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Muzeul Național Capodimonte

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Muzeul Național Capodimonte
Palatul Capodimonte 1.JPG
Extern
Locație
Stat Italia Italia
Locație Napoli
Adresă Via Miano, 2
Coordonatele 40 ° 52'01.03 "N 14 ° 15'01.79" E / 40.866953 ° N 14.250497 ° E 40.866953; 14.250497 Coordonate : 40 ° 52'01.03 "N 14 ° 15'01.79" E / 40.866953 ° N 14.250497 ° E 40.866953; 14.250497
Caracteristici
Tip Artă
Instituţie 1757
Fondatori Bruno Molajoli
Deschidere 1957
Director Sylvain Bellenger [1]
Vizitatori 262 440 (2017) [2]
Site-ul web
Editați datele pe Wikidata · Manual

Muzeul Național din Capodimonte este un muzeu din Napoli , situat în interiorul palatului cu același nume , în localitatea Capodimonte : găzduiește galerii de artă antică, una de artă contemporană și un apartament istoric.

A fost inaugurat oficial în 1957, deși sălile palatului au găzduit opere de artă din 1758. Păstrează în principal picturi , larg distribuite în cele două colecții principale, și anume cea Farnese , care include câteva nume mari în pictura italiană. (inclusiv Rafael , Titian , Parmigianino , Bruegel cel Bătrân , El Greco , Ludovico Carracci , Guido Reni ) și cea a Galeriei napoletane, care colectează lucrări din bisericile din oraș și din împrejurimi, transportate la Capodimonte în scopuri de precauție de la suprimări în continuare ( Simone Martini , Colantonio , Caravaggio , Ribera , Luca Giordano , Francesco Solimena ). De asemenea, este importantă colecția de artă contemporană, singura de acest gen din Italia [3] , în care se evidențiază Vesuvius de Andy Warhol .

În 2017, muzeul a înregistrat 262.440 de vizitatori [2] , ocupând locul 28 printre cele mai vizitate 30 de muzee de stat [4] .

Istorie

Al XVIII-lea

Carlo di Borbone, creatorul palatului Capodimonte pentru amenajarea colecției Farnese

Carol de Bourbon , care a urcat pe tronul Napoli în 1734, și-a pus problema oferirii unui aranjament demn operelor de artă moștenite de la mama sa, Elisabetta Farnese [5] , care fac parte din colecția sa de familie , începută de Papa Paul. III în secolul al XVI-lea și continuat de moștenitorii săi [6] . Încă împrăștiate între Roma și Parma , unele lucrări, în special cele a căror valoare depășea costurile de transport, au fost transferate la Palatul Regal din Napoli (printre cele mai importante, Raphael , Annibale Carracci , Correggio , Tiziano și Parmigianino ) [7] , unde totuși , lipsea o galerie adecvată: de-a lungul timpului, restul colecției a fost mutat și conservat în interiorul zăcămintelor palatului, amenințate în integritatea lor și de elemente naturale precum apropierea mării [8] . În 1738 regele a început construcția unui palat, pe dealul Capodimonte, pentru a fi folosit ca muzeu [9] ; în același timp, o echipă de experți a definit interiorul pentru a aranja colecția: proiectul prevedea ca lucrările să fie găzduite în camerele orientate spre sud, pe mare [10] . Cu o construcție încă incompletă, primele pânze au fost aranjate în 1758, în douăsprezece cămine, împărțite de artiști și școli picturale: totuși, nu se știe exact ce lucrări au fost expuse în muzeu, deoarece anuarele vremii au fost distruse în timpul al doilea.război mondial . Alături de expoziția muzeului, Academia Regală a Nudului a fost înființată încă din 1755, încredințată îndrumării pictorului stabian Giuseppe Bonito [11] .

În 1759, restul colecției a fost transferat: erau desene animate pregătitoare pentru frescele din capela paulină de Michelangelo și cele pentru camera lui Heliodor din Vatican de Rafael [12] , picturi de Giorgio Vasari , Andrea Mantegna și Masolino da Panicale . Vizitatorii la acea vreme erau Jean-Honoré Fragonard , marchizul de Sade , Joseph Wright din Derby , Antonio Canova , Johann Wolfgang von Goethe și Johann Joachim Winckelmann [13] . La sfârșitul anilor 1970 , odată cu transferul altor piese din colecția Farnese, muzeul a ajuns să dețină douăzeci și patru de camere: au fost cumpărate și noi tablouri, primul dintre pictorii sudici, precum Polidoro da Caravaggio , Cesare da Sesto , Jusepe de Ribera , Luca Giordano , pe lângă panourile de Anton Raphael Mengs , Angelika Kauffmann , Élisabeth Vigée-Le Brun și Francesco Liani , în timp ce în 1783 a fost achiziționată colecția contelui Carlo Giuseppe di Firmian , conținând aproximativ douăzeci de mii de gravuri și desene ale unor artiști precum Fra Bartolomeo , Perin del Vaga , Albrecht Dürer și Rembrandt [14] . În aceeași perioadă a fost inaugurat un atelier de restaurare încredințat mai întâi lui Clemente Ruta , apoi lui Federico Andres, la propunerea pictorului curții Jakob Philipp Hackert [14] . Cu Ferdinand I al celor Două Sicilii , în 1785, au fost stabilite Regulamentele Muzeului Capodimonte: orele de deschidere, atribuțiile custodilor, responsabilitatea destinatarului, accesul copiștilor au fost definite, în timp ce accesul nu a fost liberalizat. populația, lucru care se întâmpla deja în alte muzee bourbonice, dacă nu cu un permis emis de Secretariatul de Stat [11] . La sfârșitul secolului al XVIII-lea , când muzeul găzduia aproximativ optsprezece sute de picturi, s-a luat decizia de a crea un singur centru muzeal napolitan: alegerea a revenit la Palazzo degli Studi, viitorul Muzeul Național de Arheologie , unde se lucrează pentru noul utilizarea publică a fost deja începută din 1777 de Ferdinando Fuga , cu intenția de a transporta întreaga colecție Farnese și Herculaneum, aceasta din urmă formându-se în urma descoperirilor arheologice din săpăturile Pompei , Herculaneum și Stabia , precum și de a face din ea sediul bibliotecii și academia [15] .

secol al XIX-lea

Gioacchino Murat, suveranul care a mobilat camerele palatului

O lovitură severă a muzeului a avut loc în 1799 odată cu sosirea francezilor la Napoli și scurta înființare a Republicii Napolitane : temându-se de cel mai rău, Ferdinando a transferat deja paisprezece capodopere la Palermo în anul precedent . De fapt, soldații francezi au jefuit numeroase lucrări: din cele o mie șapte sute optzeci și trei de tablouri care făceau parte din colecție, dintre care trei sute douăzeci și nouă din colecția Farnese și restul constând din achiziții borboneze, treizeci erau destinate Republica, în timp ce alte trei sute au fost vândute, în special la Roma [14] . Întorcându-se la Napoli, Ferdinando i-a ordonat lui Domenico Venuti să găsească lucrările jefuite: puținele recuperate nu s-au întors la Capodimonte, ci la Palazzo Francavilla [16] , noua locație aleasă pentru muzeul orașului.

Începutul deceniului francez din 1806 a corespuns abandonării definitive a rolului de muzeu al palatului din Capodimonte în favoarea celui rezidențial [17] : totul a fost mutat în interiorul Palazzo degli Studi, chiar dacă, pentru a furniza noile camere ale clădirea, au fost folosite picturi de la mănăstiri suprimate [7], cum ar fi cea a Santa Caterina din Formiello , Monteoliveto și San Lorenzo [18] , atât de mult încât Gioacchino Murat a emis ipoteza creării în Capodimonte a unei galerii napoletane, cu intenția, ca el spune el însuși, despre:

„Emoționând geniul tinereții, urmând exemplul vechilor maeștri [19] ”.

( Joachim Murat )

Chiar și cu restaurarea burbonilor în 1815, palatul din Capodimonte a continuat să își îndeplinească funcția rezidențială: pereții camerelor erau împodobiți cu picturi trimise de tineri artiști napolitani trimiși la Roma pentru a studia în detrimentul coroanei și care ar putea arată astfel progresul lor [20] . În 1817, colecția cardinalului Borgia a sosit la palat, dorită puternic de Murat, dar cu achiziția finalizată de Ferdinando [19] . În acești ani, însă, au existat exemple de dispersie a operelor aparținând vechiului muzeu, precum cele donate Universității din Palermo în 1838 sau vânzarea colecției lui Leopoldo di Borbone-Napoli , fratele lui Francesco I din cei doi Siciliei , ginerelui Enrico d'Orléans , pentru a achita datoriile legate de jocuri de noroc și apoi transferate la castelul Chantilly [19] .

Odată cu unificarea Italiei și numirea în funcția de director al Casei Regale din Annibale Sacco, palatul din Capodimonte, pe lângă continuarea îndeplinirii rolului său de reședință [17] , a avut din nou, deși neoficial, o funcție de muzeu. După vânzarea a aproximativ nouă sute de tablouri, împreună cu Sacco și colaboratorii săi Domenico Morelli și Federico Maldarelli , numeroase porțelanuri și biscuiți au fost transferați pe holurile palatului, aranjate în aripa de nord-vest, picturi realizate napoletane, care în puțin peste douăzeci de ani a depășit cele șase sute de unități și peste o sută de sculpturi: toate lucrările sunt aranjate cronologic, conform standardelor moderne ale muzeului, în camerele din jurul curții nordice, creând un fel de galerie de artă la etajul nobiliar. În 1864 a fost transferată colecția de arme Farnese și Armeria Bourbon; în 1866 a venit rândul salonului de porțelan al Mariei Amalia din Saxonia cu gust chinoiserie, găzduit inițial într-o zonă a palatului Portici , iar în 1880 tapiserii țesute de Royal Manufacture și animale de pătuț artizanale napolitane au fost transferate [21 ] . Palatul din Capodimonte a revenit pentru a deveni un centru cultural napolitan atât de mult încât în ​​1877 a avut loc o petrecere în interiorul său cu ocazia Expoziției Naționale de Arte Frumoase [21] .

Secolele XX și XXI

Benedetto Croce, una dintre personalitățile care au lucrat la crearea muzeului

Începutul secolului al XX-lea a marcat o perioadă de stagnare în faza muzeală: palatul a devenit casa permanentă a familiei ducelui de Aosta [9] , în timp ce colecțiile care vor forma nucleul viitorului muzeu erau încă colectate în Palazzo degli Studi, care odată cu unificarea Italiei luase numele de Muzeul Național. În ciuda achiziționării de lucrări de pictori precum Masaccio , în 1901 [7] și Jacopo de 'Barbari , între anii douăzeci și treizeci, s-a atins apogeul vânzărilor [16] : acestea au fost realizate parțial pentru a satisface cererile avansat de Parma și Piacenza , ca un fel de compensare pentru ceea ce luase Carol de Bourbon, ambele pentru a furniza camere ale sediului instituțional al statului italian, precum palatul Quirinale , Palazzo Montecitorio , Palazzo Madama , ambasadele și universitățile străine [22] ] . Odată cu izbucnirea celui de-al doilea război mondial, colecțiile muzeelor ​​napolitane au fost transferate, în vara anului 1940, la abația teritorială a Santissima Trinità din Cava de 'Tirreni și, în urma avansului germanilor în 1943, către abația din Montecassino . Cu toate acestea, trupele diviziei Goering au reușit să fure picturi de Tiziano, Parmigianino, Sebastiano del Piombo și Filippino Lippi : acestea vor fi găsite la sfârșitul conflictului într-o carieră de lângă Salzburg și s-au întors la Napoli în 1947 [23] .

După război , călărind pe valul de entuziasm pentru reconstrucția orașului, a fost implementat un proiect de recondiționare a muzeelor ​​napoletane. Bruno Molajoli a mutat apoi definitiv toate picturile în palatul Capodimonte, eliberat și de funcția sa rezidențială după plecarea Ducilor de Aosta în 1946 [9] . În acest fel, cererea exprimată deja cu câțiva ani mai devreme de personalități ilustre ale culturii italiene, inclusiv Benedetto Croce , de a dedica Muzeul Național de Arheologie exclusiv colecției de antichități a fost îndeplinită, tot pentru că acesta din urmă dobândise de-a lungul anilor tot mai mult spațiu atât din galerie, cât și din bibliotecă, deja transferate la Palatul Regal în 1925 [23] . Cu un decret semnat în 1949 s-a născut oficial Muzeul Național din Capodimonte. Lucrările de restructurare a camerelor palatului au început în 1952, grație finanțării Cassa del Mezzogiorno și au fost urmate de Molajoli însuși, de Ferdinando Bologna , Raffaello Causa și Ezio De Felice [24] , care s-au ocupat în principal de aspectele arhitecturale. profil și expoziția muzeală, admirată pentru modernitatea și funcționalitatea sa și pentru o lungă perioadă de timp luată ca model [9] . Picturile din secolul al XIX-lea au fost apoi amenajate la primul etaj, iar camerele apartamentului regal au fost reconstruite, precum și laboratoarele de conservare și restaurare, în timp ce la etajul al doilea a fost creată o galerie de tablouri pentru picturile clasice [25] .

Muzeul a fost inaugurat oficial în 1957 [9] : cu o abordare foarte modernă, picturile au fost împărțite în primul rând prin colecții istorice, evidențiind diferita lor istorie; apoi a urmat o ordine cronologică și pe școli de pictură, cu adăugarea de desene și texte explicative, precum și o iluminare zenit și un sistem de filtrare a luminii. Ulterior a fost îmbogățită cu noi colecții: în 1958, a fost donată colecția De Ciccio, cu numeroasele sale arte aplicate, iar colecția de desene și tipărituri, precum și numeroase lucrări din bisericile orașului, s-au mutat în palatul Capodimonte pentru conservare. scopuri. [7] .

În anii șaptezeci au fost găzduite o serie de expoziții temporare menite să cunoască producția artistică napolitană: alături de acestea, în 1978, Alberto Murri a propus o expoziție de artă contemporană, succesul căreia a încurajat crearea uneia permanente. În urma cutremurului din 1980 din Irpinia , datorită numeroaselor fonduri, muzeul s-a închis parțial pentru o restaurare totală: în 1995 a redeschis primul etaj, în timp ce în 1999 a redeschis complet [9] ; Nicola Spinosa, asistat de Ermanno Guida, s-a ocupat de noua amplasare a lucrărilor, urmând o ordine istorică și geografică, favorizând și proveniența obiectelor, integrând istoria acestora cu cea a creației lor muzeale [26] .

Descriere

Etajul mezanin:
██ Departamentul de desene și tipărituri
██ Privat secolul al XIX-lea
██ Colecția Apple

Muzeul Național din Capodimonte se extinde pe cele trei niveluri ale palatului Capodimonte și amenajarea lucrărilor datează de la ultimele lucrări de restaurare care au avut loc de la începutul anilor optzeci și până în 1999: la parter, dar și exploatarea zonelor din la subsol, există servicii pentru vizitatori și unele camere de învățământ, la mezanin se află Cabinetul de desene și tipărituri, iar expozițiile din secolul al XIX-lea Private și postere Mele [27] , la primul etaj se află Galleria Farnese, colecția Borgia, apartamentul regal, colecția de porțelan, colecția De Ciccio și armeria farnesiană și bourbonă [28] , la etajul al doilea se află Galeria napolitană, colecția d'Avalos, sala de tapiserie d'Avalos și arta contemporană secțiunea [29] : aceasta din urmă continuă și la etajul al treilea, unde se află și galeria secolului al XIX-lea și galeria foto [30] .

Parter, subsol și mezanin

La parter există servicii pentru vizitatori precum casă de bilete, librărie, cafenea și vestiar [27] : există, de asemenea, un auditoriu capabil să găzduiască conferințe, proiecții, traduceri simultane și concerte live, înfrumusețat pe pereți cu două tapiserii din colecția d'Avalos [31] . În atrium, înaintea scării de onoare, Jupiter aprinde Titanii , o sculptură în biscuiți de Filippo Tagliolini [32] și o instalație a lui Luciano Fabro din 1989 intitulată Nord, Sud, Vest și Est joacă la Shanghai , în aluminiu și fier , în timp ce se afla în grădină, chiar înainte de intrare, o operă de artă contemporană, Semnul Crucii de Sud , de Eliseo Mattiacci .

Femeie așezată de Parmigianino, expusă în Cabinetul de desene și tipărituri

În subsol există două săli educaționale: prima, numită sala Sol LeWitt, de la numele creatorului său, este utilizată pentru întâlniri, conferințe, expoziții, seminarii și concerte rezervate publicului tânăr cu o instalație a lui LeWitt însuși numită White bands într-o cameră neagră , în timp ce a doua, camera Causa, se întinde pe peste 700 m² și este utilizată în principal pentru expoziții temporare [31] .

La mezanin se află colecția Mele: acestea sunt afișe publicitare ale magazinelor Mele, deschise la Napoli în 1889 de frații Emiddio și Alfonso Mele și donate muzeului Capodimonte în 1988. Acestea reprezintă o mărturie importantă a figurativului napolitan. limbaj într-o perioadă cuprinsă între sfârșitul secolului al XIX - lea și începutul secolului al XX-lea : afișele au fost comandate Atelierului grafic Ricordi și desenele realizate de artiști precum Franz Laskoff, Leopoldo Metlicovitz , Leonetto Cappiello , Aleardo Villa , Gian Emilio Malerba , Achille Beltrame și Marcello Dudovich [33] . De asemenea, la mezanin, în aripa sudică a clădirii, se află Cabinetul de desene și amprente [34] , a cărui expoziție a început în 1994: sunt colectate aproximativ două mii cinci sute de foi și douăzeci și cinci de mii de amprente, variind de la desene animate pregătitoare la desene ale unor autori precum Annibale Carracci , Guido Reni și Giovanni Lanfranco , din care sunt colectate aproximativ patru sute de foi pregătitoare pentru frescele pictate în bisericile napoletane , dar și Pontormo , Tintoretto , Andrea del Sarto , Jusepe de Ribera și Aniello Falcone [35] . În aceleași camere sunt expuse și colecțiile contelui Carlo Firmian, achiziționate în 1782 și care conțin peste douăzeci de mii de tipărituri ale lui Albrecht Dürer , Stefano della Bella , Giovanni Benedetto Castiglione și Rembrandt , precum și colecția Borgia, achiziționată în 1817, cuprinzând optzeci- șase acuarele și desene indiene. Există și alte colecții, donate după deschiderea muzeului, precum cea a lui Mario și Angelo Astarita, oferite în 1970, formate din patru sute nouăsprezece desene, acuarele și uleiuri ale artiștilor școlii Posillipo , printre care se remarcă Giacinto Gigante , sau stări de achiziții, cum ar fi colecția a șaizeci și patru de studii și anchete ale arhitectului Federico Travaglini [36] . Colecția privată din secolul al XIX-lea se încheie la mezanin: înființată în 2012 în aripa sudică a clădirii, colectează picturi din secolele XIX și XX în șapte camere; inițial, aceste camere, din 1816, găzduiau apartamentul privat al lui Ferdinand I, pentru a fi apoi folosit de prințesa Carolina la mijlocul secolului al XIX-lea și, prin urmare, destinate ramurii cadete a familiei ducilor de Aosta din prima jumătate a secolului al XX-lea. secol: odată cu instituirea muzeului în 1957, camerele găzduiau birourile Superintendenței, în timp ce, în timpul lucrărilor de restaurare din anii nouăzeci , acestea au fost redate la aspectul lor arhitectural original, destinate utilizării muzeului cu adăugarea de mobilier, țesături și perdele de fabricare napoletană [37] .

Camera 1 este dedicată curentului neoclasic cu lucrări de Vincenzo Camuccini , camerele 2 și 3 colectează peisaje napoletane ale autorilor școlii Posillipo precum Anton Sminck van Pitloo , Gigante și frații Palizzi, în camera 4 picturi ale realismului din a doua jumătate al secolului al XIX-lea cu artiști precum Vincenzo Gemito , Domenico Morelli , Michele Cammarano și Giuseppe De Nittis , în camera 5 lucrări inspirate din arta orientală și în camerele 6 și 7 donații diverse de la persoane sau artiști precum Gioacchino Toma , Achille D ' Orsi , Giovanni Boldini și Giacomo Balla [38] .

Primul etaj

Primul etaj:
██ Galleria Farnese
██ Colecția De Ciccio
██ Armeria farnesiană și borboneză
██ Apartament Royal
██ Colecția Borgia
██ Sală de porțelan
██ Galeria Porțelanului

Primul etaj este împărțit în zonele Galeriei Farnese și a Apartamentului Regal: în special, camerele variind de la camera 2 până la camera 30 unde este găzduită colecția Farnese aparțin Galeriei Farnese, cu excepția camerei 7, dedicată colecției Borgia . și 23, în timp ce camerele de la camera 31 la camera 60, la care se adaugă camera 23, găzduiesc secțiunea apartamentului regal, caracterizată prin camerele 35 și 36 dedicate Galeriei Porțelan, de la camerele 38 la 41 dedicate colecției De Ciccio și camerele cuprinse între 46 și 50 rezervate pentru armeria Farnesiană și Bourbonă [28] .

Galeria Farnese

Camera 2

Colecția Farnese își dă numele galeriei cu același nume și toate lucrările sunt ordonate pe zone de origine într-o succesiune temporală [39] : colecția a fost începută la mijlocul secolului al XVI-lea de Papa Paul al III-lea , care a colectat în palatul său din Campo de 'Fiori [40] atât lucrări antice, în special statuare din descoperiri arheologice din zona Romei, cum ar fi de la Băile din Caracalla , cât și lucrări moderne, în mare parte picturi ale unor artiști precum Rafael , Sebastiano del Piombo , El Greco și Tiziano [6] . Cu Ottavio Farnese și fiul său Alessandro , în cursul secolului al XVII-lea, colecția a fost îmbogățită cu numeroase piese, datorită și donației, în 1600, de către Fulvio Orsini către cardinalul Odoardo și confiscării, în 1612, a bunurilor care aparțineau pentru unii membri ai aristocrației din Parma și Piacenza, considerați responsabili pentru o conspirație clocită cu un an înainte împotriva lui Ranuccio I Farnese [41] . Prin urmare, lucrările unor artiști precum Correggio și Parmigianino devin parte a colecției, alături de achizițiile de la palatele romane [42] . Mai mult, atunci când Alexandru a devenit suveran al Olandei , școala flamandă a fost adăugată alături de școala italiană de pictură [40] : totuși, potrivit unor surse ale vremii, monarhul nu ar fi fost un colecționar atent, spre deosebire de tatăl său și de mama sa Margherita d „Austria [40] . În 1693 [42] a fost adăugată colecția Margherita Farnese , sora lui Ranuccio [16] . Mai târziu, colecția a trecut în mâinile Elisabetei , apoi a fiului ei Carol de Bourbon , care, când a devenit rege al Napoli, a transferat toate lucrările în capitala regatului său: s-a extins în continuare cu noi achiziții [42] și cu obiecte de chihlimbar , bronz , cristal de piatră , majolică și argint , colecția a fost găzduită în palatul Capodimonte, special construit. De-a lungul anilor, însă, colecția a fost mutată în diferite clădiri din oraș până la sfârșitul celui de-al doilea război mondial, când s-a decis o reorganizare a muzeelor ​​napoletane: statuia a rămas în Muzeul Național de Arheologie, în timp ce picturile au fost din nou mutate în palatul Capodimonte din nou-născutul muzeu, restaurând vechea galerie Farnese [41] .

Camera 2 marchează intrarea în Galeria Farnese și permite o viziune, cu picturile sale, a personalităților de frunte ale familiei Farnese [43] : multe dintre lucrările prezente, precum Portretul lui Paul al III-lea și Portretul lui Paul al III-lea cu nepoții Alessandro și Ottavio Farnese , sunt opera lui Titian, a cărei colecție Capodimonte reprezintă pentru artist cea mai importantă și numeroasă atât din Italia, cât și din lume [12] ; sunt expuse și picturi ale lui Rafael, precum Portretul cardinalului Alessandro Farnese , de Giorgio Vasari și Andrea del Sarto , precum și sculpturi de Guglielmo Della Porta și o tapiserie care înfățișează Sacrificiul lui Alexandru [44] .

Răstignire de Masaccio, camera 3

Camera mică 3 este dedicată în întregime Crucificării lui Masaccio; aceasta nu face parte din colecția Farnese, ci a fost achiziționată în 1901 de către un particular ca opera unui florentin necunoscut din secolul al XV-lea și considerată ulterior a fi compartimentul central al Polipticului din Pisa realizat de Masaccio pentru carmin. biserica capitalei pisane. , împărțită apoi în diferite piese [45] păstrate în alte muzee europene și americane [46] .

În camera 4 sunt patru desene pe cărbune : două de Michelangelo, una de Rafael și una de Giovan Francesco Penni [47] care aparțineau lui Fulvio Orsini și moșteneau, conform testamentului membrului familiei Farnese, de Ranuccio; lucrările au sosit în palatul Capodimonte în 1759, sub conducerea lui Giuseppe Bonaparte , apoi transferate la Regio Palazzo degli Studi, formând nucleul principal al Cabinetului de desene și amprente și în cele din urmă readuse în palatul Capodimonte. În aceeași cameră, un tablou atribuit lui Hendrick van den Broeck , Venus și Cupidon , copie a cărbunelui cu același nume al lui Michelangelo, expus alături de el și subiectul numeroaselor replici, de asemenea, ale altor artiști [48] .

Din camera 5 lucrările sunt aranjate după o ordine cronologică și împărțite pe sfere culturale: printre cele principale sunt două mese de Masolino da Panicale , Fundația Santa Maria Maggiore și Adormirea Maicii Domnului , elemente centrale ale unui triptic inițial așezat pe altarul major al bazilicii Santa Maria Maggiore din Roma [49] .

Camera 6 conține picturi atât din colecțiile farnesiene, cât și din cele borbone ale artiștilor renascenți umbri - toscani , care prezintă noutățile picturale ale vremii, precum utilizarea perspectivei : artiști precum Filippino Lippi , Lorenzo di Credi , Sandro Botticelli [50] , Raffaellino del Garbo și Raffaello , cu una dintre primele sale lucrări Eterno între heruvimi și capul Madonnei , lucrarea principală a camerei; pânza lui Francesco Zaganelli , cu Hristos purtând crucea , care este mai aproape de pictura lui Dürer [51] , se îndepărtează de tema predominantă.

Din camera 8 începe acea serie de camere, orientate de-a lungul părții de vest a clădirii, care găzduia deja primele picturi ale colecției Farnese în secolul al XVIII-lea: tavanul camerei, împreună cu cel al camerelor 9 și 10, are încă frescele decorative din secolul al XIX-lea, apoi restaurate în anii cincizeci ai secolului al XX-lea; nell'ambiente si trovano esposte opere pittoriche dell'arte veneta datate tra il XV e l'inizio del XVI secolo con artisti come Bartolomeo Vivarini , Andrea Mantegna e Lorenzo Lotto [52] , tutte appartenenti alla collezione Farnese, mentre lavori di altri autori come Giovanni Bellini e Jacopo de' Barbari sono legati ad acquisti borbonici [53] . Le tele mostrano tutte le innovazioni del periodo storico nel quale sono state dipinte, come la raffinatezza cromatica, l'uso della prospettiva aerea e il ruolo chiave della luce [54] .

Nella sala 9 sono esposti lavori di Sebastiano del Piombo , Giulio Romano e Daniele da Volterra , a testimonianza della fervida stagione artistica romana del XVI secolo; nella stanza inoltre sono esposti tre dipinti, Madonna del Velo e Ritratto di Clemente VII con la barba di Sebastiano del Piombo e Ritratto di giovane di Daniele da Volterra, realizzati su ardesia , una tecnica sperimentale utilizzata come alternativa alla tela e alle tavole [55] . Interessante inoltre la copia da Michelangelo del Giudizio universale dipinta da Marcello Venusti , testimonianza di come si presentava l'opera della cappella Sistina prima degli interventi di Daniele da Volterra atti a coprire quelle parti considerate indecenti [56] .

La sala 12

La sala 10 raccoglie le pitture di artisti toscani realizzate nel primo quarto del XVI secolo: si tratta di Pontormo , Rosso [57] , Fra Bartolomeo , Franciabigio , Andrea del Sarto , Domenico Puligo e Pieter de Witte , artisti che apriranno le porte al manierismo [58] .

La sala 11 raccoglie opere venete: in particolare le attività di un ormai maturo Tiziano come Danae , Ritratto di una giovinetta e Maddalena , di un giovane Dominikos Theotokópoulos, meglio conosciuto come El Greco [59] , allievo di Tiziano e pittore di corte dei Farnese, e di Jacopo Palma il Vecchio [60] . Del primo, degno di nota è Ragazzo che soffia su un tizzone acceso , opera in forte chiave chiaroscurale, con evidenti accenti caravaggeschi.

La sala 12 raccoglie una delle più importanti collezioni di pittura emiliana del XVI secolo al mondo, frutto del collezionismo dei Farnese e delle confische ai danni di alcune famiglie piacentine e parmensi che avevano ordito una congiura contro Ranuccio Farnese; tra gli artisti: Correggio , con i suoi temi sacri e mitologici e figure umane dalle forme morbide e dai colori tenui, Parmigianino , uno dei protagonisti del manierismo italiano e di una pittura fatta di sperimentazioni [61] , Girolamo Mazzola Bedoli , Benvenuto Tisi da Garofalo , Dosso Dossi , Lelio Orsi [62] e Ippolito Scarsella , questi ultimi due dalla caratteristica vena favolistica e narrativa. Completano l'ambiente alcuni busti in marmo di epoca romana [63] .

La sala 13 raccoglie quelle opere di artisti che lavorarono alla corte Farnese a Parma, un luogo in pieno fervore intellettuale durante quel periodo: in particolare si tratta di Jacopo Zanguidi , meglio conosciuto come il Bertoja, con una Madonna col Bambino , e Girolamo Mirola [64] , a cui si affiancano anche artisti stranieri come Jan Soens [65] .

Anima dannata di Giovanni Bernardino Azzolino, sala 14

La sala 14 è la Galleria delle Cose Rare, comunemente chiamata Wunderkammer , ossia una sorta di stanza delle meraviglie che aveva il compito di affascinare e stupire i visitatori [66] : accanto alle normali pitture essa raccoglie infatti quelle opere preziose e rare di quel che resta delle arti decorative della collezione Farnese, una volta ospitata nella Galleria Ducale di Parma [67] . Tra le opere presenti nella sala: il Cofanetto Farnese , realizzato da Manno Sbarri con cristalli incisi da Giovanni Bernardi [68] , bronzetti provenienti dalle varie scuole italiane ed europee come quelli del Giambologna , altri dalla tipica fattura rinascimentale, come il David di Francesco di Giorgio Martini e il Cupido di Guglielmo Della Porta, e manieristici, monete, oggetti in avorio come un vassoio e una brocca di Johann Michael Maucher , medaglie rinascimentali opera del Pisanello , Matteo de' Pasti e Francesco da Sangallo , smalti, tra cui uno che raffigura Diana cacciatrice di Jacob Miller il Vecchio , maioliche di Urbino , tra cui un servizio in maiolica blu appartenuto ad Alessandro Farnese, cristalli di rocca, microintagli lignei [69] e manufatti e reperti esotici come una Ranocchia in pietra dura proveniente dal Messico e la statuetta di Huitzilopochtli , dio della guerra azteco [70] .

La sala 15 raccoglie esclusivamente i dipinti del pittore fiammingo Jacob de Backer ; si tratta di sette opere ritraenti i sette peccati capitali , filone molto in voga nella cultura fiamminga del XVI secolo: al centro del dipinto è raffigurato il vizio e alle spalle scene del Nuovo e del Vecchio Testamento . Le opere sono acquistate da Cosimo Masi nelle Fiandre e confiscate nel 1611 da Ranuccio Farnese: arrivate a Napoli non godettero di molta fortuna, tant'è che vennero conservate nei depositi del palazzo degli Studi prima di essere cedute alla Camera dei deputati a Roma, per abbellire le pareti; tornarono a Napoli nel 1952, beneficiando di una nuova rivalutazione [71] .

La sala 16 è dedicata alla pittura lombarda del Quattrocento e del Cinquecento, con una collezione non molto rilevante [12] , che vide in centri come Cremona , Brescia , Bergamo e soprattutto Milano il suo apice: tra gli artisti esposti Bernardino Luini e Cesare da Sesto , ispirati da Leonardo da Vinci , e Giulio Cesare Procaccini , che con la sua Madonna col Bambino e angelo mostra i segni della rigida morale della Controriforma nella pittura sacra, dove tuttavia si riscontrano i primi segni del barocco ; completano l'ambiente alcuni busti di imperatori romani , esposti in origine a palazzo Farnese a Roma [72] .

Parabola dei ciechi di Pieter Bruegel il Vecchio, sala 17

Nella sala 17 si trovano dipinti della zona fiamminga e tedesca ; in particolare sono esposti i due capolavori di Pieter Bruegel il Vecchio , la Parabola dei ciechi e il Misantropo , rappresentanti due momenti della fase matura dell'artista [73] : acquistati da Cosimo Masi, segretario del principe Alessandro, e confiscati dai Farnese a un suo erede, Giovanni Battista Masi, nel 1611 [16] . Sono inoltre presenti dei trittici, come la Crocifissione e l' Adorazione dei Magi di Joos van Cleve , con ante mobili e ricchi di elementi decorativi, tant'è che sembrano riproporre elementi tipici dell'arte italiana, e un gruppo di quadretti del Civetta che raffigurano paesaggi [74] , già citati negli inventari del marchese Girolamo Sanvitale: altri artisti esposti sono Jacob Cornelisz van Oostsanen e Bernard van Orley , quest'ultimo con il Ritratto di Carlo V [75] ; la maggior parte di queste tele sono parte della collezione Farnese grazie alle acquisizioni del cardinale Odoardo a partire dal 1641 [76] .

La sala 18 è quasi interamente dedicata a Joachim Beuckelaer : non si conosce né quando né chi acquistò le opere, ma queste appartenevano sicuramente alla collezione Farnese di Parma già a partire dal 1587, come citato in alcuni inventari di famiglia, insieme a una quarantina di dipinti che appartenevano al duca Ottavio ea Ranuccio, in quel periodo in cui le nature morte e le scene popolari come quelle di mercati e di campagne [77] , che le tele propongono, ottennero un grande successo in Italia. Unica opera che non appartiene a Beuckelaer è Gesù tra i fanciulli , di Maarten de Vos [78] .

Bottega del macellaio di Joachim Beuckelaer, sala 18

Nella sala 19 sono in mostra le opere degli esponenti della famiglia Carracci , ossia i fratelli Agostino e Annibale , i maggiori esecutori per la famiglia Farnese, e il cugino Ludovico [79] : le loro tele sono condizionate dalle privazioni imposte dal Concilio di Trento , anche se riescono a trovare una nuova soluzione artistica secondo cui l'artista deve avere una visione della realtà per far uscire la pittura italiana da quello stato di crisi [80] .

La sala 20 continua a raccogliere opere della scuola emiliana con Annibale Carracci , questa volta presente con una pittura matura e ispirata ai miti greci come Rinaldo e Amida e l' Allegoria fluviale , Giovanni Lanfranco e Sisto Badalocchio [81] .

La sala 21 è interamente dedicata alle pitture di Bartolomeo Schedoni [82] , artista che ha legato la sua esistenza professionale ai Farnese, lavorando per la famiglia tra Modena e Parma e assicurando loro la maggior parte delle sue opere, anche quelle che, dopo la sua morte, si trovavano depositate in bottega: studioso di Correggio, Federico Barocci e dei Carracci, fa della luce la novità predominante delle sue pitture, a cui accosta figure eccentriche [83] .

La sala 22 è ancora dedicata alla pittura emiliana [84] : l'opera principale è quella di Atalanta e Ippomene di Guido Reni [85] , a cui si accostano Giovanni Lanfranco e Michele Desubleo ; tutti i dipinti presentano quelle tematiche e lo stile della nascente corrente barocca [86] .

Nella sala 24 sono raccolte pitture fiamminghe del '600 con artisti come Antoon van Dyck e il suo Cristo Crocifisso [87] , acquistata da Diego Sartorio per millecinqucento ducati , Pieter Paul Rubens e Daniel Seghers [88] : si tratta di opere appartenenti alla collezione Farnese oppure acquisti successivi e che offrono un confronto tra le pittura italiana e quella olandese del periodo [89] .

La sala 20

Anche nella sala 25 prosegue l'esposizione di pittori fiamminghi, in particolare di opere che trattano di vedute, genere che, dalla fine del XVI secolo, ebbe un enorme successo grazie anche alla richiesta di ricchi borghesi che amano adornare le pareti dei loro palazzi con tele ritraenti scene di vita quotidiana: tra gli artisti esposti nell'ambiente Sebastian Vrancx , Gillis Mostaert e Pieter Brueghel il Giovane con Paesaggio invernale [90] .

Nella sala 26 si ritrovano ancora artisti fiamminghi: questa volta però il tema si sposta sulle nature morte, che avrà un'enorme diffusione in tutto il Seicento; si tratta di raffigurazioni intime di scene familiari con ritratti di frutta, selvaggina, fiori, stoviglie e cristalli come dimostra la tela di David de Coninck Selvaggina e animali o di David Teniers il Giovane con Interno da cucina [91] .

Nella sala 27 si prosegue con gli artisti emiliani, in particolare quelli influenzati dall'esperienza dell' Accademia degli Incamminati : sono esposte opere di Ludovico Carracci , come la Caduta di Simon Mago , che apre la visione a una nuova concezione dello spazio e con i segni di un primo barocco, Domenichino con l' Angelo custode , che invece resta ancorato al classicismo , e Alessandro Tiarini che continua a seguire lo stile della scuola caravaggesca [92] .

Lo stile tardo manieristico della fine del Cinquecento è espresso nelle opere custodite nella sala 28 con artisti toscani e liguri; importante in queste tele è l'uso del colore, quasi a dare una tonalità sovrannaturale ma donando comunque una luminosità dolce e soffusa: ne sono testimonianza la Pietà di Cigoli , Venere e Adone di Luca Cambiaso e San Sebastiano condotto al sepolcro di Domenico Cresti [93] .

Sacra famiglia e santi di Giuseppe Maria Crespi, sala 30

Nella sala 29 sono ospitate opere di diversa provenienza e appartenute a differenti classi culturali, a dimostrazione che la famiglia Farnese, a causa di dissapori interni, non era più in grado di commissionare ad artisti quadri per la propria collezione; le più rappresentative della stanza sono di artisti di Genova , città che visse tra il Cinquecento e il Seicento una buona stagione artistica: caratteristici gli olii su rame di Carlo Saraceni a tema mitologico e opere di Orazio de Ferrari e Giovan Battista Gaulli [94] , mentre Paesaggio con la ninfa Egeria di Claude Lorrain proviene dalla collezione borbonica [95] .

La sala 30 conclude la collezione Farnese : in essa sono ospitate le opere di Sebastiano Ricci [96] , veneziano del Seicento, uno dei pittori di casa Farnese a Parma che ha goduto della protezione di Ranuccio; nella sala anche Sacra Famiglia e santi di Giuseppe Maria Crespi [97] .

Collezione Borgia

La sala 7 ospita la collezione Borgia [98] : si tratta di una collezione acquistata nel 1817 da Ferdinando I, di proprietà del cardinale Borgia il quale, durante il corso del XVIII secolo, raccolse, grazie alle varie missioni cattoliche in giro per il mondo, numerose testimonianze artistiche dai popoli più disparati, come quelli orientali ed esotici [98] . Le opere erano conservate dal cardinale sia in un palazzo romano che nella sua dimora a Velletri , dove diede origine a un vero e proprio museo, aperto agli studiosi e suddiviso in dieci sezioni: antichità egizie , etrusche e volsce , greco - romane , romane , arte dell'Estremo Oriente, antichità arabe , manufatti etno-antropologici dell'Europa Settentrionale, dell'America Centrale e il Museo Sacro, composto da opere legate all'iconografia e alla liturgia sacra. Alla morte del cardinale le opere vennero ereditate da suo nipote Camillo Borgia e in seguito acquistate dal sovrano borbonico [99] : la collezione fu quindi dapprima esposta al Real Museo Borbonico e in seguito, nel 1957, trasferita alla reggia di Capodimonte dove, dopo lunghi lavori di inventariato, ne sono esposte tre sezioni, ossia il Museo Sacro, l'Arabo Ciufico e l'Indico.

Della collezione fanno parte opere pittoriche come la Sant'Eufemia di Andrea Mantegna [100] , la Madonna col Bambino ei santi Pietro, Paolo e Antonio Abate di Taddeo Gaddi , la Madonna col Bambino di Bartolomeo Caporali , la Madonna di Jacopo del Casentino , il San Sebastiano di Taddeo di Bartolo , le Virtù e scene della vita di Giasone di Giovanni Bernardi ; e ancora sono presenti oggetti di manifattura siriana , spagnola , birmana e francese composti da vari materiali come il Polittico della Passione , in alabastro , di scuola inglese, vetri, oreficerie, smalti come Pace di Nicolò Lionello , e avori, come la Crocifissione bizantina del X secolo [99] .

Appartamento Reale

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Reggia di Capodimonte § Appartamento Reale .
Il Salone delle Feste

La sala 31 fino alla sala 60, a cui si aggiunge la sala 23 ma si escludono la sala 35 e 36, quelle dalla 38 alla 41 e quelle dalla 46 alla 50, ospitano l'Appartamento Reale.

Modificate in parte nel loro aspetto originario sia nell'architettura che nell'arredamento, costituiscono l'appartamento che ha ospitato re borbonici, francesi e la famiglia dei duchi di Aosta [101] : la stanza principale è la sala 23 che ospitava la sala da letto di Francesco I e Maria Isabella di Borbone-Spagna , realizzata tra il 1829 e il 1830 su progetto di Antonio Niccolini [84] con particolari decorazioni parietali che ricordano gli affreschi rinvenuti agli scavi di Pompei e Ercolano e tappezzeria della manifattura di San Leucio [102] . La sala 31 è denominata Salone della Culla in quanto ospitava una culla donata dai sudditi napoletani ai reali per la nascita di Vittorio Emanuele III di Savoia [103] : particolarità dell'ambiente è il pavimento in marmo proveniente da una villa romana di Capri , Villa Jovis [104] . La sala 42 è il Salone delle Feste, in origine pensato per ospitare le opere dalla collezione farnesiana e poi trasformato per assolvere alle funzioni di rappresentanza della famiglia reale [105] : è uno dei pochi ambienti a conservare l'aspetto originario, con decorazioni di Salvatore Giusti [106] , in stile neoclassico , pavimentazione in marmo e lampadari in cristallo [107] . La sala 52 ospita il Salottino di Porcellana: si tratta di un salotto composto da oltre tremila pezzi di porcellana [108] realizzato per la regina Maria Amalia tra il 1757 e il 1759 da Giovanni Battisti Natali, originariamente posto nella reggia di Portici e solo nel 1866 trasferito a Capodimonte in una stanza opportunamente adattata [109] . La sala 56, realizzata per volere di Annibale Sacco e dal chiaro gusto neoclassico, prende il nome di Salone Camuccini ed è così chiamata per la presenza di opere pittoriche realizzate appunto da Vincenzo Camuccini [110] , a cui si affiancano altri artisti come Pietro Benvenuti e Francesco Hayez : custodisce inoltre un buon numero di statue [111] . Tutti gli ambienti conservano un gran numero di tele degli autori più disparati come Alexandre-Hyacinthe Dunouy , Claude Joseph Vernet , Antonio Joli , Francisco Goya , Angelika Kauffmann e Giacinto Gigante , oltre a numerosi oggetti di arredamento come porcellane, vasi, presepi, strumenti musicali, divani, lampadari e camini, questi ultimi previsti solo negli ambienti di rappresentanza [112] .

Galleria delle Porcellane

Parte del Servizio dell'Oca nella Galleria delle Porcellane

Nelle sale 35 e 36 costituiscono la cosiddetta Galleria delle Porcellane: composta da oltre tremila pezzi [113] , di cui, per motivi di spazio, è esposta solo una piccola parte più rappresentativa dei servizi di porcellane di manifattura italiana ed europea, in particolare porcellane di Capodimonte , di Meissein , di Sèvres , con alcuni pezzi decorati a Napoli , di Vienna e di Berlino [113] . Tutte le opere, eccetto l' Immacolata acquistata nel 1972, provengono dalla collezione borbonica; fino al 1860 questi pezzi sono stati normalmente utilizzati, mentre in seguito, a partite dal 1873, per volere di Vittorio Emanuele III, è iniziata un'opera di musealizzazione delle porcellane, a cura di Annibale Sacco [114] .

Nella sala 35 sono esposte le creazioni della Real Fabbrica di Napoli, mentre nella sala 36 le più importanti manifatture europee [115] : tra le opere principali il Servizio dell'Oca sulle cui stoviglie sono dipinte vedute di Napoli e dei suoi dintorni, mentre quelle prive di decorazioni sono in deposito, un Corredo d'altare comprendente sei candelabri e un crocifisso, opera di Giuseppe Gricci per la cappella Reale di Portici, un Servizio da scrittoio , un Servizio da cioccolata con ghirlanda di fiori e poi numerosi vasi, statue, alzate e piatti [116] .

Collezione De Ciccio

Nelle sale 38, 39, 40 e 41 è ospitata la collezione De Ciccio: si tratta di una collezione, ordinata secondo l'allestimento originario, di circa milletrecento pezzi [106] , per lo più arti applicate, comprendente dipinti e sculture ma anche bronzetti, avori, maioliche, porcellane e talvolta reperti archeologici, donati al Museo nazionale di Capodimonte nel 1958 dal collezionista Mario De Ciccio, che li aveva raccolti nel corso di circa cinquant'anni di acquisizioni tra Napoli, Palermo e diversi mercati internazionali [117] .

Tra le varie opere, le ceramiche sono in stile ispanico-moresco , le maioliche rinascimentali, tra cui una mattonella a stella della manifattura persiana di Rey , le porcellane di Meissen, Vienna e Ginori ; tra le statue quelle di una Madonna col Bambino della scuola di Lorenzo Ghiberti , San Matteo , in bronzo, attribuito ad Alessandro Vittoria , mentre tra i dipinti una tavola di Marco del Buono e Apollonio di Giovanni , già decoro di un cassone [118] . E ancora vasi, piatti, coppe, fra le quali alcune cinesi di epoca K'ang Hsi e Chien Lung [106] , bronzetti del rinascimento di Andrea Briosco , Alessandro Vittoria e Tiziano Aspetti , vetri di Murano e reperti archeologici come vasi attici del VI e V secolo aC , rhyta del IV secolo aC e sculture italiche ed etrusche [106] .

Armeria fernesiana e borbonica

Il Salone Camuccini

Nelle sale 46, 47, 48, 49 e 50 sono esposte le collezioni dell'Armeria farnesiana e borbonica: si tratta di circa quattromila pezzi il cui primo allestimento risale al 1958 e di cui conservano ancora l'aspetto originario [119] . Della collezione farnesiana fanno parte armi per lo più di fattura milanese e bresciana, ma anche esempi spagnoli e tedeschi di armi da fuoco, taglio e difesa, armature da torneo e da guerra, pistole, spade, pugnali e archibugi, tra cui spicca l' Armatura di Alessandro Farnese detta del Giglio, di Pompeo della Cesa , e un fucile a ruota italiano appartenuto a Ranuccio Farnese. Della serie borbonica fanno parte armi da fuoco, alcune giunte da Madrid con Carlo di Borbone [120] , altre di manifattura napoletana provenienti dalla Real Fabbrica d'Armi di Torre Annunziata per assolvere alle necessità dell'esercito borbonico, e armi da caccia realizzate per puro scopo ludico come un fucile a pietra focaia appartenuto a Maria Amalia [106] . A queste si aggiungono armi donate a Carlo e Ferdinando come carabine e fucili di fattura sassone , viennese e spagnola, armi bianche prodotte sia dalla Real Fabbrica che dalla Fabbrica degli Acciai, quest'ultima posta nel parco di Capodimonte dal 1782: tra i realizzatori della opere Carlo la Bruna, Biagio Ignesti, Michele Battista, Natale del Moro ed Emanuel Estevan. Sono inoltre custodite armi di manifattura orientale e modellini da guerra utilizzati per la scuola di artiglieria [121] , armature italiane da giostra e guerre del Seicento, spade del XVI e XVIII secolo di cui una probabilmente appartenuta a Ettore Fieramosca , armi da fuoco italiane ed europee del XVIII e XIX secolo [106] . Particolare un modello in gesso raffigurante Carlo V di Vincenzo Gemito [108] .

Secondo piano

Il secondo piano:
██ Arte contemporanea
██ Sala degli Arazzi
██ Collezione D'Avalos
██ Galleria Napoletana

Il secondo piano si divide nelle aree della Galleria Napoletana e della collezione di arte contemporanea: in particolare dalle sale 61 alla 97, esclusa la 62, è ospitata la galleria delle arti a Napoli dal Duecento al Settecento, la sala 62 è dedicata agli arazzi d'Avalos e le sale dalle 98 alla 101 alla collezione d'Avalos , mentre la zona dell'arte contemporanea occupa due sale più altre che sono al terzo piano [29] .

Galleria Napoletana

Polittico con Storie della Passione , sala 61

La Galleria Napoletana è composta da quarantaquattro sale e accoglie dipinti, ma anche sculture e arazzi [122] , realizzati da artisti napoletani o comunque personalità non del posto ma che lavorato o spedito opere in città e hanno influenzato la scuola locale in un periodo compreso tra il XIII e il XVIII secolo [108] . La raccolta è iniziata all'inizio del XIX secolo, sia a seguito delle soppressioni dei monasteri durante il periodo della dominazione napoleonica [7] sia dagli emissari borbonici alla ricerca di opere da far entrare nella collezione reale [123] , per proseguire ancora nel 2008 grazie a numerose acquisizioni statali, donazioni [122] , o, come avvenuto tra il 1970 e il 1999, a scopo cautelativo, soprattutto per quei lavori custoditi in chiese chiuse o comunque poco sorvegliate [108] . I temi trattati sono quindi soggetti religiosi, che abbellivano le chiese, ma anche battaglie, scene mitologiche e nature morte, temi più profani, spesso commissionati da privati per le loro case borghesi. L'allestimento museale degli ambienti tende a riprodurre di conseguenza quello stretto rapporto che intercorre tra la storia e la storia dell'arte nell'area napoletana e del sud Italia in generale, con opere commissionate sia dalla casa regnante sia dagli aristocratici che hanno reso il capoluogo partenopeo un centro culturale internazionale [123] .

Con la sala 61 ha inizio la Galleria Napoletana: sono quindi ospitate opere di diversa tipologia, a dimostrazione della varietà e complessità delle realizzazioni artistiche di Napoli, ma anche quei lavori sottoposti a restauro; dell'esposizione fanno parte il Polittico con storie della Passione , in alabastro e legno di manifattura di Nottingham , un arazzo raffigurante la Deposizione dalla Croce [124] e statue lignee di Giovanni da Nola [108] .

Madonna dell'Umiltà di Roberto d'Oderisio, sala 64

La sala 63 e le due successive ospitano lavori della cultura campana che spaziano dalla fine del XII secolo all'inizio del XV: degni di nota sono un San Domenico [125] , polittico da una chiesa napoletana, un oggetto in marmo facente parte di un candelabro, e una tempera su tavola con soggetto Santa Maria de Flumine , proveniente da una chiesa nei pressi di Amalfi , che mostra le influenze bizantine e arabe presenti nella penisola sorrentina [126] .

La sala 64 esibisce gli influssi che ha sull'arte napoletana l'arrivo della dinastia angioina e quella del loro mondo cortese; i nuovi sovrani infatti apportano in città importanti lavori di riqualificazioni, con la costruzione di palazzi e chiese che devono quindi essere successivamente decorati. E gli artisti chiamati a questo lavoro si ispirano a Giotto , presente personalmente in città, e alla sua bottega: è il caso degli esposti in questa sala come Roberto d'Oderisio , con la sua Crocifissione e la Madonna dell'Umiltà [127] e il senese Andrea Vanni con San Giacomo Apostolo [128] .

Nella sala 65 si notano gli influssi del ramo ungherese della dinastia degli Angiò, in particolare di Carlo III di Napoli e di Ladislao I di Napoli , quest'ultimo che commissiona opere a un pittore anonimo conosciuto come il Maestro delle Storie di San Ladislao : i due sovrani, impegnati costantemente in campagne militari, favoriscono la presenza a Napoli di numerosi artisti, in larga parte provenienti dalla Toscana, come Niccolò di Tommaso [129] .

La sala 66 è esclusivamente dedicata al capolavoro di Simone Martini , San Ludovico di Tolosa che incorona il fratello Roberto d'Angiò : la tavola, che ricade ancora nel periodo angioino di Napoli, è stata voluta da Roberto d'Angiò , per ricordare e celebrare il fratello Ludovico che ha rinunciato al trono del regno dopo aver aderito alla corrente francescana [130] .

San Ludovico di Tolosa che incorona il fratello Roberto d'Angiò di Simone Martini, sala 66

La sala 67 accoglie lavori che segnano la fine del regno angioino a Napoli e l'inizio di quello aragonese , con le sue novità pittoriche: nell'ambiente sono esposti artisti fiamminghi, pittori e scultori molto cari ad Alfonso V d'Aragona , ma anche italiani come Colantonio con la Consegna della regola francescana , San Girolamo nello studio [131] e il Polittico di san Vincenzo Ferrer , primi esempi di pittura rinascimentale napoletana, a metà strada tra stile italiano e stile internazionale, con influssi fiammingo-catalani [132] .

Nella sala 68 sono esposti quegli artisti che operano a Napoli durante il regno di Ferdinando I di Napoli e di Alfonso II di Napoli , favoriti da quest'ultimo per la costruzione dell' arco trionfale del Maschio Angioino : si tratta di lombardi come Cristoforo Scacco di Verona e Protasio Crivelli , veneti, siciliani, dalmati e spagnoli come Juan de Borgoña , ma anche Francesco Pagano e Pietro Befulco [133] .

La sala 69, con le sue opere, mostra la stretta relazione che si instaura alla fine del XV secolo tra Alfonso II e la Toscana, ma anche come gli artisti umbri siano molto apprezzati in città: sono esposti lavori di Pinturicchio e Matteo di Giovanni , artisti fondamentali anche per la formazione dei pittori locali come Francesco Cicino , assiduo realizzatore di polittici tra cui spicca la Madonna col Bambino in trono e santi [134] .

La sala 70 segna l'inizio del dominio spagnolo a Napoli all'inizio del XVI secolo: le opere ospitate dimostrano un importante maturazione dell'arte locale, qui rappresentata con artisti come Giovanni Filippo Criscuolo e Andrea Sabatini [135] , che si rifanno ancora alla pittura umbro-toscana mista al classicismo tipico di Raffaello, o comunque artisti che formatisi in altre zone d'Italia, come Cesare da Sesto , presente nella stanza con Adorazione dei Magi , farà da tramite per le innovazioni nella pittura partenopea [136] ; l'influsso spagnolo inoltre si risente con la pittura di Pedro Fernández [137] .

La sala 71 raccoglie un importante collezione di sculture in marmo del Cinquecento, produzione artistica in cui Napoli si distingue particolarmente con artisti come Girolamo Santacroce e Giovanni da Nola : si tratta di elementi decorativi di opere precedentemente ospitate nella chiesa di Santa Maria Assunta dei Pignatelli e quattro altorilievi dalle chiese di Sant'Agnello Maggiore e di Santa Maria delle Grazie Maggiore a Caponapoli [138] .

Nella sala 72 sono esposte le pitture di Polidoro da Caravaggio , allievo e aiutante di Raffaello, che si forma a Roma nella prima metà del Cinquecento e che lavorerà brevemente poi anche a Napoli: tra le tavole esposte l' Andata al Calvario [139] , la Deposizione , San Pietro e Sant'Andrea , che mettono in risalto il carattere originale e inquietante dell'artista [140] .

Artisti come Marco Cardisco e Pedro Machuca si trovano nella sala 73: il primo risente dell'influsso manieristico di Polidoro e classicheggiate di Andrea da Salerno, ben visibile nella Disputa di sant'Agostino , mentre il secondo, autore della Morte e assunzione della Vergine , è caratterizzato da una pittura con figure morbide su composizioni alquante articolate che ricorda per certi versi quella di Rosso Fiorentino [141] .

Deposizione di Polidoro da Caravaggio, sala 72

Il rapporto tra Pedro Álvarez de Toledo y Zúñiga e la Toscana crea un intenso scambio culturale tra Napoli e Firenze o Siena , ben visibile nella sala 74 dove sono esposti artisti come Marco dal Pino , allievo del Beccafumi , a lungo attivo in città, il Sodoma [142] , e, principalmente, Giorgio Vasari , con la Cena in casa del fariseo e la Presentazione al Tempio [143] .

L'opera principale della sala 75 è l' Annunciazione di Tiziano, raro esempio di pittura veneta a Napoli e originariamente collocata nella cappella Pinelli alla chiesa di san Domenico Maggiore [144] . Caratteristica inoltre è la piccola sala denominata 75 bis con due dipinti a carattere devozionale, ossia Andata al Calvario di Giovanni Bernardo Lama e Pietà e santi di Silvestro Buono , quest'ultima chiaramente ispirata ai pittori fiamminghi in voga a Napoli alla fine del XVI secolo [145] .

Nella sala 76 sono presentate tavole di grosse dimensioni destinate a essere pale d'altare maggiore in una Napoli che viveva con Filippo II di Spagna un fervido periodo sia di costruzioni religiose sia di decorazioni di chiese già esistenti ma che dovevano seguire i dettami della controriforma; tra gli artisti che lavorano alla realizzazione di tali opere si ricordano Aert Mytens e Dirk Hendricksz , autori fiamminghi, Francesco Curia con Annunciazione [146] , considerato uno dei capolavori della pittura meridionale del Cinquecento, e Girolamo Imparato [147] .

La sala 77, con le sue opere, segna l'apice dell'arte napoletana del Cinquecento, con artisti che propongono rappresentazioni sacre che parlassero con chiarezza ai fedeli; sono esposti: Scipione Pulzone , con la sua pittura fredda e purista, Ippolito Borghese e la sua pennellata sfumata nella Pietà , Fabrizio Santafede , più vicino alla cultura popolare, e Luigi Rodriguez ; caratteristici i quadretti del Cavalier d'Arpino , uno degli ultimi miniaturisti attivi a Napoli, in particolar modo nella certosa di San Martino [148] .

Flagellazione di Cristo di Caravaggio, sala 78

La sala 78 è ad appannaggio esclusivo della Flagellazione di Cristo di Caravaggio , opera che inaugura la grande stagione del Seicento napoletano : l'artista è stato attivo a Napoli tra il 1606 e il 1607 e tra il 1609 e 1610 contribuendo a trasformare radicalmente la pittura sacra del capoluogo che fino a quel momento è fatta di santi, angeli, corone, in una invece più semplice, essenziale e cupa, che si rispecchia anche nei vicoli della città, una realtà fino ad allora ignorata, gettando, soprattutto a partire dal secondo decennio del XVII secolo, le basi per il naturalismo napoletano [149] .

Nella sala 79 sono ospitate le opere dei cosiddetti caravaggisti , ossia quegli artisti che nelle loro opere si rifanno a Caravaggio, come Filippo Vitale , Carlo Sellitto , che nasce come pittore elegante e stilizzato per poi abbracciare in pieno il nuovo stile, e Battistello Caracciolo [150] , il più grande caravaggista napoletano, che riescono comunque a trovare una propria identità con una pittura astratta e vivace sui fondi, ben dimostrata nelle tele esposte come l' Ecce homo , il Cristo alla Colonna , il Compianto sul corpo di Abele e Venere e Adone [151] .

Le sale 81, 83 e 84 sono destinate all'esposizione ciclica di stampe e disegni custoditi nel museo di Capodimonte: la scelta delle opere da esporre avviene sia in base a criteri conservativi, sia per far luce sull'attività disegnativa degli artisti che orbitavano a Napoli; sono inoltre presentate incisioni realizzate tra il XVII e il XIX secolo. Caratterizzano l'ambiente uno stipo di manifattura inglese e due oli su rame di Francesco Guarini [152] .

Nella sala 87 sono esposte opere di artisti che operarono a Napoli all'inizio del Seicento [153] , periodo in cui le chiese cittadine sono state interessate da importanti lavori di abbellimento che richiamano artisti non solo della zona ma anche dall'estero, facendo vivere alla pittura partenopea il suo periodo d'oro: opera principale della stanza è Giuditta e Oloferne di Artemisia Gentileschi [154] .

Le sale 88, 89 e 90 hanno una disposizione dei dipinti tale da farle sembrare le cappelle di una chiesa adornate da grandi tale: gli artisti presenti sono quelli del primo naturalismo napoletano, che seguono la strada aperta da Caravaggio ei suoi giochi di luce sul fondo buio, anche se non mancano influenze dalla pittura emiliana e veneta che divenne famosa a Napoli a partire dagli anni '40 del Seicento; tra gli artisti custoditi Artemisia Gentileschi, Battistello Caracciolo, Simon Vouet , Massimo Stanzione con il Sacrificio di Mosè e il Martirio di sant'Agata , Pietro Novelli , Cesare Fracanzano e Jusepe de Ribera con la Maddalena in meditazione , Eterno Padre , Trinitas terrestris e San Girolamo e l'angelo del Giudizio [155] .

Sileno ebbro di Jusepe de Ribera, sala 91

La sala 91 espone uno dei capolavori del Ribera, ossia il Sileno ebbro [156] , tuttavia non mancano pitture di Pietro Novelli e Francesco Fracanzano che aprono l'arte napoletana a una cultura europea: caratteristici inoltre i lavori del cosiddetto Maestro dell'Annuncio ai pastori che tratta temi sacri raffigurati in un tipico mondo pastorale, apprezzati anche nel resto d'Europa grazie all'opera di esportazione di mercanti d'arte quali Gaspar Roomer e Jan e Ferdinand van den Eynde [157] .

Nella sala 92, oltre all' Interno di cucina di Francesco Fracanzano, sono caratteristici i lavori di Matthias Stomer , pittore olandese in attività tra Roma, Napoli e la Sicilia, che nonostante segua la scuola di Caravaggio si apre a delle sperimentazioni [158] : nelle sue opere infatti, come l' Adorazione dei Pastori , la Cena in Emaus e la Morte di Seneca , gioca un ruolo fondamentale la luce, naturale o artificiale come quella di una candela, che illumina gli ambienti bui in cui è incentrata la scena [159] .

La sala 93 ospita la seconda generazione di artisti napoletani formatisi nel primo decennio del XVII secolo, protagonisti di una pittura frutto delle sperimentazioni caravaggesche, con gli influssi di quella emiliana ed europea: sono esposti Giovan Battista Spinelli , vicino all'arte francese con il suo David con la testa di Golia [160] , Francesco Guarini , con l'uso di ombre naturali ben visibili in Sant'Agata e Santa Cecilia al cembalo e angeli , e Andrea Vaccaro , uno dei massimi esponenti di questo periodo, con i suoi dipinti che mescolano sacro e profano, ben evidenziabile nel Trionfo di David e nell' Adorazione del vitello d'oro [161] .

Nella sala 94 trovano spazio numerose opere di Bernardo Cavallino , un artista che riuscì a cogliere a pieno il gusto dell'epoca rivolgendosi a collezionisti che preferivano una pittura elegante e narrativa, fatta di tele di piccole dimensioni create per ornare i palazzi napoletani, con temi che si rifanno ai componimenti poetici di Torquato Tasso e di Giovan Battista Marino , e che descrivono la vita semplice e quotidiana; nella stessa sala inoltre è esposto Johann Heinrich Schönfeld , attento studioso di Cavallino [162] .

Veduta delle sale 88, 89 e 90

La sala 95 è incentrata su quegli artisti che operano maggiormente tra gli anni trenta e quaranta del Seicento, ossia i vari Micco Spadaro , Salvator Rosa , Aniello Falcone e Andrea De Lione [153] , i quali aprono a un nuovo tipo di pittura fatta di battaglie storiche e mitologiche, adatta quindi anche a rappresentare martiri di santi, in un'ambientazione poco sacra [163] .

Nella piccola sala 96 sono esposte nature morte non napoletane: si tratta di rappresentazioni di Bartolomeo Bimbi , Carlo Maratta e Christian Berentz , dai toni un po' spenti ma che hanno goduto di particolare fama tra il Seicento e il Settecento [164] .

Nella sala 97 si continua con le nature morte, questa volte però di artisti napoletani: si tratta di un genere molto in voga nella Napoli dell'epoca grazie alle influenze sempre più diffuse del barocco che partono dalla metà del XVII secolo; vengono quindi raffigurati pesci, fiori in vasi di cristallo e argento, frutta e agrumi ed i principali artisti artefici di nature morte esposte nella sala sono Luca Forte , Giovan Battista Ruoppolo , Giuseppe Recco [165] , che si ispirano alla pittura naturalistica, con colori mediterranei, Andrea Belvedere e Paolo Porpora , influenzati invece dalla nascente vena artistica rococò , fatta di una pittura più delicata [166] .

Madonna del Rosario di Luca Giordano, sala 103

La sala 102 è interamente dedicata a Mattia Preti , artista che insieme a Luca Giordano rappresenta per circa un decennio uno dei più titolati in attività a Napoli: nella sala sono presenti due bozzetti preparatori per gli affreschi da realizzare sulle porte della città come ex voto per la fine della peste del 1656 , e ancora tele come Ritorno del Figliuol prodigo , Convito di Assalonne e San Sebastiano , che mostrano il particolare punto di vista ribassato dell'autore [167] .

La sala 103 è ad appannaggio di Luca Giordano nei cui lavori mostra tutte le novità della nascente corrente barocca e che si pone come anticipatore della cultura rococò: e quindi grandi spazi, figure dalla linea morbida con pelli rosate e capelli biondi sono ben visibile nelle tele come l' Estasi di san Nicola da Tolentino , l' Elemosina di san Tommaso da Villanova , la Madonna del Baldacchino , la Madonna del Rosario e la Sacra Famiglia ha la visione dei simboli della Passione [168] .

Nella sala 104 sono esposte opere del Settecento napoletano con pittori come Francesco Solimena , erede di Luca Giordano, con i suoi caratteristici personaggi ritratti quasi in posa teatrale come si può notare nell' Enea e Didone , e ancora Paolo De Matteis , anch'egli della scuola di Giordano, Domenico Antonio Vaccaro e Francesco De Mura , autore di una pittura più elegante rispetto al suo maestro Solimena [169] .

La sala 105 è dedicata ai bozzetti dei maggiori realizzatori di affreschi del Settecento: si tratta di testimonianze di opere a volte non concluse, come il bozzetto di San Domenico resuscita il nipote del cardinale Orsini , che Domenico Antonio Vaccaro realizza per la chiesa di San Domenico Maggiore, o andati perduti con il tempo, come Massacro dei Giustiniani a Scio , di Francesco Solimena; nella stanza inoltre sono in mostra Giacomo del Pò e Francesco De Mura [170] .

La sala 106 conclude il percorso della pittura napoletana dal Duecento al Settecento, raccogliendo opere dell'ultima metà del XVIII secolo che segna l'avvento dei Borbone sul trono del regno di Napoli; i nuovi sovrani, come è possibile notare negli artisti esposti nell'ambiente, abbandonando quelli napoletani, se si fa eccezione per Giuseppe Bonito , e si aprono verso artisti con un respiro più europeo: è il caso di Gaspare Traversi [171] , autore di una pittura ironica, Corrado Giaquinto e Pietro Bardellino , con pitture rococò e soggetti di stampo mitologico [172] .

Sala degli Arazzi

Veduta della Sala degli Arazzi

La sala 62, conosciuta anche come Sala degli Arazzi, custodisce gli Arazzi della battaglia di Pavia , eseguiti tra il 1528 e il 1531, prendendo spunto da cartoni di Bernard van Orley e tessuti a Bruxelles [108] come dimostra la sigla dell'arazziere William Dermoyen: nel 1531 sono stati donati dagli Stati Generali di Bruxelles all'imperatore Carlo V d'Asburgo e nel 1571 entrano a far parte delle collezione di Francesco Ferdinando d'Avalos, fino al 1862, quando sono dati in dono allo Stato italiano da Alfonso d'Avalos e da qui trasferiti al museo di Capodimonte [173] . Le sette opere prendono il titolo di:

  • Avanzata dell'esercito imperiale e attacco della Gendarmeria francese guidata da Francesco I ;
  • Sconfitta della cavalleria francese; le fanterie imperiali si impadroniscono delle artiglierie nemiche ;
  • Cattura del re di Francia Francesco I ;
  • Invasione del campo francese e fuga delle dame e dei civili al seguito di Francesco I ;
  • Invasione del campo francese: gli Svizzeri si rifiutano di avanzare nonostante gli interventi dei loro capi ;
  • Fuga dell'esercito francese e ritirata del duca d'Alençon oltre il Ticino ;
  • Sortita degli assediati e rotta degli Svizzeri che annegano in gran numero nel Ticino [173] .

Collezione d'Avalos

Le sale 98, 99, 100 e 101 ospitano la collezione d'Avalos [153] , ossia una raccolta privata iniziata nel Seicento dal principe di Montesarchio Andrea d'Avalos che collezionò e commissionò uno dei più importanti numeri di opere di artisti napoletani del XVII secolo, e donata prima allo Stato italiano e in seguito al museo di Capodimonte nel 1862: parte della collezione è quindi distribuita nelle quattro sale del museo, secondo la disposizione originale [174] . La maggior parte delle opere tratta nature morte ma anche temi storici, mitologici e letterari: ne sono quindi artefici artisti come Pacecco De Rosa , Luca Giordano , con un vasto gruppo di tele, Andrea Vaccaro , Giuseppe Recco e Jusepe de Ribera con uno dei suoi capolavori, simbolo della maturità artistica, ossia Apollo e Marsia , su cui lo stesso Giordano basa la sua formazione [175] .

Arte contemporanea

La collezione di arte contemporanea è stata inaugurata nel 1996, tuttavia già precedentemente nel museo erano state ospitate mostre su questo genere: nel 1978 infatti era stata presentata l'esposizione di Alberto Burri , mentre nel 1985 fu la volta di Andy Warhol , allestita in quello che all'epoca era chiamato Salone Camuccini, in seguito divenuto sala 2, e scelto per ospitare eventi di arte contemporanea , ruolo che ha assolto dal 1986 al 1991 con le mostre di Gino De Dominicis nel 1986, Mario Merz nel 1987, Carlo Alfano e Sol LeWitt nel 1988, Michelangelo Pistoletto , Luciano Fabro e Jannis Kounellis nel 1989, Eliseo Mattiacci nel 1991, anno in cui si concluse il ciclo di mostre con quella di Sigmar Polke , per consentire i lavori di restauro del museo; alla sua riapertura si decise per un'esposizione permanente di opere contemporanee [3] .

La galleria ha inizio con tre opere realizzate in situ, ospitate in tre stanze: la prima, chiamata Senza titolo , di Jannis Kounellis , è creata con orci, ferri, sacchi e carbone, la seconda prende il titolo di Indizi di Daniel Buren , ossia delle installazioni di carta adesiva colorata su cartongesso e pavimento in marmo, e la terza è intitolata Grande Cretto Nero , un pannello di Alberto Burri in maiolica e smalto [176] . Altre opere contemporanee sono esposte nella sala 82, e realizzate con i più disparati materiali, come olio su tela, bronzo, ferro, vetro, legno dipinto e tempere, da artisti come Guido Tatafiore , Renato Barisani , Domenico Spinosa , Augusto Perez , Gianni Pisani , Raffaele Lippi , Lucio Del Pezzo , Carmine Di Ruggiero e Mario Persico [177] .

Terzo piano

Il terzo piano:
██ Arte contemporanea
██ Sezione fotografica
██ Galleria dell'Ottocento

Il terzo piano ospita il prosieguo della collezione di arte contemporanea, la Galleria dell'Ottocento e la sezione fotografica [30] .

La sezione di arte contemporanea continua dal secondo piano: nell'ambiente ricavato nel sottotetto della reggia di Capodimonte trova sede l'installazione di Mario Merz, Onda d'urto , realizzata con ferro, neon, giornali, pietre e vetro, quella di Joseph Kosuth , Un'osservazione grammaticale , una scritta su parete illuminata da neon e specchi e quella di Carlo Alfano, Camera , con bussole in alluminio, grafite e neon[178] . Tra le altre opere, quella di maggior prestigio è Vesuvius di Andy Warhol [179] , a cui si aggiungono le opere di Enzo Cucchi , Mimmo Paladino , Hermann Nitsch , Sigmar Polke, Gino De Dominicis, Joseph Kosuth , Michelangelo Pistoletto, Luigi Mainolfi e Ettore Spalletti[178] .

La Galleria dell'Ottocento espone opere di artisti acquistate o donate al museo nel periodo immediatamente successivo all'Unità d'Italia: si tratta sia di autori napoletani sia di altri provenienti da diverse zone d'Italia, in modo tale da formare un unico linguaggio figurativo nazionale che sia in grado di cogliere gli aspetti storici, sociali, naturalistici e culturali del periodo [180] . La collezione si apre con le due personalità più di spicco del momento, ossia Domenico Morelli e Filippo Palizzi , più votato alle raffigurazioni naturalistiche [181] . Degno di nota è il filone degli artisti appartenenti alla Scuola di Resìna , come Marco De Gregorio , Federico Rossano , Michele Cammarano e Giuseppe De Nittis. Caratteristici inoltre Gioacchino Toma concentrato verso la comprensione degli stati d'animo, raffigurati con pacatezza e tranquillità [181] , Vincenzo Migliaro , Francesco Paolo Michetti , rivolto a scene di vita popolare, Antonio Mancini , le cui opere hanno per protagonisti i bambini del popolo, e ancora Giovanni Boldini , Francesco Saverio Altamura , Giacomo Balla e Giuseppe Pellizza da Volpedo [180] .

La sezione fotografica è stata inaugurata nel 1996 ed è composta da cinquantadue fotografie opera di Mimmo Jodice che ritraggono i protagonisti della fase della cultura napoletana che va dal 1968 al 1988, con soggetti come Emilio Notte , Nino Longobardi , Andy Warhol e Joseph Beuys [182] .

Note

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Bibliografia

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