate de Kurtz care făceau aluzie la figura lui Hitler și la voința sa de putere ^[49] . Însă elementul esențial al acestei versiuni a lui Welles nu rezidă în concepția complotului, ci mai ales în originalitatea concepției tehnicii filmului, aspect care nu fusese abordat niciodată la Hollywood și pe care tânărul regizor intenționa să îl exploreze. recurgând la narațiune.prin subiectivul camerei ^[39] .

În viziunea lui Welles, Marlow nu a fost de fapt niciodată vizibil pe scenă, spre deosebire de versiunea lui Conrad, în care Marlow este primul narator al întregii povești; concepția wellesiană de fapt a înlocuit personajul cu obiectivul camerei, în care privirea protagonistului ar fi trebuit să se identifice. Doar în unele locuri puteai vedea o țigară aprinsă sau umbra personajului ^[48] . Ideea lui Welles a fost să-i împrumute vocea lui Marlow și, de asemenea, să interpreteze personajul lui Kurtz (deși, cu puțin înainte de eșecul proiectului, el a decis deja să renunțe) ^[50] .

Rolul de protagonist feminin a fost încredințat actriței Dita Parlo , în timp ce o parte din distribuție era compusă din actori de la Teatrul Mercur, care, datorită lui Welles, obținuse la rândul său un contract cu RKO și ar apărea în curând în Quarto power ^{[ 51]} . Cu toate acestea, proiectul a eșuat din cauza unor circumstanțe multiple. Parlo a fost reținut în Franța sub acuzația de colaborare , RKO nu a fost dispus să pună încredere într-o astfel de tehnică de regie revoluționară, în timp ce bugetul filmului s-a dovedit prea mare, având în vedere și necesitatea de a înființa un set care să reconstruiască mediile africane. ^[39] .

Fără să-și piardă inima, Welles a apelat la cel de-al doilea proiect al său cu RKO și a decis să filmeze Smiler cu un cuțit , un film detectiv. Tot în acest caz, filmul nu a văzut niciodată lumina, se spune pentru renunțarea de către cei doi interpreți aleși, Carole Lombard și Rosalind Russell , cărora le-a fost frică să nu le distrugă reputația participând la un film regizat de un regizor novice. După cum a declarat mai târziu Welles, în realitate Carole Lombard a fost prietenă cu el și l-a susținut, dar compania de producție a actriței nu i-a permis să participe la film ^[52] .

Al patrulea domeniu

Același subiect în detaliu: al patrulea domeniu .

Titlul original al Fourth Estate în trailerul filmului ( 1941 )

După cum a afirmat Welles, al treilea film în cadrul contractului cu RKO a început să prindă contur încă din planificarea Zâmbetului cu un cuțit . Pe lângă Welles, John Houseman și noul angajat Herman J. Mankiewicz au lucrat la scenariu. Filmul a fost inițial numit Welles1 , apoi a fost numit american , până când a luat titlul final, Citizen Kane (literalmente „Citizen Kane”, titlul italian: Fourth Estate ) ^{[31] [53]} , definit ulterior de François Truffaut « filmul filmelor » ^[22] , cel care a inspirat debutul celui mai mare număr de regizori și actori ^[22] .

De data aceasta, Welles și-a propus să scrie un subiect complet original, fără a se inspira din literatură, așa cum făcea și în teatru. Subiectul a fost inspirat de figura magnatului de presă William Randolph Hearst ^[54], iar complotul filmului ar părea să facă ecou la multe referiri la viața lui Hearst: în ciuda marilor bunuri moștenite, Kane este aproape exclusiv interesat de micul său ziar și se extinde să devină o publicație la nivel național, creând un imperiu publicitar ale cărui poziții vor fi orice altceva decât imparțiale, la fel cum Hearst era cunoscut pentru bătăliile și cruciadele sale, iar în tinerețe a atacat trustul de transport ^[55] ; Kane se căsătorește de două ori, al doilea cu o actriță-cântăreață-dansatoare (Hearst a fost faimos legat de actrița Marion Davies ) ^[56] și încearcă fără succes să intre în politică ; realizarea lui Xanadu amintește de reședința pe care Hearst o construise (castelul San Simeon, care a devenit faimos și pentru evenimentele sociale legate de Hollywood și lumea cinematografiei) ^[57] ; Kane cumpără tot felul de opere de artă doar de dragul deținerii acesteia ^[56] , la fel cum a făcut Hearst cu obsesia sa de colecționare , ceea ce l-a determinat să cumpere obiecte pe care apoi le-a lăsat ambalate în lăzi ^[56] ; în ultimii ani ai vieții sale, Kane se retrage în viața privată, izolându-se pentru a evita orice contact uman.

Alte interpretări cred că filmul ar fi putut fi inspirat de Jules Brulatour , proprietarul Kodak și pionier al industriei cinematografice, sau de producătorul excentric Howard Hughes , după cum se spune în F ca fiind fals . Lo stesso Welles dichiarò a Peter Bogdanovich che, per tratteggiare il protagonista della storia, in prima battuta si pensò a Hughes ^[58] , per passare subito ai padroni della carta stampata ^[59] e ai tycoon della fine del secolo, utilizzando elementi raccolti da altre vite ma senza dare precisi riscontri biografici su alcun personaggio reale ^[60] .

Welles affidò la maggior parte dei ruoli principali del film agli attori con i quali aveva già lavorato al Mercury Theatre, e che provenivano dall'esperienza della radio, Joseph Cotten (interprete di Jedediah Leland, giornalista e amico di Kane), Agnes Moorehead , Everett Sloane , Ray Collins , George Coulouris , Erskine Sanford , Paul Stewart ^[51] , esercitando quindi l'autonomia creativa anche nella scelta dei suoi interpreti ^[61] .

Le riprese di Quarto potere , la cui sceneggiatura richiese oltre tre mesi di lavoro, presero il via il 30 luglio 1940 ^[62] , mentre il montaggio iniziò il 23 ottobre dello stesso anno ^[63] . La stampa specializzata in gossip iniziò ad interessarsi al film ei pettegolezzi arrivarono all'orecchio di WR Hearst, grazie a Louella Parsons ^[64] , una celebre columnist che scriveva sui suoi giornali e che, allo stesso tempo, era un'estimatrice di Welles; secondo la Parsons, Welles stava girando un film basato sulla vita di Hearst, e quest'ultimo andò su tutte le furie. Grazie alla potenza del proprio impero editoriale, il grande magnate della stampa iniziò un'opera di boicottaggio nei confronti del film e della RKO ^[65] .

La data d'uscita di Quarto potere , prevista in origine per il 14 febbraio 1941, fu rimandata più volte, tanto che Welles minacciò la RKO di inadempienza contrattuale per questo ritardo. La polemica smosse la casa di produzione, che stava cercando di sfruttare la pubblicità creata dalla controversia per lanciare il film, la cui prima per la stampa si tenne il 9 aprile 1941, e che venne proiettato per la prima volta al pubblico newyorkese al cinema RKO Palace a Broadway, il 1º maggio 1941 ^{[66] [67] [68]} .

Quarto potere faticò a ottenere il grande successo di pubblico, principalmente a causa dell'opera di boicottaggio intrapresa dai periodici dell'impero editoriale Hearst, che non consentì al film una distribuzione adeguata nelle sale maggiori e nelle catene ^{[69] [70]} , mentre le recensioni della critica accolsero invece il film come uno dei più grandi capolavori del cinema di sempre. Con Quarto potere , Orson Welles scardina le pratiche del cosiddetto "cinema delle origini" rifondando, di fatto, le tecniche della ripresa cinematografica, affidandosi a innovazioni artistiche nella narrazione, nelle tecniche di ripresa e nel ricorso al simbolismo ^[71] . Rielaborando meccanica, ottica e illuminotecnica, ricostruisce e migliora lo stile di maestri del "primo cinema" come David Wark Griffith (autore di Nascita di una nazione ) dai quali trae ispirazione e suggestioni. Welles fonde elementi eterogenei del teatro e del cinema, ricostruendo il punto di vista dello spettatore con inquadrature virtuose e mai osate fino a quel momento, o cambi di luci fondamentali, come per esempio la dissolvenza della luce da punti diversi dello schermo e la sparizione degli attori uno dopo l'altro (innovazione poco considerata da Welles, che la credeva in uso nel cinema e che ritiene ripresa dalle sue abitudini teatrali, ma una delle poche che ammette di aver inventato).

Con il ruolo del protagonista Charles Foster Kane, Welles dimostrò inoltre la propria sensibilità e abilità interpretativa, arrivando a coprire tutte le fasi dell'esistenza del personaggio, dalla prima giovinezza, in cui Kane è un baldo e idealista direttore di giornale, passando per la mezza età, quando Kane è all'apice del suo carisma e della sua spavalderia, fino alla vecchiaia, in cui si è ormai trasformato nel megalomane magnate dell'editoria, la cui umanità è rimasta soffocata dall'immenso potere conquistato ^[72] .

Di fondamentale importanza per l'interpretazione di Welles fu anche l'abilità del truccatore Maurice Siederman, il cui impegno riuscì a rendere estremamente convincenti i vari passaggi dell'esistenza di Kane, dai venti ai settantasette anni. Anche nelle scene che ritraggono Kane da giovane, Welles era sempre pesantemente truccato ^[73] .

Ma l'aspetto più innovativo del film è costituito dall'uso, per la prima volta consapevole e sistematico, della profondità di campo ( deep focus ) e del piano sequenza . La prima tecnica venne studiata e approfondita dal celebre direttore della fotografia Gregg Toland , che ricorse a speciali lenti a cui erano applicate delle ghiere metalliche scanalate (o "Waterhouse stops") che consentivano di variare la profondità di campo mentre la macchina da presa si trovava in funzione, e all'utilizzo di pellicola ultrasensibile che all'inizio degli anni quaranta iniziava a essere immessa sul mercato ^[74] . A livello di scrittura, l'innovazione principale consiste invece nel ricorso all'uso sistematico di flashback , contrario allo stile classico dei film ^[75] .

Il regista, nelle interviste successive, ha poi sempre affermato che molte delle innovazioni a lui attribuite non erano affatto tali ^[76] ; per essere riuscito a farle apparire come sue, Welles si definirà - nel film F come falso (1973) - un illusionista .

Secondo le classifiche dell'AFI e del BFI, e di molti altri critici, Quarto potere viene considerato il " Più bel film della Storia del Cinema " . ^{[7] [8] [78]}

L'orgoglio degli Amberson

La copertina del romanzo L'orgoglio degli Amberson in uno screenshot del film di Welles

Il secondo film che Welles diresse per la RKO (in cui non comparve come attore, ma solo come voce narrante) fu il più sobrio e tradizionale L'orgoglio degli Amberson ( The Magnificent Ambersons , 1942), adattato dall'omonimo romanzo di Booth Tarkington , vincitore del premio Pulitzer . Con questa pellicola, i dirigenti della casa di produzione riponevano le speranze di recuperare gli investimenti persi con il parziale flop commerciale del film precedente ^[80] .

Il film racconta la saga degli Amberson, una famiglia dell'alta borghesia che vive a Indianapolis durante il periodo in cui il progresso tecnico e industriale proveniente dall' Europa (simboleggiato dall'arrivo e dall'affermazione dell' automobile ) inizia a minarne la supremazia sociale. L'inventore Eugene Morgan (Joseph Cotten), divenuto proprietario di una fabbrica di automobili, è da sempre innamorato di Isabel Amberson ( Dolores Costello ), la matriarca della famiglia, la quale torna a frequentarlo dopo la morte del marito. Questo amore viene ostacolato dal di lei figlio George Minafer ( Tim Holt ), il quale continua a mantenere lo spirito altezzoso e l'atteggiamento aristocratico che ha sempre caratterizzato gli Amberson ^[81] .

Welles considerò questa pellicola addirittura migliore di Quarto potere , ritenendola una realizzazione più matura, più studiata e con una tecnica registica già differente dal primo film ^{[82] [83]} La composizione dell'immagine ha un taglio meno barocco e le innovazioni sono meno coraggiose di quelle apparse in Quarto potere , ma si nota comunque un'abilità registica enorme, con un'eccellente fotografia, diverse creazioni di montaggio e un uso eccezionale dei piani sequenza ^[82] .

In sostanza, il film aveva tutte le premesse per diventare un grande successo e una grande opera d'arte cinematografica; ma anche in questo caso Welles trovò davanti a sé una strada irta di difficoltà, poiché si preparavano nuovi scontri con la casa produttrice ^[84] . Durante le riprese, il governo degli Stati Uniti chiese a Welles di realizzare un film documentario sull' America meridionale . Welles lasciò dunque il paese per cominciare le riprese di It's All True , dopo aver montato la prima copia di bozza di L'orgoglio degli Amberson , pensando di poter continuare a inoltrare tramite telegramma le istruzioni finali ai suoi collaboratori ^{[31] [85]} .

A questo punto la RKO, già in difficoltà finanziarie e spaventata da un possibile nuovo insuccesso commerciale, prese il controllo della pellicola dallo staff della Mercury Production di Welles e operò un taglio di oltre 50 minuti di girato, mentre alcune scene, comprese quelle finali, vennero filmate ex novo ed aggiunte o sostituite a quel che restava della prima versione. La pellicola originale tagliata, compreso il finale originale che Welles aveva girato, andò irrimediabilmente perduta. L'intervento della RKO, che attenuò fortemente i toni nostalgici e agrodolci de L'orgoglio degli Amberson , fu solo il primo di una lunga serie di persecuzioni e dannose interferenze da parte dei produttori, che Welles dovrà affrontare nel corso di tutta la sua carriera a Hollywood ^{[31] [85]} .

Durante la lavorazione de L'orgoglio degli Amberson , Welles fu contemporaneamente impegnato come attore sul set di un'altra pellicola, la spy-story Terrore sul Mar Nero , tratta da un romanzo di Eric Ambler e girata in simultanea in un vicino teatro di posa. Scritto e interpretato assieme a Joseph Cotten, il film venne frettolosamente realizzato di notte e non convinse la casa di produzione, che lo farà uscire soltanto nell'agosto del 1943, limitandone la durata a 71 minuti e ricavandone scarso successo. Welles, che nel film impersona il sanguinario e caricaturale colonnello Haki, capo della polizia segreta turca, riuscì in un primo tempo ad ottenere dalla RKO la facoltà di rigirare il finale e di integrare la storia con la voce narrante di Joseph Cotten, ma questo tentativo non giovò comunque al film ^{[31] [86]} .

Allo scoppio della seconda guerra mondiale , molti artisti si impegnarono in campo politico, o addirittura si arruolarono, ma Welles cercò di evitare il servizio di leva; la storica cinematografica Giuliana Muscio ha ritrovato una lettera indirizzata alla MGM e datata 28 aprile 1943, diretta all' Office War Information , nella quale il regista chiede l'esonero dal servizio militare per partecipare a una produzione cinematografica basata su Guerra e pace di Lev Tolstoj , mai però realizzata ^[87] .

It's All True

Già nel 1941 Welles progettava di girare un film a episodi, It's All True ; il primo episodio, il cui titolo previsto era Il Capitano Chair , era basato su un soggetto del 1938 in cui l'autore, il documentarista Robert J. Flaherty , affrontava il tema dei propri viaggi nel gelido nord ^{[87] [88]} . L'intenzione di Welles era quella di riadattare il racconto, ma il progetto alla fine non si concretizzò. Il secondo episodio previsto, My Friend Bonito , tratto anch'esso da un soggetto di Flaherty, narrava la storia dell'amicizia tra un bambino messicano ed un toro, destinato alla corrida e salvato dalla morte nell'arena grazie alla pietà della folla.

Le riprese di questo episodio vennero avviate dal regista Norman Foster e non da Welles ^{[88] [89]} , ma Foster non proseguì la lavorazione, poiché fu richiamato da Welles a Hollywood per collaborare alla regia di Terrore sul Mar Nero .

All'indomani dell' attacco giapponese a Pearl Harbor - nell'ottica di avvio di un'azione di propaganda in America latina per timore di una possibile influenza nazista in quei paesi ^[88] - Welles venne interpellato dal Governo degli Stati Uniti che lo incaricò di raggiungere il Brasile per girare un film sul Carnevale di Rio de Janeiro , compromettendo così la prosecuzione del lavoro del regista, sia per L'orgoglio degli Amberson che per Terrore sul Mar Nero .

Welles partì per il Brasile, dove il 13 febbraio prese il via il carnevale; la sua idea era quella di riprogettare interamente It's All True , di utilizzare le riprese sul carnevale come primo episodio e di conservare il girato di My Friend Bonito , utilizzandolo come secondo episodio ^{[88] [90]} .

Per il secondo episodio, Welles trovò ispirazione da un fatto realmente accaduto e di cui aveva letto un articolo sulla rivista TIME . È la storia di Jacaré, Tata, Mané e Geronymo, quattro pescatori (Jangadeiros) originari di una regione del Nord del Brasile, i quali sono costretti a dividere il frutto del loro lavoro con i padroni delle barche (Jangadas). Desiderosi di ottenere la tutela e la protezione di un sindacato , i quattro intraprendono un viaggio lungo tutta la costa del Brasile fino a Rio de Janeiro, transitando solo nei tratti d'acqua più bassa e più vicina alla costa, attraccando occasionalmente per rifornirsi e per chiedere ospitalità alla gente del luogo. Prima di giungere nella capitale, sono diventati così famosi che il presidente Getúlio Vargas è costretto a riceverli ^[91] . I quattro conquistano solo un piccolo miglioramento economico ma non riescono ad ottenere l'istituzione del sindacato, che il presidente comunque promette loro ^[92] .

Welles decise di iniziare la lavorazione dell'episodio con le riprese relative all'arrivo dei jangadeiros a Rio. Durante una pausa, mentre la macchina da presa era ferma ed i pescatori si trovavano in mezzo alla baia, un'onda gigantesca li travolse e trascinò in fondo al mare Jacaré, che morì annegato ^{[88] [93]} . La responsabilità della tragedia venne attribuita a Welles che, da quel momento, come dichiarò lui stesso in un'intervista poi apparsa nel documentario It's All True , provò un tale senso di colpa da voler a tutti i costi terminare il film per onorare la memoria del povero Jacaré ^{[88] [93]} .

Nel frattempo, la casa produttrice RKO subì un avvicendamento ai vertici dirigenziali: George Schaefer , protettore di Welles, venne sostituito da Charles J. Koerner, che licenziò in tronco il regista e decise di richiamare la troupe dal Brasile, revocando la disponibilità dei fondi residuati ^[90] . Con il fallimento del film, tutto il lavoro rimase inutilizzato e venne depositato negli archivi RKO. L'unico materiale oggi visionabile è contenuto in It's All True , ovvero nel documentario omonimo che racconta la realizzazione del film, uscito negli anni novanta .

Gli altri film degli anni quaranta

La débacle di Terrore sul Mar Nero e di It's all True rappresentò la fine di quella che per Welles era stata preannunciata, poco più di un anno prima, come la folgorante carriera di un genio ^[95] .

Per alcuni anni, durante il periodo della seconda guerra mondiale, Welles rimase lontano dal mondo del cinema, dedicandosi a trasmissioni radiofoniche di propaganda per la CBS e, in particolare, ad attività di carattere politico quali un ciclo di conferenze sulla natura del fascismo , che egli presiedette in tutto il paese, unitamente al sostegno all'amministrazione del presidente statunitense Roosevelt , per il quale scrisse diversi discorsi politici ^[10] .

Welles e Loretta Young ne Lo straniero (1946)

Nel frattempo Welles, che nel 1939 aveva divorziato dalla prima moglie Virginia Nicolson, e che aveva avuto una successiva relazione con l'attrice messicana Dolores del Río (sua partner in Terrore sul Mar Nero ) ^[96] , nel 1943 si risposò con Rita Hayworth , la cui interpretazione in Gilda (1946) la consacrerà come uno dei maggiori sex symbol del dopoguerra ^[97] . Dal matrimonio con la Hayworth nacque una figlia, Rebecca (1944-2004).

Welles ritornò al cinema grazie al produttore David O. Selznick , che lo scritturò per interpretare il dramma in costume La porta proibita (1944), tratto dal romanzo Jane Eyre , accanto a Joan Fontaine . Con il vigoroso ritratto del protagonista Edward Rochester, l'ombroso eroe romantico nato dalla penna di Charlotte Brontë , Welles poté sfruttare al meglio la propria imponente presenza scenica ^[98] .

Il successivo impegno cinematografico di Welles rappresentò uno dei momenti più curiosi e affascinanti della sua carriera. Nel film La nave della morte (1944), un tipico prodotto hollywoodiano del periodo bellico, composto di sketch e numeri musicali di intrattenimento, Welles ricorse a una sua antica passione, l'illusionismo, producendosi nel Mercury Wonder Show , un famoso spettacolo di magia durante il quale eseguì con eleganza alcuni numeri da prestigiatore e si esibì nel trucco della donna segata a metà, con l'ausilio di una partner d'eccezione, Marlene Dietrich ^[99] .

Dopo l'interpretazione di un veterano della prima guerra mondiale nel dramma sentimentale Conta solo l'avvenire (1945), accanto a Claudette Colbert , Welles riuscì a realizzare ancora tre film a Hollywood: nel primo, Lo straniero (1946), Welles diresse Loretta Young e Edward G. Robinson , interpretando anche il ruolo del protagonista, un ex nazista che tenta di nascondere il proprio passato sotto l'identità di un professore che insegna in un college di un piccolo centro del Connecticut ^[100] .

La signora di Shanghai

Orson Welles nel trailer de La signora di Shanghai ( 1948 )

Nel 1946 Welles ritornò al teatro con Around the World , un adattamento musicale de Il giro del mondo in ottanta giorni . Lo spettacolo ottenne un grande successo di critica ma lo scarso riscontro di pubblico lasciò Welles in disastrose condizioni finanziarie e lo costrinse a raggiungere un frettoloso accordo con Harry Cohn , boss della casa produttrice Columbia , per dirigere La signora di Shanghai , un curioso mix di dramma e elementi noir , in cui recitò anche nel ruolo del protagonista, il marinaio Michael O'Hara, e affidò alla moglie Rita Hayworth il personaggio di Elsa Bannister, una femme fatale falsa e amorale ^[101] .

Welles ricorse ad alcune originali ambientazioni, come nella scena dell'incontro tra O'Hara e la Bannister tra le vasche di un grottesco acquario, e come la lunga sequenza da incubo in un tentacolare luna park , che culminò nella sparatoria finale all'interno di un labirinto di specchi. Sua fu anche la rielaborazione del look della Hayworth, le cui celeberrime chiome lunghe e rosse vennero sacrificate da Welles in favore di un'acconciatura più corta e di un biondo più freddo e più aderente al cliché di spietata dark lady ^[102] .

L'uscita del film, oggi considerato un "classico", venne bloccata da Harry Cohn, inorridito dalla possibile reazione del pubblico di fronte alla drastica trasformazione dell'immagine della Hayworth ^[96] . La signora di Shanghai verrà distribuito solo nel 1948, all'epoca in cui Welles e la Hayworth avevano avviato le pratiche di divorzio , dopo un matrimonio durato cinque anni. La Hayworth, in seguito, lodò in più di un'occasione la pellicola, considerandola una delle più belle della propria carriera, e sostenendo di aver creduto moltissimo nelle capacità dell'ex marito, affidandosi senza timori al suo genio ^[103] .

Il Macbeth e l'addio a Hollywood

Welles con Jeanette Nolan in Macbeth ( 1948 )

Archiviata l'esperienza nel genere noir , nell'estate del 1947 Welles si dedicò alla trasposizione cinematografica del Macbeth di Shakespeare (di cui fu regista e interprete), ottenendo dalla casa produttrice Republic Pictures un tempo di soli 23 giorni per terminare la lavorazione, un singolo teatro di posa e un budget così ridotto da costringere il regista a ricorrere a scenari e sfondi di cartapesta ^[104] .

Welles aveva disegnato personalmente le scenografie, ma esse risultarono fuori budget, per cui dovette accontentarsi di utilizzare sfondi di fortuna, come la vecchia miniera di sale solitamente impiegata come set dei western della Republic, per adattarla a diventare il salone del castello, e di noleggiare gran parte dei costumi di scena alla Western Costume ^[105] . Nelle sequenze relative alla battaglia, Welles utilizzò i cameramen come comparse, vestendoli solo sul dorso per filmarli durante i primi piani del combattimento ^[106] . Nonostante i mezzi tecnici limitati e le restrizioni in termini di tempo, la versione del Macbeth realizzata da Welles è da considerarsi parzialmente riuscita ^[107] , ma non bastò ad evitare la mediocre conclusione della prima fase hollywoodiana della sua carriera ^[108] .

I primi anni in Europa (1949-1957)

Nel 1948 Welles lasciò definitivamente la cittadina californiana e si trasferì in Europa, dove iniziò a concentrarsi su una nuova trasposizione di un dramma shakesperiano, l' Otello , che intendeva dirigere e interpretare. La necessità di finanziare questo progetto lo costrinse ad accettare alcune parti in film americani realizzati in Europa, quali Cagliostro (1949), Il principe delle volpi (1949) e La rosa nera (1950) (gli ultimi due accanto a Tyrone Power ). Si tratta di pellicole in costume, con scenografie ridondanti, in cui Welles si produsse in annoiate interpretazioni di personaggi intriganti e appesantiti da eccessivi orpelli ^[110] .

Il terzo uomo

Nel 1949, Welles ottenne un ruolo che si rivelò di fondamentale importanza per la sua carriera e nel quale verrà spesso identificato in futuro ^[112] , quello del bieco Harry Lime ne Il terzo uomo ( The Third Man , 1949), diretto da Carol Reed e sceneggiato dallo scrittore inglese Graham Greene , che dal film trarrà successivamente un romanzo di successo.

Ambientato nella Vienna dell'immediato dopoguerra, il film ruota attorno alla misteriosa figura di Harry Lime, un ignobile avventuriero che traffica in penicillina adulterata in una città sconvolta dagli eventi bellici. La trama prevede che il personaggio di Lime compaia solo in un numero limitato di scene, ma il fatto che nel film si continui a parlare di lui (sono state calcolate ben 57 allusioni verbali a Lime, prima della sua entrata in scena) ^[113] , lo colloca automaticamente al centro dell'attenzione dello spettatore ^[114] .

Il film ottenne un enorme successo di pubblico ^[115] e la carismatica presenza di Welles, che appare per pochi minuti ma il cui cinico e sfrontato personaggio è continuamente citato per tutto il film, contribuì a consolidare la sua popolarità, già nel frattempo rafforzata fin dal pubblicizzato matrimonio con Rita Hayworth.

L'Otello

Una scena dell'Otello

Con la realizzazione dell' Otello (1952), che richiederà quasi tre anni di lavoro, Welles iniziò la sua avventura da regista in Europa, affrontando una lunga serie di difficoltà professionali, quali la costante necessità di reperire i fondi necessari, il sopravvenuto fallimento della casa produttrice del film (la Scalera Film di Roma ) ^[116] , il lungo lavoro di selezione per assegnare la parte di Desdemona, la difficoltà di conciliare gli impegni di interpreti e tecnici con la crescente lunghezza dei tempi di lavorazione, protrattisi dal 1949 al 1951 e caratterizzati da ripetute interruzioni e riprese ^[117] .

L'esperienza dell' Otello è rappresentativa delle difficoltà artistiche che Welles incontrerà durante tutto il resto della sua carriera di regista. Via via impegnato come attore su set altrui, o in trasmissioni radiofoniche e spettacoli teatrali al solo scopo di finanziarsi, Welles rese il suo Otello un'opera memorabile, privilegiando la tecnica del montaggio, con cui riuscì a restituire la dimensione classica dell'opera attraverso scene ambientate direttamente nei luoghi storici, dando una efficace continuità spaziale e temporale a sequenze spesso realizzate in ambienti e momenti assai differenti tra loro ^[117] .

Girato in esterni a Mogador e Safi (sulla costa del Marocco ), a Venezia ea Tuscania , nel 1952 l' Otello di Welles si aggiudicò la Palma d'oro al Festival di Cannes (in ex equo con Due soldi di speranza di Renato Castellani ), partecipando come rappresentante degli Stati Uniti . ^[118] .

I successivi impegni videro Welles dividersi tra alcune produzioni europee girate in Inghilterra , Francia e Italia (in quest'ultimo paese partecipò come attore al film L'uomo, la bestia e la virtù (1953), diretto da Steno e interpretato a fianco di Totò ). Iniziò inoltre a lavorare anche per la televisione, dirigendo due serie per la BBC inglese e tornando a New York nel 1953 per una versione del Re Lear destinata ad andare in onda all'interno di Omnibus , serie televisiva della CBS ^[119] .

Rapporto confidenziale

Con Rapporto confidenziale (1955), Welles tornò alla regia cinematografica, scegliendo un tema per certi versi analogo a Quarto potere , ovvero la storia di Mr. Gregory Arkadin, un potentissimo arricchito che tenta di disfarsi di chiunque possa scoprire gli infamanti segreti del suo passato e le vergognose origini della sua potenza finanziaria ^[120] . Welles, la cui costituzione fisica iniziava ad appesantirsi col trascorrere degli anni, diede un ritratto di grande imponenza del magnate Arkadin, curando come di consueto il make up, completo di folti baffi e barba e di un marcato trucco dei lineamenti ^[120] .

Il ruolo della figlia di Arkadin, Raina, venne interpretato da un'attrice italiana, la contessina Paola Mori che, nel maggio del 1955, diventò la terza signora Welles. Nel novembre dello stesso anno nacque la loro figlia Beatrice ^[120] .

Dopo una riduzione teatrale del Moby Dick di Melville , con cui andò in scena a Londra nel 1956, nel ruolo del capitano Achab, Welles prese parte anche alla trasposizione cinematografica del medesimo romanzo, diretta da John Huston . Quella di Welles è una breve ma vigorosa apparizione nei panni dell'imponente Padre Mapple, che pronuncia un memorabile sermone su Giona e la balena, dall'alto di un pulpito a forma di prua di una nave ^[121] .

Breve parentesi a Hollywood (1957-1959)

Dopo quasi dieci anni di lontananza, nel 1957 Welles rientrò a Hollywood. Il suo aspetto diventato massiccio lo faceva sembrare più anziano dei suoi 42 anni e gli precluse ormai quei ruoli romantici che aveva affrontato negli anni quaranta ^[122] . Nei suoi primi due film subito dopo il ritorno, Welles interpretò due figure di "americano del Sud": ne La tragedia del Rio Grande (1957) è Virgil Renchler, un malvagio proprietario terriero che dirige dispoticamente un grosso ranch nel sud-ovest e si scontra con lo sceriffo del luogo ( Jeff Chandler ). ne La lunga estate calda (1958), è Will Varner, un rozzo piantatore sudista di mezza età, personaggio con cui Welles poté contrapporre la propria recitazione teatrale e la propria accurata dizione allo stile introspettivo del Metodo Stanislavskij dei suoi partner, Paul Newman , Joanne Woodward e Anthony Franciosa ^[123] .

L'infernale Quinlan

Orson Welles nel ruolo di Hank Quinlan ne L'infernale Quinlan ( 1958 )

Nel 1958 Welles accettò un incarico dalla Universal Pictures per dirigere e interpretare L'infernale Quinlan , un film inizialmente di ambizioni modeste che si rivelò invece, secondo il parere degli storici del cinema e di parecchi estimatori, come un altro capolavoro assoluto di Welles ^[125] , che qui ritrovò la sua inesauribile creatività di regista, ricorrendo a lunghissimi piani sequenza, ad audaci movimenti aerei di gru, ea delicate carrellate senza stacchi per assicurare la continuità dell'azione.

Il celebre incipit de L'infernale Quinlan , materia di studio nelle scuole di cinema ^[126] , è costituito da un lungo piano sequenza introduttivo, che Welles dirige in maniera magistrale e per mezzo del quale coinvolge immediatamente il pubblico, fornendo un meccanismo narrativo di forte tensione emotiva, dal quale lo spettatore può trarre una molteplicità di indicazioni sulla trama e sui personaggi protagonisti del film, ambientato a Los Robles, una cittadina di confine tra gli Stati Uniti e il Messico ^[127] .

L'ambiguo poliziotto Hank Quinlan, interpretato dallo stesso Welles, rimane uno dei personaggi più memorabili della sua carriera di attore. È una figura che ha perduto il suo idealismo giovanile e la sua onestà, e si è ridotto a condurre indagini superficiali e sbrigative nelle quali si serve della propria passata esperienza professionale unicamente per costruire prove fasulle allo scopo di incastrare i sospetti che, secondo il suo intuito, sono colpevoli. È un personaggio amorale e negativo fin dalle caratteristiche fisiche, dalla sua esagerata obesità (Welles, già notevolmente ingrassato all'epoca, per la parte ricorse comunque a un'ulteriore imbottitura sotto gli abiti ^[128] ) al suo strascicato modo di incedere, ai suoi vestiti stazzonati, ai suoi atteggiamenti spesso sinistramente infantili. La sua monumentale presenza venne ulteriormente accentuata da inconsueti angoli di ripresa filmati dal basso ^[128] . Eppure, a suo modo, Quinlan è anche un sentimentale: dietro la sua amarezza e il suo cinico disincanto nei confronti della società, si nascondono profondo dolore, stanchezza e inquietudine, che Welles riesce a interpretare in modo tale da accattivarsi la simpatia dello spettatore, malgrado le caratteristiche negative del personaggio ^[128] .

Anche L'infernale Quinlan fu oggetto di modifiche da parte della produzione ma è oggi visibile nella sua completezza, in una versione che comprende una quindicina di minuti in più di girato, relativi a scene di raccordo e di spiegazione che furono inserite da un altro regista ( Harry Keller ) nella fase di post produzione del film. Ma ci sono anche scene che inizialmente non sono state inserite da Welles e che risultano utili a colmare delle lacune narrative: un dialogo vis-à-vis tra Welles e Heston e una scena, in prossimità del finale, in cui Heston riflette sulle sue intenzioni di intrappolare Quinlan ^[128] .

Dopo un'apparizione ne Le radici del cielo (1958), per la regia di John Huston, in cui interpretò Cy Sedgewick, un untuoso opinionista televisivo, Welles prese parte al film Frenesia del delitto (1959), basato sul celebre caso giudiziario Leopold e Loeb , in cui ebbe l'opportunità di prodursi in un'incisiva interpretazione dell'avvocato Jonathan Wilk, difensore dei due giovani protagonisti (personaggio ispirato alla figura del noto penalista Clarence Darrow ), pronunciando un'appassionata arringa contro la pena di morte ^[129] .

Il rientro in Europa

Orson Welles nel film I tartari

Dopo il breve intermezzo hollywoodiano, i perenni vagabondaggi professionali riportarono Welles in Europa per tentare di realizzare nuovi progetti, come al solito ricorrendo ai compensi percepiti per i suoi ruoli di attore. Consapevole di non disporre di sufficienti risorse economiche, Welles fece inoltre ricorso ai suoi fondi personali oppure si trovò costretto a rivolgersi ad atipici finanziatori di scarsa affidabilità ^[130] . All'inizio degli anni sessanta comparve in alcune grossolane produzioni in costume, come David e Golia (1960), I tartari (1961) e Le meravigliose avventure di Marco Polo (Lo scacchiere di Dio) (1964), dove il suo sforzo interpretativo era ridotto al minimo ^[131] . Tuttavia ebbe modo di dirigere e interpretare un'opera di spicco come Il processo (1962), trasposizione cinematografica dell' omonimo romanzo di Franz Kafka , film del quale ottenne finalmente la possibilità di curare personalmente il montaggio finale senza interferenze ^[118] , e che risultò assai notevole sotto l'aspetto visivo, con gran parte delle sequenze girate nei locali abbandonati della Gare d'Orsay di Parigi ^[132] , e in Jugoslavia in edifici dell' era sovietica ^[133] . Partecipò inoltre all'episodio La ricotta , diretto da Pier Paolo Pasolini , nel film Ro.Go.Pa.G. (1963).

Falstaff

Orson Welles nel film Falstaff

Grazie a finanziamenti svizzeri e spagnoli ^[125] , Welles poté coronare un suo antico sogno, quello di tornare all'amato Shakespeare per interpretare il ruolo di Falstaff ( Campanadas a medianoche , 1965), dando vita al personaggio nel quale si sentì a suo agio più che in tutti gli altri ruoli shakespeariani che aveva interpretato per il cinema ^[134] . Alternando la chiassosa cialtroneria alla delicata vulnerabilità, Welles diede una delle migliori interpretazioni della sua carriera. Il suo Falstaff ama profondamente la vita, il divertimento e le fanfaronate e il suo destino avrà un epilogo malinconico, quando egli verrà disconosciuto dal principe Hal, divenuto re, che è stato suo compagno di tante goliardate e ora rinnega la loro fanciullesca amicizia ^[135] .

Con Falstaff , Welles venne acclamato in Francia e vinse un premio speciale "per il suo contributo al cinema mondiale" al Festival di Cannes , dove fu salutato dall'ovazione di pubblico e critica. Negli Stati Uniti il film venne invece accolto da recensioni contrastanti e ottenne una distribuzione appena marginale ^[137] .

Storia immortale

In Storia immortale (1968), tratto da una novella della scrittrice danese Isak Dinesen , Welles tornò a interpretare uno dei suoi tipici personaggi onnipotenti ma votati alla solitudine. Dopo Charles Foster Kane e Mr. Arkadin, anche il facoltoso mercante Mr. Clay è un solitario afflitto dal rancore, una figura decadente che deve affrontare l'amarezza di un'esistenza senza amore e la frustrazione per gli effetti corruttori della ricchezza accumulata ^[138] . Clay ha un'idea ossessiva che intende mettere in pratica, ovvero quella di trasformare in realtà la leggenda che narra di un ricco signore che, sposato a una giovane donna, assolda un marinaio affinché questi giaccia con sua moglie e gli generi un erede ^[139] . La sua bramosia di realizzare il progetto lo porta ad assoldare una prostituta locale ( Jeanne Moreau ) e un giovane naufrago il quale, la mattina successiva, rifiuta il denaro di Clay e gli annuncia che non racconterà mai quanto accadutogli nella notte. Frustrato perché gli eventi che ha ricreato non raggiungeranno mai un loro pubblico, Clay muore vittima della sua stessa onnipotenza e del fallito desiderio di immortalità ^[140] .

Finanziato in parte dalla televisione francese, ma destinato alla proiezione al pubblico nei cinematografi ^[141] , Storia immortale è un'opera bizzarra che Welles realizzò con molta delicatezza e con un'ironia filosofica frutto della sua maturità artistica ^[138] , presentandola come una favola sull'eternità e con toni insolitamente pacati rispetto ai suoi precedenti lavori ^[140] .

Gli ultimi anni

Tra le apparizioni degne di nota di Welles durante gli anni sessanta , da ricordare quella nel ruolo del cardinale Wolsey in Un uomo per tutte le stagioni (1966) di Fred Zinnemann . In vesti cardinalizie, sfoggiando un sogghigno diabolico, palpebre appesantite e fisico debordante, Welles espresse grande intensità nell'interpretazione di Wolsey, uomo spiritualmente corrotto che nel finale deve affrontare con disperazione la morte, l'unico nemico contro cui la sua abilità politica risulta impotente ^[142] . Nel 1969 recita in Una su 13 , l'ultimo film in cui compare Sharon Tate prima della sua tragica e prematura scomparsa.

Già vincitore di un Oscar nel 1942 per la miglior sceneggiatura originale di Quarto potere , nella sua carriera Welles ottenne altre quattro candidature, e nel 1971 venne insignito dall' Academy of Motion Picture Arts and Sciences (l'organizzazione che presiede all'assegnazione degli Oscar) di un premio alla carriera "per la superlativa capacità artistica e la versatilità dimostrata nella creazione di opere cinematografiche" ^[143] . Nel medesimo anno recitò in Dieci incredibili giorni (1971), curiosa trasposizione europea di un noto romanzo giallo di Ellery Queen . Claude Chabrol , regista del film e da sempre ammiratore dell'opera di Welles, gli affidò la parte del ricco e decrepito Theo Van Horn, concependo la pellicola come una sorta di omaggio a Welles e compendio della sua carriera ^[144] . Il personaggio di Van Horn vive in un palazzo sullo stile di Xanadu (come Kane in Quarto potere ), è dominato dalla gelosia (come Otello ) per la relazione tra la giovane moglie e il proprio figlio (interpretato da Anthony Perkins , da Welles precedentemente diretto ne Il processo ), e ha fatto carriera in maniera misteriosa (come Mr. Arkadin in Rapporto confidenziale ) ^[144] .

Grande opera di questi anni fu anche il documentario F come falso (1973), in cui il regista esplorò la natura illusionistica della sua arte ^[145] , affrontando la tematica dei falsari e della validità dell' expertise nel campo delle arti figurative, nel cinema e nella scrittura, basandosi sulla figura di Elmyr de Hory , un falsario ungherese di successo, della sua personale esperienza e di quella di Clifford Irving , biografo di de Hory ^[146] . Girò anche Filming Othello (1978), un documentario dove rievocò la travagliata e avventurosa lavorazione del film Otello e narrò parte della propria biografia ^[117] .

Di costituzione robusta fin dalla nascita, Welles raggiunse un certo grado di obesità con l'avanzare degli anni ^[71] , e dovette far fronte anche a problemi cardiaci ^[147] . Durante gli anni settanta comparve in numerose campagne pubblicitarie di prodotti alimentari, in particolare i vini , facendo da testimonial per il marchio Veuve Clicquot sulle pagine dei rotocalchi, e per uno spot televisivo della "Paul Masson Wines", un marchio californiano di vini ^[148] , consolidando la propria fama di buongustaio (evidente anche nel film-documentario F come falso ) e di viveur .

Orson Welles morì nell'amata/odiata Hollywood, per un attacco cardiaco , il 10 ottobre 1985, lo stesso giorno della scomparsa di Yul Brynner , altra leggenda del cinema americano. Solo il giorno precedente, aveva registrato una puntata televisiva del Merv Griffin Show , in cui si era esibito in un abile gioco di prestigio ^[149] . Negli Stati Uniti, le reazioni alla sua scomparsa furono nettamente diverse da quelle nel resto del mondo: mentre fuori dall'America i necrologi ponevano l'attenzione sui risultati artistici conseguiti da Welles in quasi mezzo secolo di attività, nella sua patria i commenti vertevano principalmente su una carriera dal debutto spettacolare seguita da una quarantina d'anni di attività discontinua e continuamente gravata dallo spettro del fallimento ^[150] .

Le ceneri di Welles riposano a Ronda ( Spagna ), nella hacienda (fattoria) che fu residenza del torero Antonio Ordóñez e dove il diciannovenne Welles trascorse qualche mese durante i suoi vagabondaggi giovanili ^[151] .

I progetti incompiuti

Frontespizio del Don Quixote di Miguel de Cervantes

Don Quixote

Lo stesso argomento in dettaglio: Don Chisciotte (film 1992) .

Durante la sua carriera Orson Welles non riuscì a portare a termine diversi progetti, che si trovò costretto ad abbandonare per problemi legati alla produzione. Oltre a It's All True , anche Don Quixote e il più recente The Other Side of the Wind sono rimaste leggendarie opere incompiute. Il primo è un progetto per la televisione che Welles intraprese subito dopo aver girato Rapporto confidenziale , con l'intenzione di sperimentare tecniche innovative rispetto ai suoi metodi tradizionali, ovvero lasciando agli attori massima libertà d'improvvisazione, oltre ad apparire egli stesso sia come voce narrante che come protagonista, accanto a Francisco Regueira , Akim Tamiroff e Patty McCormack . Welles, che aveva inizialmente previsto la durata del film tra i 75 e gli 80 minuti, incontrò crescenti difficoltà a terminare l'opera poiché, come disse, si fece prendere la mano, mentre le idee continuavano a portarlo avanti nel progetto e ad allungarlo. « Più o meno mi è successo come a Cervantes che cominciò per farne una novella e finì per scrivere il Don Quixote . È un soggetto che una volta iniziato non si può più abbandonare » ^[153] .

Ma finì anche per dichiarare che: « È veramente un film difficile. Devo dire anche che è molto lungo; quello che devo ancora girare non servirà a completare il metraggio: con il materiale esistente potrei montare tre film [...] La cosa curiosa è che "Don Quixote" è stato girato con un'équipe di sei persone. Mia moglie (Paola Mori) era la "script girl", l'autista piazzava le lampade, io dirigevo, facevo le luci e l'operatore in seconda. Solo attraverso la cinepresa si può avere l'occhio a tutto » ^[153] .

Don Quixote , accantonato e poi ripreso lungo l'arco di 14 anni, resterà definitivamente incompiuto e la sua mancata conclusione rappresenterà per Welles un tormento professionale, tenendolo avvinghiato all'opera per tutta la sua esistenza ^[3] . Solo molti anni più tardi il film (con immagini purtroppo deteriorate dal tempo) verrà rimontato in Spagna secondo gli appunti di Welles e presentato al Festival di Cannes nel 1992 ^[3] .

The Other Side of the Wind

Nel 1970 Welles iniziò a girare The Other Side of the Wind , con la collaborazione di altri personaggi già noti come l'artista croata Oja Kodar (sua ultima compagna di vita), l'amico Peter Bogdanovich , John Huston, Norman Foster, Susan Strasberg , Joseph McBride, ma la produzione venne sospesa più volte a causa dei consueti problemi di finanziamento che Welles regolarmente incontrava. Il soggetto del film è assai differente dalle tematiche solitamente affrontate da Welles, e narra dell'ultima notte di JJ "Jake" Hannaford (Huston), un anziano regista della vecchia scuola che, nel tentativo di rimanere a galla, sta girando un film economico, estremista, con scene di nudo. Il personaggio del regista, pur essendo eterosessuale, si innamora del suo protagonista. Come dichiarato da McBride, il film riflette non solo la tematica dell'omosessualità, ma cerca di spiegare la visione di Welles nei riguardi del rapporto tra attore e regista, tra "uomo" e "Dio". Questo film, dice McBride, « è l' 8½ di Welles, una meditazione sull'arte e il mestiere del cinema » ^[154] .

The Other Side of the Wind non venne mai completato dal regista. Successivamente il regista Peter Bogdanovich dichiarò la sua volontà di terminarlo indicando come data di uscita il 2009 ^[155] . Bogdanovich, al quale Welles chiese all'epoca di finire il film " nel caso mi dovesse succedere qualcosa " ^[156] , dichiarò poi che stava tentando di terminarlo allo scopo di presentarlo al Festival di Cannes nel 2010 ^[157] . In tempi recenti la possibile uscita è stata annunciata in concomitanza con il centenario della nascita di Welles, il 6 maggio 2015 ^[158] . In realtà solo nel 2018 il film è stato portato a termine da Netflix e presentato alla Mostra del Cinema di Venezia. È uscito sul canale streaming di Netflix a partire da novembre 2018.

Altro film incompiuto del grande regista, ritenuto un'opera persa, fu Il mercante di Venezia di cui Welles dichiarò il furto del negativo. La pellicola, in occasione del Festival di Venezia 2015 e per le celebrazione del centenario della nascita del regista, è stata ricostruita partendo da alcuni fortunosi ritrovamenti: presso il "Fondo Welles" di Oja Kodar (ultima compagna del regista) è stata ritrovata la sceneggiatura originale del film e gli appunti sulla colonna sonora di Angelo Francesco Lavagnino ; copia parziale della pellicola, con quasi tutto il girato, è stata poi rinvenuta ad opera di Cinemazero di Pordenone ed altri frammenti sono stati recuperati dagli archivi del Filmmuseum di Monaco di Baviera , della Cinémathèque française e della Cineteca di Bologna ^{[159] [160]} .

The Deep

Tra il 1966 e il 1969 gira il film The Deep tratto dal romanzo Punto morto (Dead Calm, 1963) dello scrittore Charles Williams . I protagonisti erano Oja Kodar , Jeanne Moreau , Michael Bryant e Laurence Harvey . Il film per problemi di produzione rimase incompiuto e la maggior parte del girato andò perduta. Alcune scene si trovano in rete. Nel 1989 il regista Phillip Noyce dallo stesso romanzo girò il film Ore 10: calma piatta ( Dead Calm ) con Nicole Kidman e Sam Neill .

Apparizioni speciali

Come spiegato in precedenza, durante tutta la sua carriera Orson Welles fu costretto a interpretare molti piccoli ruoli in svariati film e produzioni, spesso di scarso livello artistico, per riuscire ad assicurarsi le risorse finanziarie necessarie a produrre i propri progetti. Apparso in numerose pellicole dirette da altri registi, in programmi radiofonici, in registrazioni di parti recitate all'interno di brani musicali, negli anni settanta Welles trovò nella televisione la sua principale fonte di reddito ^[162] , diventando un ospite consueto alle trasmissioni televisive più popolari ^[163] , come gli show di Dick Cavett , di David Frost e di Johnny Carson , e apparve più volte nel The Dean Martin Show ^[146] . Recitò Shakespeare in qualunque occasione gli si presentasse, e fu proprio in una puntata dello show di Dean Martin , nel 1967, che si produsse in una toccante interpretazione improvvisata di Shylock (senza trucco e in smoking) da Il mercante di Venezia ^[164] .

Welles fece due speciali apparizioni, in qualità di voce narrante, in due canzoni del gruppo epic metal Manowar : Dark Avenger (dall'album Battle Hymns ^[165] ) e Defender (dall'album Fighting the World ^[166] ).

È inoltre accreditato di alcune parti narrate nel primo album degli Alan Parsons Project Tales of Mystery and Imagination - Edgar Allan Poe ^[167] . La sua voce introduce i brani: "A Dream within a Dream" e " The Fall of the House of Usher". Alan Parsons ha ripubblicato e rimasterizzato in CD l'album nel 1987 aggiungendo i contributi di Welles. Nella prima edizione del 1976 non compare.

Nella serie televisiva Magnum, PI la voce di Robin Master è di Orson Welles ^[168] . L'identità del misterioso Master avrebbe dovuto essere rivelata nell'ultima puntata della serie e Welles avrebbe dovuto finalmente mostrare il suo volto, ma morì per arresto cardiaco a poche settimane dalle riprese ^[169] .

Nel film animato Transformers: The Movie , Welles dà la voce al terrificante e misterioso Unicron , un pianeta che divora altri pianeti, si trasforma in un immenso robot e possiede poteri di portata sconosciuta; il film uscì circa un anno dopo la scomparsa dell'attore, nel 1986 ^[168] .

Radio

Prime opere

• Les Miserables (1937 in diverse puntate)

The Mercury Theater on the Air (1938)

The Campbell Playhouse (1938-40)

Teatro

Opere di cui Welles firma solo la regia ; ^[170]

Date di apertura

Gate Theatre di Dublino (1931-1934)

• The Lady from the sea , di Henrik Ibsen ,
• Le tre sorelle , di Anton Čechov ,
• Alice in the wonderland USA

Tood School, Woodstock (1934-1936)

• Trilby , di Gerald Du Maurier,
• The drunkard , di Mr. Smith di Boston,
• Amleto , di William Shakespeare ,
• Czar Paul , di Dimitri Merejewskij,

Pre-Mercury Theatre (1936-37)

• William Shakespeare , Macbeth - 14 aprile, 1936, Lafayette Theatre, New York
• Horse Eats Hat da Eugène Labiche , Un chapeau de paille d'Italie - 26 settembre, 1936, Maxine Elliott Theatre, New York
• Christopher Marlowe , Doctor Faustus - 8 gennaio, 1937, Maxine Elliott Theatre, New York
• Aaron Copland , The Second Hurricane ( opera lirica ) - 21 aprile, 1937, Henry Street Playhouse, New York
• Marc Blitzstein, The Cradle Will Rock ( musical ) - 16 giugno, 1937, Venice Theatre, New York

Mercury Theatre (1937-41)

• Giulio Cesare - 11 novembre, 1937, Mercury Theatre, New York
• The Shoemaker's Holiday - 1º gennaio, 1938, Mercury Theatre, New York
• Heartbreak House - 29 aprile, 1938, Mercury Theatre, New York
• Too Much Johnson - 16 agosto, 1938, Stony Creek Summer Theatre, Connecticut
• Danton's Death - 5 novembre, 1938, Mercury Theatre, New York
• Five Kings - 27 febbraio, 1939, Colonial Theatre, Boston , Massachusetts
• The Green Goddess - luglio 1939, Palace Theatre, Chicago , Illinois
• Native Son - 24 marzo, 1941, St. James Theatre, New York

Dopo la seconda guerra mondiale (1942-60)

• The Mercury Wonder Show - 3 agosto, 1943, Mercury Wonder Show Tent, Los Angeles , California
• Il giro del mondo in 80 giorni - 27 aprile, 1946, Boston Opera House, Boston, Massachusetts
• Macbeth - 28 maggio, 1947, University Theatre, Salt Lake City , Utah
• The Blessed and the Damned - 15 giugno, 1950, Théâtre-Edouard VII, Parigi , Francia
• Otello - 1º ottobre, 1951, Theatre Royal, Newcastle upon Tyne , Inghilterra
• The Lady in the Ice - 7 settembre, 1953, Stoll Theatre, Londra
• Moby Dick: Rehearsed - 16 giugno, 1955, Duke of York's Theatre, Londra
• Re Lear - 12 agosto, 1956, City Center, New York
• Falstaff - 13 febbraio, 1960, Grand Opera House, Belfast
• Rhinoceros - 28 aprile, 1960, Royal Court Theatre, Londra

Filmografia

Lo stesso argomento in dettaglio: Filmografia di Orson Welles .

Lungometraggi diretti da lui (esclusi i film co-diretti e quelli incompiuti):

• Quarto potere (Citizen Kane) (1941)
• L'orgoglio degli Amberson (The Magnificent Ambersons) (1942)
• Lo straniero (The Stranger) (1946)
• La signora di Shanghai (The Lady from Shanghai) (1947)
• Macbeth (Macbeth) (1948)
• Otello ( Othello ) (1951)
• Rapporto confidenziale (Mr. Arkadin) (1955)
• L'infernale Quinlan (Touch of Evil) (1958)
• Il processo (Le procès) (1962)
• Falstaff ( Campanadas a medianoche ) (1965)
• Storia immortale (The Immortal Story) (1968)
• F come falso (F for Fake) (1973)
• L'altra faccia del vento (The Other Side of the Wind) (2018)

Premi e riconoscimenti

• Premio Oscar
  • 1942 - Candidatura al miglior film per Quarto potere
  • 1942 - Candidatura al miglior regista per Quarto potere
  • 1942 - Candidatura miglior attore per Quarto potere
  • 1942 - Miglior sceneggiatura originale per Quarto potere
  • 1943 - Candidatura al miglior film — L'orgoglio degli Amberson
  • 1970 - Premio alla carriera
• Premio BAFTA
  • 1968 - Candidatura al miglior attore straniero per Falstaff
• Festival di Cannes
  • 1952 - Palma d'oro per Othello
• Golden Globe
  • 1982: Miglior attore di supporto — Butterfly (candidatura)
• Festival del cinema di Venezia
  • 1947: Leone d'oro — Lo straniero (candidatura)
  • 1970: Leone d'oro alla carriera
• Grammy Awards
  • 1982: Best Spoken Word Recording — Donovan's Brain
• Premio alla carriera dell'American Film Institute 1975

Doppiatori italiani

Nelle versioni in italiano dei suoi film, Orson Welles è stato doppiato da:

• Emilio Cigoli in Quarto potere (ridoppiaggio), Terrore sul Mar Nero , La porta proibita , Conta solo l'avvenire , Lo straniero , La signora di Shanghai , Cagliostro , Il terzo uomo , Il principe delle volpi , La rosa nera , Il tiranno di Glen , Il processo , Storia immortale
• Giorgio Capecchi ne La lunga estate calda , L'infernale Quinlan , Le radici del cielo , Frenesia del delitto , Passaggio a Hong Kong , La Fayette - Una spada per due bandiere , Le meravigliose avventure di Marco Polo (Lo scacchiere di Dio)
• Corrado Gaipa in Falstaff , Il castello di carte , Tepepa , Lettera al Kremlino , Dieci incredibili giorni , L'isola del tesoro
• Renato Turi in Rapporto confidenziale , Moby Dick, la balena bianca , I tartari , La battaglia della Neretva , Fate la rivoluzione senza di noi
• Gino Cervi in Macbeth , Otello , David e Golia , Il re dei re
• Carlo Romano in La tragedia del Rio Grande , International Hotel , James Bond 007 - Casino Royale
• Bruno Persa in La calata dei barbari , Waterloo
• Augusto Galli in Quarto potere
• Aldo Silvani in Duello al sole
• Mario Besesti in L'uomo, la bestia e la virtù
• Giorgio Bassani in Ro.Go.Pa.G.
• Riccardo Mantoni in Parigi brucia?
• Carlo D'Angelo in Un uomo per tutte le stagioni
• Mario Bardella in Una su 13
• Bruno Alessandro ne La nave dei dannati
• Giuseppe Fortis in ...e poi, non ne rimase nessuno
• Massimo Foschi in La pazza storia del mondo
• Michele Kalamera in Bugs Bunny Superstar
• Pino Locchi in L'orgoglio degli Amberson (ridoppiaggio)
• Roberto Villa in Terrore sul Mar Nero (ridoppiaggio)
• Carlo Baccarini ne L'infernale Quinlan (director's cut)

Note

Bibliografia

In inglese

In tedesco

• Brigitte Tast, Hans-Jürgen Tast: Orson Welles - Othello - Mogador. Aufenthalte in Essaouira , Kulleraugen Vis.Komm. Nr. 42, Schellerten 2013, ISBN 978-3-88842-042-9

Documentari

• Rosabella: la storia italiana di Orson Welles , regia di Gianfranco Giagni e Ciro Giorgini (1993)
• È tutto vero ( It's All True ), regia di Orson Welles, Richard Wilson , Bill Krohn e Myron Meisel (1993)
• The Battle Over Citizen Kane ( The Battle Over Citizen Kane ), regia di Michael Epstein e Thomas Lennon (1996)

Voci correlate

• Creature del cielo
• Filmografia di Orson Welles
• Mercury Theatre
• Oja Kodar
• Quarto potere
• The Other Side of the Wind

Altri progetti

• Wikiquote contiene citazioni di o su Orson Welles
• Wikimedia Commons contiene immagini o altri file su Orson Welles

Collegamenti esterni

• Orson Welles , su Treccani.it – Enciclopedie on line , Istituto dell'Enciclopedia Italiana .
• Orson Welles , in Enciclopedia Italiana , Istituto dell'Enciclopedia Italiana .
• Orson Welles , su sapere.it , De Agostini .
• ( EN ) Orson Welles , su Enciclopedia Britannica , Encyclopædia Britannica, Inc.
• ( EN ) Orson Welles , su The Encyclopedia of Science Fiction .
• Opere di Orson Welles , su openMLOL , Horizons Unlimited srl.
• ( EN ) Opere di Orson Welles , su Open Library , Internet Archive .
• ( EN ) Bibliografia di Orson Welles , su Internet Speculative Fiction Database , Al von Ruff.
• Bibliografia italiana di Orson Welles , su Catalogo Vegetti della letteratura fantastica , Fantascienza.com .
• ( EN ) Orson Welles , su Discogs , Zink Media.
• ( EN ) Orson Welles , su MusicBrainz , MetaBrainz Foundation.
• ( EN ) Orson Welles , su Encyclopaedia Metallum .
• ( EN ) Orson Welles , su MyAnimeList .
• Orson Welles , su CineDataBase , Rivista del cinematografo .
• ( EN ) Orson Welles , su Internet Movie Database , IMDb.com.
• ( EN ) Orson Welles , su AllMovie , All Media Network .
• ( EN ) Orson Welles , su Rotten Tomatoes , Flixster Inc.
• ( EN ) Orson Welles , su TV.com , CBS Interactive Inc (archiviato dall' url originale il 1º gennaio 2012) .
• ( EN ) Orson Welles , su AFI Catalog of Feature Films , American Film Institute .
• ( EN ) Orson Welles , su Internet Broadway Database , The Broadway League.
• ( DE , EN ) Orson Welles , su filmportal.de .
• ( EN ) Mercury Theatre on the Air - File MP3 e Real Audio delle opere radiofoniche di Orson Welles
• ( EN ) Orson Welles: A Bibliography of Materials in the UC Berkeley Library , su lib.berkeley.edu .
• ( EN ) Un archivio su Orson Welles , su wellesnet.com .
• Intervento di Flavio Pintarelli al Seminario "Lo sguardo e l'evento": Corpi logori. Corpi, spazi e memoria nella rappresentazione del poter in Welles e Sorrentino
• Testimonianza di Citto Maselli e Agostino Sansone su Orson Welles e il periodo in cui viveva a Roma e noleggiò alcuni mezzi tecnici da Alfonso Sansone e Henryk Chroscicki (video) : [1]

V · D · M Orson Welles
Film di Orson Welles	Quarto potere (1941) · L'orgoglio degli Amberson (1942) · Lo straniero (1946) · La signora di Shanghai (1948) · Macbeth (1948) · Otello (1951) · Rapporto confidenziale (1955) · L'infernale Quinlan (1958) · Il processo (1962) · Falstaff (1965) · Storia immortale (1968) · F come falso (1973) · Girando Otello (1978) · L'altra faccia del vento (2018)
Film incompiuti	È tutto vero (1943) · Don Chisciotte (1992) · The Merchant of Venice (1969) · The Deep (1970) · The Dreamers (1980-1982)
Programmi radiofonici	War of the Worlds (1938)
Voci correlate	Mercury Theatre

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