Modernism

Dezambiguizare - Dacă sunteți în căutarea altor semnificații ale cuvântului Modernism, consultați Modernism (dezambiguizare) .

Frank Lloyd Wright , Casa pe cascadă , Mill Run, Pennsylvania (1937). Waterfall House , una dintre cele mai faimoase reședințe private din Wright, a fost construită în 1937

Modernismul este o mișcare filosofico-estetică care, în conformitate cu schimbările culturale din timpul său, s-a născut din transformările enorme ale societății occidentale de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Printre factorii care au determinat modernismul au fost dezvoltarea societăților industriale moderne și creșterea rapidă a urbanizării , urmată ulterior de reacții de groază la devastarea Primului Război Mondial . Modernismul s-a opus adesea certitudinilor gândirii iluministe , iar mulți moderniști s-au opus credinței religioase ^{[1] [2]} .

Modernismul, în general, include activitățile și creațiile celor care au simțit formele tradiționale ale artei , arhitecturii , literaturii , credinței religioase, filozofiei , organizării sociale , activităților vieții de zi cu zi și ale științei , se adaptează într-un mod învechit la noul mediu. economice, sociale și politice ale unei lumi emergente complet industrializate. Incitarea din 1934 a poetului Ezra Pound la „reînnoire!” („Fă-o nouă!”) A fost piatra de temelie a abordării mișcării față de ceea ce a văzut ca fiind cultura învechită a trecutului. În acest spirit, inovațiile, precum tehnica fluxului conștiinței , muzica atonală și dodecafonică , pictura pointilistă și arta abstractă , au avut precursori în secolul al XIX-lea.

O caracteristică notabilă a modernismului este conștiința de sine și ironia cu privire la tradițiile literare și sociale, care au dus deseori la experimentarea formei, dezvoltând adesea tehnici care au concentrat atenția asupra proceselor și materialelor utilizate în crearea unei picturi, a unei poezii, a unei clădiri etc. ^[3] , respingând în mod explicit ideologia realismului ^{[4] [5]} și refolosind adesea trecutul prin reluare , încorporare, rescriere, recapitulare , revizuire și parodie .

Unii critici definesc modernismul ca un mod de gândire, cu diferite caracteristici definite filosofic, precum conștiința de sine sau auto-referențialitatea , care traversează toate noutățile din arte și discipline ^[6] . Mai frecvente, mai ales în Occident, sunt cei care o văd ca pe o tendință de gândire progresivă care afirmă puterea ființelor umane de a crea, îmbunătăți și remodela mediul lor cu ajutorul experimentării, cunoștințelor științifice sau tehnologiei. Din această perspectivă, modernismul a încurajat refacerea fiecărui aspect al existenței, de la comerț la filosofie, cu scopul de a căuta ceea ce stătea în calea progresului și de a-l înlocui cu noi modalități de a atinge același scop. Alții încă se concentrează pe modernism ca o introspecție estetică, facilitând astfel luarea în considerare a reacțiilor specifice la utilizarea tehnologiei în Primul Război Mondial și a aspectelor anti-tehnologice și nihiliste ale operelor diferiților gânditori și artiști de la Friedrich Nietzsche (1844–1900) până la Samuel Beckett (1906–1989).

În timp ce unii cercetători văd modernismul continuând până în secolul XXI, alții îl văd evoluând spre modernism târziu sau modernism înalt. Postmodernismul a reprezentat atunci abandonarea tezelor modernismului și respingerea ipotezelor sale de bază.

Istoria modernismului

Context

Libertatea conducând oamenii de Eugène Delacroix , una dintre picturile simbolice ale picturii romantice (1830)

Potrivit unor critici, modernismul s-a dezvoltat din revolta romantismului împotriva efectelor revoluției industriale și a valorilor burgheze : „Motivul fundamental al modernismului, spune Gerald Graff, a fost critica ordinii sociale burgheze din secolul al XIX-lea și viziunea sa despre lumea ... moderniștii, purtând torța romantismului ”. William Turner (1775-1851), unul dintre cei mai mari pictori de peisaj din secolul al XIX-lea, a fost membru al mișcării romantice , ca „pionier în studiul luminii, culorilor și atmosferei”, el „a anticipat impresioniștii francezi ” și prin urmare, modernismul „pentru a descompune formulele convenționale de reprezentare, spre deosebire de acestea, credea că operele sale ar trebui să exprime întotdeauna teme istorice, mitologice, literare sau de altă natură narative semnificative” ^[7]

Începând cu anul 1850, tendințele dominante ale Angliei industriale victoriene erau în conflict cu poeții și pictorii englezi care alcătuiau Frăția prerafaeliților , datorită „opoziției lor academice față de abilitățile tehnice neinspirate”. Prerafaeliții au fost apoi influențați de scrierile criticului de artă John Ruskin (1819-1900), care aveau credințe puternice despre rolul artei în a ajuta la îmbunătățirea vieții claselor muncitoare urbane din orașele industriale în expansiune rapidă din Marea Britanie . Criticul de artă Clement Greenberg descrie frăția prerafaelită ca fiind proto-modernistă: „Proto-moderniștii erau, printre toți, prerafaeliții (și chiar înainte de ei, ca proto-proto-moderniști, nazarenii germani). Realitățile îl anticipau pe Manet. (1832-83), cu care a început definitiv pictura modernistă. Aceștia au acționat cu nemulțumire față de pictura vremii lor, argumentând că realismul său nu era suficient de adevărat. " Raționalismul a avut mai târziu adversari în filozofii Søren Kierkegaard (1813–55), iar mai târziu Friedrich Nietzsche (1844–1900) ambii cu o influență semnificativă asupra existențialismului .

Palatul de cristal în versiunea originală a clădirii (1851).

Revoluția industrială a continuat, iar inovațiile influente au inclus industrializarea cu abur și, în special, dezvoltarea căilor ferate, începând cu Marea Britanie în anii 1830, și progresele ulterioare în fizică, inginerie și arhitectură asociate cu aceasta. O importantă realizare inginerească din secolul al XIX-lea a fost Palatul de Cristal , enorma sală de expoziție din fontă și sticlă construită pentru Marea Expoziție a lucrărilor industriale ale tuturor națiunilor din 1851. Sticla și fierul au fost utilizate într-un stil similar în construcția Principalele terminale feroviare din Londra, precum stația Paddington (1854) și stația King's Cross (1852). Aceste progrese tehnologice au dus la construirea unor structuri ulterioare precum Podul Brooklyn (1883) și Turnul Eiffel (1889). Aceste minuni inginerești au schimbat radical mediul urban din secolul al XIX-lea și viața de zi cu zi a oamenilor. Posibilitățile oferite omului au fost apoi extinse odată cu dezvoltarea telegrafului din 1837 și adoptarea timpului standard de către companiile feroviare britanice din 1845 și din întreaga lume pentru următorii cincizeci de ani.

Dar, în ciuda progreselor tehnologice continue, ideea că istoria și civilizația au fost inerent progresiste și că progresul a fost întotdeauna bun, a făcut obiectul unor întrebări crescânde. La sfârșitul secolului, filosoful Arthur Schopenhauer (1788-1860), în „Lumea ca voință și reprezentare” , pusese sub semnul întrebării optimismul anterior și ideile sale au avut o influență importantă asupra gânditorilor de mai târziu, inclusiv a lui Nietzsche. Doi dintre cei mai semnificativi gânditori de la mijlocul secolului al XIX-lea au fost biologul Charles Darwin (1809–1882) cu The Origin of Species (1859) și filosoful și economistul Karl Marx cu Capitalul său (1867). Teoria evoluției lui Darwin prin selecție naturală a subminat certitudinea religioasă și ideea unicității umane. În special, ideea că ființele umane erau conduse de aceleași impulsuri ca și „animalele inferioare” s-a dovedit dificil de reconciliat cu ideea unei spiritualități înnobilante. Karl Marx a susținut că există contradicții fundamentale în cadrul sistemului capitalist și că muncitorii erau departe de a fi liberi.

Origini și dezvoltare la sfârșitul secolului al XIX-lea

Odilon Redon , Spirit păzitor al apelor , 1878, păstrat la Art Institute of Chicago

Istoricii și scriitorii din diferite discipline au sugerat diferite date ca puncte de plecare pentru modernism. Istoricul William Everdell , de exemplu, susține că modernismul a început în anii 1870 , când continuitatea metaforică (sau ontologică ) a început să cedeze locul matematicianului Richard Dedekind (1831-1916) și a termodinamicii statistice a lui Ludwig . Boltzmann (1844-1906). Everdell crede, de asemenea, că modernismul în pictură a început în 1885-1886 cu divizionismul lui Georges Seurat și tehnica de pictură cu puncte folosită pentru a picta O duminică după-amiază pe insula La Grande-Jatte . Pe de altă parte, criticul de artă vizuală Clement Greenberg l-a numit pe Immanuel Kant (1724-1804) „primul modernist adevărat”, deși a mai scris: „Ceea ce se poate numi în siguranță modernism a apărut la mijlocul secolului trecut - și mai degrabă la nivel local , în Franța, cu Baudelaire în literatură și Manet în pictură și poate și cu Flaubert , în proză-ficțiune (a fost puțin mai târziu, și nu atât de local, că modernismul a apărut în muzică și arhitectură). " Flori ale răului lui Baudelaire și Madame Bovary a lui Flaubert au fost publicate ambele în 1857 la Paris.

Două abordări importante s-au dezvoltat separat în Franța, în artă și litere, începând din anii 1860. Primul a fost impresionismul , o școală de pictură care se concentra inițial pe munca depusă, nu în studii, ci în aer liber ( en plein air ). Picturile impresioniste au arătat că oamenii nu văd obiecte, ci în schimb văd lumina însăși. Această școală a inclus numeroși artiști, în ciuda diviziunilor interne dintre principalii săi actori și a preluat un rol din ce în ce mai influent. Opus inițial de cea mai importantă expoziție comercială a vremii, salonul de la Paris, sponsorizat de guvern, impresioniștii organizau spectacole de grup anuale în locații comerciale din anii 1870 și 1880, paralel cu Salonul oficial. Un eveniment semnificativ a fost Salon des Refusés din 1863, înființat de împăratul Napoleon al III-lea pentru a expune toate picturile respinse de Salonul de la Paris, în care opera lui Manet a atras atenția, deschizând ușile mișcării în atenția colecționarilor. A doua școală franceză a fost simbolistica , pe care istoricii literari o văd începând cu Charles Baudelaire (1821-1867) și continuând cu poeții ulteriori, Arthur Rimbaud (1854-1891), Paul Verlaine (1844-1896), Stéphane Mallarmé (1842-1898) și Paul Valéry (1871-1945). Simbolistii „au subliniat prioritatea sugestiei și evocării în fața descrierii directe și a analogiei explicite” și au fost interesați în special de „proprietățile muzicale ale limbajului”. Cabaretele , cluburi de noapte la modă la acea vreme, care au dat naștere la atâtea arte ale modernismului, inclusiv artiștii de arheologie cinematografică , au început în Franța în 1881 cu deschiderea Le Chat noir din Montmartre .

Henri Fantin-Latour , Hommage à Delacroix . Din stânga, așezat: Louis Edmond Duranty , Henri Fantin-Latour , Jules Champfleury și Charles Baudelaire . Din stânga, în picioare: Louis Cordier , Alphonse Legros , James Whistler , Édouard Manet , Félix Bracquemond și Albert de Balleroy . În centru, un portret al lui Eugène Delacroix .

De asemenea, influențate la începuturile modernismului au fost teoriile lui Sigmund Freud (1856-1939). Prima lucrare majoră a lui Freud a fost Studiile asupra isteriei , scrisă cu Josef Breuer în 1895. Elementul central al gândirii lui Freud este ideea „primatului inconștientului în viața mentală”, care centrează realitatea subiectivă pe jocul pulsiunilor și instinctelor de bază, prin care lumea exterioară a fost percepută. Descrierea stărilor subiective implica un inconștient plin de impulsuri primare, contrabalansat de restricțiile autoimpuse derivate din valorile sociale.

Friedrich Nietzsche (1844-1900) a fost un alt precursor important al modernismului, cu o filozofie în care impulsurile psihologice, în special „ voința de putere ” (Wille zur Macht), au avut o importanță capitală. Henri Bergson (1859-1941), pe de altă parte, a subliniat diferența dintre timpul științific, timpul ceasului și experiența umană directă, subiectivă, a timpului. Opera sa despre timp și conștiință „a avut o mare influență asupra romancierilor din secolul al XX-lea”, în special acei moderniști care au folosit tehnica fluxului de conștiință, precum Dorothy Richardson , James Joyce și Virginia Woolf (1882-1941). La fel de importantă în filosofia lui Bergson a fost ideea de „élan vital”, forța vieții, care „determină evoluția creativă a tuturor”. Filosofia sa a pus, de asemenea, o mare valoare pe intuiție , fără a respinge totuși importanța intelectului .

Unul dintre primele experimente ale lui Vasily Kandinsky în 1908

Fëdor Dostoevskij (1821-1881), care a scris romanele Crime și pedeapsă (1866) și Frații Karamazov (1880), au fost precursori în modernismul literar ; Walt Whitman (1819-1892), care a publicat colecția de poezii Frunze de iarbă (1855-1891); și August Strindberg (1849-1912), în special piesele sale ulterioare, trilogia To Damascus 1898-1901, A Dream Play (1902) și The Ghost Sonata (1907). Henry James a fost, de asemenea, un precursor semnificativ cu Portretul unei doamne (1881). Primele expresii moderniste se găsesc în 1888 în rimele și prozele „Azul” ale poetului nicaraguan Rubén Darío ^[8] .

Din coliziunea idealurilor derivate din romantism cu încercarea de a găsi un nou mod de cunoaștere, primul val de lucrări a sosit în primul deceniu al secolului al XX-lea, care, deși pe de o parte au fost considerate de autorii lor ca extensii pe de altă parte, a tendințelor existente în artă a provocat o rupere cu contractul implicit pentru care artiștii erau interpretii și reprezentanții culturii și ideilor burgheze. Muzica atonală a celui de-al doilea cvartet de coarde al lui Arnold Schönberg din 1908, pictura expresionistă a lui Vasilij Kandinsky, care a început în 1903 și a culminat cu prima sa pictură abstractă și fondarea grupului Der Blaue Reiter la München în 1911 au devenit noi puncte de referință. , Fauves și invențiile cubismului, care au început de la studiile lui Henri Matisse , Pablo Picasso , Georges Braque și alții, în anii dintre 1900 și 1910.

Între anii 10 și 30 ai secolului XX

Piet Mondrian , Vedere din dune cu plajă și diguri, Domburg, 1909 ( Gezicht op strand en pier vanaf de duinen, Domburg 1909 ), 1909, ulei și creion pe carton, Museum of Modern Art , New York .

Un aspect important al modernismului este modul în care acesta se raportează la tradiție prin adoptarea unor tehnici precum împușcarea, încorporarea, rescrierea, recapitularea, revizuirea și parodia în crearea de noi forme.

TS Eliot a făcut comentarii semnificative cu privire la relația dintre artist și tradiție, argumentând că „vom găsi adesea că nu numai cele mai bune părți, ci și cele mai individuale părți ale operei [unui poet], pot fi cele în care poeții morți, strămoși, își afirmă nemurirea cu mai multă vigoare ". Cu toate acestea, relația dintre modernism și tradiție a fost complexă, așa cum afirmă savantul literar Peter Childs „Au existat tendințe paradoxale, dacă nu opuse, către poziții revoluționare și reacționare, frică de nou și încântare de dispariția vechiului, nihilism și entuziasm fanatic, creativitate și disperare ”.

Un exemplu al modului în care arta modernistă poate fi atât revoluționară, cât și legată de tradiția trecută este muzica compozitorului Arnold Schönberg . Pe de o parte, Schoenberg a respins armonia tonală tradițională, sistemul ierarhic de organizare a operelor muzicale care a ghidat producția muzicală timp de cel puțin un secol și jumătate. El credea că a descoperit un mod complet nou de organizare a sunetului, bazat pe utilizarea dodecafoniei . Cu toate acestea, deși acest lucru a fost într-adevăr cu totul nou, originile sale pot fi urmărite înapoi la opera compozitorilor anteriori, precum Franz Liszt , Richard Wagner , Gustav Mahler , Richard Strauss și Max Reger . Mai mult, trebuie remarcat faptul că Schoenberg a scris și muzică tonală de-a lungul carierei sale.

Coperta Du "Cubisme" , 1912, de Albert Gleizes și Jean Metzinger , publicată de Eugène Figuière Éditeurs

În lumea artei, în primul deceniu al secolului XX, tinerii pictori precum Pablo Picasso și Henri Matisse au fost esențiali în stabilirea respingerii perspectivei tradiționale ca mijloc de structurare a picturilor, deși impresionistul Claude Monet făcuse deja inovații. În 1907, în timp ce Picasso pictează Les demoiselles d'Avignon , Oskar Kokoschka scria Mörder, Hoffnung der Frauen , prima dramă expresionistă (care a provocat un scandal în 1909), iar Arnold Schönberg compunea cvartetul de coarde nr. minor (1908), prima sa compoziție fără centru tonal.

Un pas fundamental care a condus la cubism a fost reprezentarea formei tridimensionale în lucrările ulterioare ale lui Paul Cézanne , care au fost expuse într-o retrospectivă la Salon d'Automne în 1907. În opera de artă cubistă, obiectele sunt analizate, împărțite și reasamblat într-o formă abstractă; în loc să reprezinte obiecte dintr-un punct de vedere, artistul descrie subiectul dintr-o multitudine de puncte de vedere pentru a reprezenta subiectul într-un context mai larg. Cubismul a fost adus pentru prima dată în atenția publicului larg în 1911 la Salon des Indépendants organizat la Paris în perioada 21 aprilie - 13 iunie. Jean Metzinger , Albert Gleizes , Henri Le Fauconnier , Robert Delaunay , Fernand Léger și Roger de La Fresnaye au fost prezentați împreună în camera 41, provocând un „scandal” din care a apărut cubismul și s-a răspândit în tot Parisul și nu numai. Tot în 1911, Kandinsky a pictat Bild mit Kreis (Imagine cu cerc), pe care ulterior l-a numit primul tablou abstract. În 1912, Metzinger și Gleizes au scris primul (și singurul) manifest cubist major, Du "Cubisme" , publicat la timp pentru Salon de la Section d'Or , cea mai mare expoziție cubistă vreodată. În 1912, Metzinger a pictat și a expus fermecătoarele sale La Femme au Cheval (Femeie cu cal) și Danseuse au Café (Dansatoare într-o cafenea). Albert Gleizes a pictat și și-a expus Les Baigneuses ( Băile ) și monumentalul său Le Dépiquage des Moissons . Această lucrare, împreună cu La Ville de Paris (Orașul Paris), a lui Robert Delaunay , a fost cea mai mare și mai ambițioasă pictură cubistă întreprinsă în perioada cubistă de dinainte de război.

Portretul lui Eduard Kosmack (1910) de Egon Schiele

În 1905, un grup de patru artiști germani, condus de Ernst Ludwig Kirchner , a format Die Brücke (Podul) în orașul Dresda . Aceasta a fost probabil organizația fondatoare a mișcării expresioniste germane, deși nu au folosit acest cuvânt pentru a se defini. Câțiva ani mai târziu, în 1911, un grup de tineri artiști care au aceleași idei au format Der Blaue Reiter („Călărețul albastru”) la München. Numele derivă din pictura lui Vasily Kandinsky Der Blaue Reiter din 1903. Printre membrii lor s-au numărat Kandinsky, Franz Marc , Paul Klee și August Macke . Cu toate acestea, termenul „expresionism” nu a fost folosit prea mult până în 1913 și, deși a început în principal ca o mișcare de artă germană activă în special în pictură, poezie și teatru între 1910 și 1930, majoritatea denumirilor care au precedat mișcarea nu erau germani. . În plus, au existat prozatori expresioniști, precum și scriitori expresionisti care nu vorbesc limba germană și, în timp ce mișcarea din Germania a dispărut în anii 1930 odată cu apariția lui Adolf Hitler , au existat încă lucrări expresioniste după acei ani.

Clădirea Flatiron din Manhattan , New York , un zgârie-nori inovator din 1902.

Expresionismul este notoriu dificil de definit, în parte pentru că „se suprapune cu alte„ isme ”majore ale perioadei moderniste: cu futurismul , vorticismul , cubismul, suprarealismul și dadaismul ”. Richard Murphy a scris: „căutarea unei definiții atotcuprinzătoare este problematică în măsura în care cei mai complexi expresioniști”, precum romancierul Franz Kafka , poetul Gottfried Benn și romancierul Alfred Döblin au fost simultan cei mai fervenți anti-expresioniști. Ceea ce, totuși, se poate spune este că a fost o mișcare care s-a dezvoltat la începutul secolului al XX-lea în principal în Germania ca reacție la efectul dezumanizant al industrializării și urbanizării și că „unul dintre mijloacele centrale prin care expresionismul se identifică ca fiind o mișcare de avangardă și cu care își marchează distanța față de tradiții și de instituția culturală în ansamblu prin relația sa cu realismul și convențiile dominante de reprezentare ". Prin urmare, expresioniștii au respins ideologia dominantă a realismului.

O mișcare de teatru expresionist german a fost deosebit de activă la începutul secolului al XX-lea, dintre care Georg Kaiser și Ernst Toller au fost cei mai renumiți dramaturgi. Alți dramaturgi expresioniști distinși au fost Reinhard Sorge , Walter Hasenclever , Hans Henny Jahnn și Arnolt Bronnen . Acești autori s-au uitat la dramaturgul suedez August Strindberg și la actorul și dramaturgul german Frank Wedekind ca precursori ai experimentelor lor dramaturgice. Asasinul, speranța femeilor de Oskar Kokoschka , este considerată prima dramaturgie expresionistă pentru teatru și a fost pusă în scenă la 4 iulie 1909 la Viena . Simplificarea extremă a personajelor la tipuri mitice, efectele corale, dialogul declamator și creșterea intensității vor deveni caracteristici ale reprezentărilor expresioniste ulterioare. Prima lucrare completă a expresionismului a fost Fiul lui Walter Hasenclever , publicată în 1914 și prezentată pentru prima dată în 1916.

Forme unice de continuitate în spațiu (1913) de Umberto Boccioni , MoMA , New York.

O altă mișcare modernistă este futurismul . În 1909, ziarul parizian Le Figaro a publicat primul manifest al lui Filippo Tommaso Marinetti . La scurt timp după ce un grup de pictori, printre care Giacomo Balla , Umberto Boccioni , Carlo Carrà , Luigi Russolo și Gino Severini , au semnat Manifestul futurismului . Modelate după celebrul „ Manifest al Partidului Comunist ” al lui Karl Marx și Friedrich Engels (1848), aceste afișe au propus idei care sunt menite să provoace și să adune adepți. Cu toate acestea, argumentele în favoarea picturii geometrice sau pur abstracte au fost, în acest moment, în mare măsură limitate la „reviste mici” care au avut doar puțină difuzare. Primitivismul și pesimismul modernist au fost controversate, iar mainstream-ul din primul deceniu al secolului al XX-lea era încă predispus la credința în progres și la optimismul liberal.

Artiștii abstracte , luând impresioniștii ca exemple, precum Paul Cézanne (1839-1906) și Edvard Munch (1863-1944), au început cu presupunerea că culoarea și forma , nu reprezentarea lumii naturale, au format caracteristicile esențiale ale artei. Arta occidentală fusese, de la Renaștere până la mijlocul secolului al XIX-lea, susținută de logica perspectivei și de o încercare de a reproduce o iluzie a realității. Artele culturilor, altele decât cele europene, au devenit accesibile tuturor, arătând modalități alternative de a descrie experiența vizuală artistului. La sfârșitul secolului al XIX-lea, mulți artiști au simțit nevoia de a crea un nou tip de artă care să cuprindă schimbările fundamentale care aveau loc în tehnologie, știință și filozofie. Sursele din care artiștii individuali și-au extras argumentele teoretice au fost cele mai disparate și au reflectat preocupările sociale și intelectuale din toate domeniile culturii occidentale la acea vreme. Vasily Kandinsky, Piet Mondrian și Kazimir Malevič au crezut cu toții în redefinirea artei ca un aranjament de culoare pură. Răspândirea fotografiei , care făcuse în mare parte funcția de reprezentare a artei vizuale învechită, a influențat puternic acest aspect al modernismului.

Unité d'Habitation Corbusierhaus din Charlottenburg-Wilmersdorf , Berlin , construit de Le Corbusier

Arhitecții și designerii moderniști , precum Frank Lloyd Wright și Le Corbusier , au crezut că noile tehnologii au făcut ca stilurile vechi de construcție să fie învechite. Le Corbusier a crezut că clădirile ar trebui să funcționeze ca „mașini pentru a trăi”, asemănător mașinilor, pe care le-a văzut ca mașini pentru călătorie. Așa cum mașinile înlocuiseră calul, tot așa designul modernist ar trebui să respingă stilurile și structurile vechi moștenite din Grecia antică sau din Evul Mediu. Urmând această estetică a mașinii, designerii moderniști au respins în general motivele decorative în design, preferând să sublinieze materialele folosite și formele geometrice pure. Zgârie-nori este arhetipul clădirii moderniste, iar clădirea Wainwright , o clădire de birouri cu 10 etaje construită în 1890-91, în Saint Louis , Missouri , a fost printre primii zgârie-nori din lume. Clădirea Seagram a lui Ludwig Mies van der Rohe din New York (1956-1958) este adesea considerată culmea acestui tip de arhitectură modernistă. Molti aspetti del design modernista persistono ancora nella corrente principale dell'architettura contemporanea, sebbene il precedente dogmatismo abbia lasciato il posto a un uso più scherzoso della decorazione, della citazione storica e del dramma spaziale.

Nel 1913 - che fu l'anno delle idee del filosofo Edmund Husserl , dell'atomo quantizzato del fisico Niels Bohr , della fondazione dell' imagismo di Ezra Pound , dell' Armory Show di New York, ea San Pietroburgo la "prima dell'opera futurista" Vittoria sul Sole ^[9] di Mihail Vasil'evič Matjušin - un altro compositore russo, Igor' Stravinskij , compose La sagra della primavera , un balletto che descrive il sacrificio umano, e ha uno spartito musicale pieno di dissonanze e ritmiche primitive, causando scalpore alla sua prima esibizione a parigina. A quel tempo, sebbene il modernismo fosse ancora "progressista", vedeva sempre di più le forme tradizionali e le disposizioni sociali come ostacoli al progresso, guardando contemporaneamente all'artista sempre più come un rivoluzionario, impegnato a rovesciare piuttosto che illuminare la società. Sempre nel 1913, in Francia, si verificò un evento meno violento con la pubblicazione del primo volume della importante sequenza di romanzi di Marcel Proust Alla ricerca del tempo perduto ( À la recherche du temps perdu , 1913-1927). Questo è spesso presentato come un primo esempio di utilizzo della tecnica del flusso di coscienza , anche se, secondo Robert Humphrey, la tecnica utilizzata da Proust "riguarda solo l'aspetto reminiscente della coscienza" e che "stava deliberatamente ricatturando il passato allo scopo di comunicarlo, quindi non scrisse un vero romanzo di stream-of-consciousness".

La coscienza di Zeno (1923) di Italo Svevo nell'edizione del 1930

Il flusso di coscienza era un'importante innovazione letteraria modernista, e secondo molti addetti ai lavori Arthur Schnitzler (1862-1931) fu il primo a farne pieno uso nel suo racconto Nessuno tranne i coraggiosi ( Leutnant Gustl , 1900). Dorothy Richardson fu la prima scrittrice inglese a utilizzarlo, nei primi volumi della sua serie di romanzi Pilgrimage (1915-67). Tra gli altri romanzieri modernisti associati all'uso di questa tecnica narrativa vi sono James Joyce con il suo Ulisse ( Ulysses , 1922) e Italo Svevo con La coscienza di Zeno del 1923.

Con l'avvento della Grande guerra del 1914-18 e della rivoluzione russa del 1917, tuttavia il mondo cambiò drasticamente e il dubbio rigettò le credenze e le istituzioni del passato. Il fallimento del precedente status quo sembrava ovvio per una generazione che aveva visto milioni di persone morire combattendo per un brandello di terra: prima del 1914 si sosteneva che nessuno avrebbe combattuto una simile guerra, dal momento che il costo era troppo alto. La nascita di un'era della macchina che aveva apportato importanti cambiamenti nelle condizioni della vita quotidiana nel XIX secolo, aveva radicalmente cambiato anche la natura della guerra. La natura traumatica di quell'esperienza trasformò gli assunti di base: la rappresentazione realistica della vita nelle arti sembrava inadeguata di fronte alla natura fantasticamente surreale della guerra di trincea. La visione che la storia dell'umanità fosse legata ad un costante progresso morale ora sembrava ridicola di fronte al massacro insensato, descritto in opere come il romanzo Niente di nuovo sul fronte occidentale (1929) di Erich Maria Remarque . Pertanto la visione della realtà del modernismo, che era stata un gusto minoritario prima della guerra, divenne più di dominio pubblico negli anni venti.

Nella letteratura e nell'arte visiva alcuni modernisti cercavano di sfidare le aspettative principalmente per rendere la loro arte più vivida o per costringere il pubblico a prendersi la briga di mettere in discussione i propri preconcetti. Questo aspetto del modernismo è spesso sembrato una reazione alla cultura del consumismo , sviluppata in Europa e nell'America Settentrionale alla fine del XIX secolo. Mentre la maggior parte dei creativi cerca di realizzare prodotti che possano essere commercializzati facendo appello a preferenze e pregiudizi, i modernisti respingono tali atteggiamenti consumistici al fine di indebolire il pensiero convenzionale. Il critico d'arte Clement Greenberg espose questa teoria del modernismo nel suo saggio Avant-Garde and Kitsch . Greenberg ha etichettato i prodotti della cultura del consumo " kitsch ", perché il loro design mirava semplicemente ad avere il massimo appeal, eliminando tutte le caratteristiche legate alla complessità . Per Greenberg, il modernismo costituì quindi una reazione contro lo sviluppo di esempi della moderna cultura del consumo come la popular music commerciale, Hollywood e la pubblicità . Greenberg ha associato questo con il rifiuto rivoluzionario del capitalismo.

Locandina per il dramma Vittoria sul Sole (1913) realizzata da El Lissitzky

Alcuni modernisti si consideravano parte di una cultura rivoluzionaria che includeva la rivoluzione politica. In Russia, dopo la Rivoluzione del 1917, iniziò in effetti un fiorire di attività culturali d'avanguardia, tra cui il futurismo russo . Tuttavia, altri rifiutarono la politica convenzionale e le convenzioni artistiche, ritenendo che una rivoluzione della coscienza politica avesse maggiore importanza di un cambiamento nelle strutture politiche. Ma molti modernisti si consideravano apolitici. Altri, come TS Eliot , respinsero la cultura popolare di massa da una posizione conservatrice . Alcuni addirittura sostengono che il modernismo nella letteratura e nell'arte funzionasse per sostenere una cultura d' élite che escludeva la maggioranza della popolazione.

Il surrealismo , che ebbe origine nei primi anni 1920, venne considerato dal pubblico come la forma più estrema del modernismo, o "l'avanguardia del Modernismo". La parola "surrealista" fu coniata da Guillaume Apollinaire e apparve per la prima volta nella prefazione al suo dramma Le mammelle di Tiresia , scritto nel 1903 e eseguito per la prima volta nel 1917. I maggiori surrealisti furono Paul Éluard , Robert Desnos , Max Ernst , Hans Arp , Antonin Artaud , Raymond Queneau .

Nel 1930, il modernismo aveva conquistato un posto nei palazzi del potere, incluso l'establishment politico e artistico, sebbene a quel tempo lo stesso modernismo fosse già cambiato.

Il modernismo tra il 1930 ed il 1945

Haus der Musik, Vienna. Manoscritto dell'opera Moses und Aron di Arnold Schönberg

Il modernismo negli anni trenta continuò a rinnovarsi. Tra il 1930 e il 1932 il compositore Arnold Schönberg lavorò a Moses und Aron , una delle prime opere a usare la tecnica a dodecafonica, Pablo Picasso dipinse nel 1937 Guernica , la sua condanna cubista al fascismo, mentre James Joyce nel 1939 spinse più in la i confini del romanzo moderno con Finnegans Wake . Anche nel 1930 il modernismo iniziò ad influenzare la cultura mainstream, tanto che, per esempio, la rivista The New Yorker pubblicò in quegli anni i lavori influenzati dal modernismo, da giovani scrittori e umoristi come Dorothy Parker , Robert Benchley , Elwyn Brooks White , Sidney Joseph Perelman e James Thurber . Perelman è molto stimato per i suoi racconti umoristici che ha pubblicato sulle riviste degli anni trenta e quaranta, più spesso nel New Yorker, che sono considerati i primi esempi di Umorismo surreale in America. Le idee moderne dell'arte cominciarono anche ad apparire più frequentemente negli spot e nei loghi, un primo esempio del quale, dal 1916, è il famoso logo metropolitana di Londra disegnato da Edward Johnston .

Uno dei cambiamenti più visibili di questo periodo nell'Europa occidentale e nel Nord America, fu l'adozione di nuove tecnologie nella vita quotidiana delle persone comuni. L' elettricità , il telefono , la radio , l' automobile - e la necessità da queste create, come ripararli e conviverci - hanno creato un forte cambiamento sociale. Il tipo di momento disgregativo legato alle telecomunicazioni che solo pochi conoscevano negli anni ottanta del secolo precedente, divenne un evento comune. Ad esempio, la velocità di comunicazione riservata agli agenti di borsa del 1890 divenne parte della vita familiare, almeno nella classe media del Nord America. Associati all'urbanizzazione e al cambiamento dei costumi sociali, anche le famiglie più piccole e le relazioni tra genitori e figli cambiarono.

Logo metropolitana di Londra progettato da Edward Johnston .

Un'altra forte influenza in questo momento era il marxismo . Dopo l'aspetto generalmente primitivistico/irrazionalista del modernismo pre-Grande Guerra, che per molti modernisti precludeva qualsiasi attaccamento a soluzioni meramente politiche, e il neoclassicismo degli anni venti, con i suoi rappresentanti più famoso da TS Eliot ed Igor' Stravinskij , che rifiutava soluzioni popolari per problemi moderni, l'ascesa del fascismo , la grande depressione ed i nuovi venti di guerra, contribuirono a radicalizzare una generazione. Bertolt Brecht , WH Auden , André Breton , Louis Aragon ei filosofi Antonio Gramsci e Walter Benjamin sono forse i più famosi esponenti di questa forma modernista del marxismo. C'erano, tuttavia, anche modernisti dichiaratamente di "destra", tra cui Salvador Dalí , Wyndham Lewis , TS Eliot, Ezra Pound , l'autore olandese Menno ter Braak ed altri.

Significative opere letterarie moderniste continuarono a essere create negli anni venti e trenta, inclusi ulteriori romanzi di Marcel Proust , Virginia Woolf , Robert Musil e Dorothy Richardson . La carriera del drammaturgo modernista americano Eugene O'Neill iniziò nel 1914, ma i suoi lavori più importanti apparvero negli anni venti, trenta e primi anni quaranta. Altri due importanti drammaturghi modernisti che scrissero negli anni venti e trenta furono Bertolt Brecht e Federico García Lorca . L'amante di Lady Chatterley di DH Lawrence , fu pubblicata privatamente nel 1928, mentre un altro importante punto di riferimento per la storia del romanzo moderno arrivò con la pubblicazione di L'urlo e il furore di William Faulkner nel 1929. Negli anni trenta, oltre a ulteriori importanti lavori di Faulkner, Samuel Beckett pubblicò la sua prima opera importante, il romanzo Murphy (1938). Poi nel 1939 apparve Finnegans Wake di James Joyce . Questo è scritto perlopiù in un linguaggio idiosincratico , costituito da una miscela di elementi lessicali inglesi, neologismi multilinguistici, Calembour e parola macedonia , tentando di ricreare l'esperienza del sonno e dei sogni. Nella poesia TS Eliot, EE Cummings e Wallace Stevens scrissero dagli anni venti fino agli anni cinquanta. Mentre, se la poesia modernista in lingua inglese è spesso vista come un fenomeno americano, con esponenti di spicco tra cui Ezra Pound, TS Eliot, Marianne Moore , William Carlos Williams , Hilda Doolittle e Louis Zukofsky , è anche vero che ci furono importanti poeti modernisti britannici, tra cui David Jones , Hugh MacDiarmid , Basil Bunting e Wystan Hugh Auden . I poeti modernisti europei comprendono Federico García Lorca, Anna Akhmatova , Constantine Cavafy e Paul Valéry .

Invito per la prima di Quatuor pour la fin du temps di Olivier Messiaen del 15 gennaio 1941

Nello stesso periodo nella Russia sovietica , venne prodotta l'opera del compositore Dmitrij Šostakovič (1906-1975) Il naso che fu rappresentata per la prima volta nel 1930, utilizzando un montaggio di stili diversi, tra cui la musica folklorica , la popular music , e la atonalità . Tra le sue influenze c'era l'opera di Alban Berg (1985-1935) Wozzeck (1925), che "aveva fatto una tremenda impressione su Šostakovič quando fu messo in scena a Leningrado". Tuttavia, dal 1932 in Unione Sovietica , il realismo socialista cominciò a spodestare il modernismo, e nel 1936 Šostakovič fu attaccato e costretto a ritirare la sua 4ª Sinfonia . Il Concerto per violino di Berg fu eseguito per la prima volta nel 1935, e sempre Alban Berg scrisse un'altra significativa, anche se incompleta, opera modernista, Lulu , che fu rappresentata per la prima volta nel 1937. Come lo Šostakovič, altri compositori affrontarono molte difficoltà in questo periodo, mentre, in Germania, Arnold Schönberg (1874-1951) fu costretto a fuggire negli Stati Uniti quando Hitler salì al potere nel 1933, a causa del suo stile atonale modernista e della sua ascendenza ebraica. Le sue opere principali di questo periodo sono un Concerto per violino , op. 36 (1934/36), e Concerto per pianoforte op. 42 (1942). Schönberg scrisse anche musica tonale in questo periodo con la Suite in sol per archi (1934) e la Sinfonia da camera n. 2 in Mi bemolle op. 38 (iniziatoa nel 1906, completata nel 1939). Durante questo periodo, il modernista ungherese Béla Bartók (1881-1945) produsse una serie di importanti opere, tra cui Musica per archi, percussioni e celesta (1936) e il Quartetto per archi n. 5 (1934), Divertimento per orchestra d'archi (1939) e Quartetto per archi n. 6 (1939), per poi partire per gli Stati Uniti nel 1940, a causa dell'ascesa del fascismo in Ungheria . Anche Igor' Stravinskij (1882-1971) continuò a scrivere nello stile neoclassico negli anni Trenta e Quaranta, con opere come la Sinfonia di Salmi (1930), la Sinfonia in C (1940) e la Sinfonia in tre movimenti (1945). A causa della seconda guerra mondiale emigrò poi negli Stati Uniti. Olivier Messiaen (1908-1992) invece, prestò servizio nell'esercito francese durante la guerra e fu imprigionato nello Stalag VIII-A dai tedeschi, dove compose il suo famoso Quatuor pour la fin du temps . Il quartetto fu rappresentato per la prima volta nel gennaio 1941 ad un pubblico di prigionieri e guardie carcerarie.

Joaquín Torres García ritratto da Ramon Casas

Nella pittura, negli anni Venti e Trenta e durante la Grande depressione , il modernismo è definito dal Surrealismo, dal tardo cubismo, dalla Bauhaus , dal De Stijl , dal Dada , dall' espressionismo tedesco , dai pittori modernisti e magistrali come Henri Matisse e Pierre Bonnard e dalle astrazioni di artisti come Piet Mondrian e Vasilij Kandinskij che caratterizzarono la scena artistica europea. In Germania, Max Beckmann , Otto Dix , George Grosz e altri politicizzarono i loro dipinti, prefigurando l'avvento della seconda guerra mondiale , mentre in America il modernismo fu visto attraverso una nuova scena di pittori americani, del realismo sociale e dei movimenti regionalisti che contenevano sia gli argomenti politici che sociali, dominanti nell'arte di tutto il mondo di allora. Tra questi artisti ricordiamo Ben Shahn , Thomas Hart Benton , Grant Wood , George Tooker , John Steuart Curry , Reginald Marsh . Infine, in America Latina, il modernismo fu caratterizzato dal lavoro di pittori come l'Uruguaiano Joaquín Torres García ed il messicano Rufino Tamayo , mentre muoveva i suoi primi passi il movimento muralista con Diego Rivera , David Siqueiros , José Clemente Orozco , Pedro Nel Gómez e Santiago Martinez Delgado e il simbolismo di Frida Kahlo che furono una rinascita delle arti della regione, caratterizzati da un uso più libero del colore e una particolare enfasi sui messaggi politici.

Diego Rivera è forse meglio conosciuto dal pubblico per il suo murale del 1933 Man at the Crossroads , realizzato nell'atrio del RCA Building al Rockefeller Center . Quando il suo mecenate Nelson Rockefeller scoprì che il murale comprendeva un ritratto di Lenin e altre immagini comuniste licenziò Rivera e l'opera, lasciata incompiuta, fu distrutta dallo staff di Rockefeller. Le opere di Frida Kahlo (con cui Rivera fu sposato) sono spesso caratterizzate da una rigorosa rappresentazione del dolore. Kahlo è stata profondamente influenzata dalla cultura indigena messicana, che è evidente nei colori vivaci dei suoi dipinti e nel simbolismo drammatico. Nel suo lavoro sono spesso raffigurati temi cristiani ed ebraici, combinanti ad elementi della classica tradizione religiosa messicana, che erano spesso sanguinosi e violenti. Le opere simboliste di Frida Kahlo riportano forti riferimenti al surrealismo e al movimento di realismo magico letterario.

L'attivismo politico è stata una parte importante della vita di David Siqueiros e spesso lo ha ispirato a mettere da parte la sua carriera artistica. La sua arte era profondamente radicata nella rivoluzione messicana. Il periodo che va dagli anni venti agli anni cinquanta è noto come la rivoluzione messicana e Siqueiros fu attivo nel tentativo di creare un'arte che fosse al tempo stesso messicana e universale. Il giovane Jackson Pollock partecipò ad un suo seminario e contribuì a costruire carri allegorici per la parata.

Pablo Picasso , Guernica 1937

Negli anni trenta la politica di sinistra radicale ha caratterizzato molti degli artisti legati alle avanguardie, tra cui Pablo Picasso . Il 26 aprile 1937, durante la guerra civile spagnola, la città basca di Guernica fu bombardata dalla Luftwaffe della Germania nazista . I tedeschi attaccarono la città per sostenere gli sforzi di Francisco Franco nel rovesciare il governo basco e il governo repubblicano spagnolo. Pablo Picasso dipinse la sua opera Guernica a grandezza naturale per commemorare gli orrori del bombardamento.

I nottambuli di Edward Hopper del 1942

Grant Wood , American Gothic , 1930

Durante la Grande depressione degli anni trenta e durante gli anni della seconda guerra mondiale l'arte americana fu caratterizzata da Realismo sociale e dalla American Scene Painting , con artisti come Grant Wood , Edward Hopper , Ben Shahn , Thomas Hart Benton e molti altri. I nottambuli (1942) è un dipinto di Edward Hopper che ritrae persone sedute in un ristorante del centro a tarda notte. Non è solo il dipinto più famoso di Hopper, ma è uno dei più riconoscibili nell'arte americana. La scena fu ispirata da una tavola calda nel Greenwich Village ed Hopper iniziò a dipingerlo subito dopo l' attacco di Pearl Harbor . Dopo questo evento ci fu una grande sensazione di tristezza nel paese, sentimento che è ritratto nel dipinto. La strada urbana è vuota fuori dal ristorante, e all'interno nessuno dei tre patroni sembra apparentemente che stia parlando con gli altri, ma ognuno è perso nei propri pensieri. Questo tema della vita urbana moderna come vuoto o solitario, è una caratteristica di tutto il lavoro di Hopper.

American Gothic è invece un dipinto di Grant Wood del 1930. Ritraendo un contadino con un forcone e una donna più giovane di fronte a una casa in stile gotico rurale , divenne una delle immagini più familiari dell'arte americana del XX secolo. I critici d'arte videro di buon occhio sulla pittura; come Gertrude Stein e Christopher Morley , presumevano che il dipinto avrebbe dovuto essere una satira della vita rurale di una piccola città. Fu quindi visto come parte della tendenza verso rappresentazioni sempre più critiche dell'America rurale, sulla falsariga ci ciò che avvenne in letteratura con I racconti dell'Ohio di Sherwood Anderson del 1919, oppure La via principale di Sinclair Lewis del 1920 o ancora di The Tattooed Countess di Carl Van Vechten . Tuttavia, con l'inizio della Grande depressione, questo dipinto fu visto come una rappresentazione del costante spirito pionieristico americano.

Locandina dell'esposizione sull'"Arte degenerata" ( Entartete kunst ), Berlino, 1938.

La situazione per gli artisti in Europa durante gli anni trenta si deteriorò rapidamente con la presa di potere dei nazisti in Germania e in tutta l'Europa orientale. L'arte degenerata era un termine adottato in Germania dal regime nazista per quasi tutta l'arte moderna. Tale arte fu bandita con la motivazione che si trattava di arte non tedesca e propaganda giudaico-bolscevica, e quelli identificati come artisti degenerati furono sottoposti a dure sanzioni, che includevano il licenziamento da posizioni di insegnamento, il divieto di esporre o di vendere la loro arte e, in alcuni casi, era totalmente proibito produrre arte. " Arte degenerata " ( Entartete kunst ) era anche il titolo di una mostra allestita dai nazisti a Monaco nel 1937. Il clima divenne così ostile per gli artisti e per l'arte associata al modernismo e all'astrazione che molti lasciarono l'Europa per le Americhe. L'artista tedesco Max Beckmann e numerosi altri fuggirono dall'Europa per New York, dove una nuova generazione di giovani ed entusiasmanti pittori modernisti guidati da Arshile Gorky , Willem de Kooning e altri stava appena cominciando a diventare maggiorenne.

Il ritratto di Arshile Gorky di qualcuno che potrebbe essere Willem de Kooning è un esempio dell'evoluzione dell' espressionismo astratto dal contesto della pittura figurativa, del cubismo e del surrealismo. Insieme ai suoi amici de Kooning e John D. Graham , Gorky creò composizioni figurative biomorfiche e astratte che negli anni quaranta si sono evolute in dipinti totalmente astratti. L'opera di Gorky sembra essere un'attenta analisi della memoria, delle emozioni e della forma, usando la linea e il colore per esprimere il sentimento e la natura.

Dopo la seconda guerra: le arti visive e performative

Mentre l' Oxford Encyclopedia of British Literature afferma che il modernismo finì nel 1939 circa, per quanto concerne la letteratura britannica e americana, "Quando (se) il modernismo si esaurì e lasciando il posto al postmodernismo , è stato argomento di contestazioni quasi con la stessa intensità di quando avvenne la transizione dal periodo vittoriano al modernismo". Clement Greenberg vede il modernismo terminare negli anni trenta, con l'eccezione delle arti visive e dello spettacolo, ma per quanto riguarda la musica, Paul Griffiths nota che, mentre il modernismo "sembrava essere una forza esaurita "verso la fine degli anni venti, dopo la seconda guerra mondiale, "una nuova generazione di compositori: Boulez , Barraqué , Babbitt , Nono , Stockhausen , Xenakis " rivitalizzarono il modernismo". Di fatto molti modernisti letterari lavorarono negli anni cinquanta e sessanta, anche se in genere non producevano opere rilevanti. Il termine "tardo modernismo" è talvolta applicato anche a opere moderniste pubblicate dopo il 1930. Tra i modernisti (oi tardo modernisti) che pubblicavano ancora dopo il 1945 c'erano Wallace Stevens , Gottfried Benn , TS Eliot , Anna Akhmatova , William Faulkner , Dorothy Richardson , John Cowper Powys ed Ezra Pound . Basil Bunting , nato nel 1901, pubblicò il suo più importante poema modernista Briggflatts nel 1965. Inoltre, The Death of Virgil di Hermann Broch fu pubblicato nel 1945 e il Doctor Faustus di Thomas Mann nel 1947. Samuel Beckett , che morì nel 1989, è stato descritto come un "tardo modernista". Beckett è stato uno scrittore con radici nella tradizione espressionista del modernismo, che ha prodotto opere dagli anni trenta fino al 1980, tra cui Molloy (1951), Aspettando Godot (1953), Giorni felici (1961) e Dondolo (1981). I termini " minimalista " e "postmodernista" sono poi stati applicati anche ai suoi lavori successivi. I poeti Charles Olson (1910-1970) e JH Prynne (nato nel 1936) sono tra gli scrittori della seconda metà del XX secolo che sono stati descritti come gli ultimi modernisti.

Più recentemente il termine "tardo modernismo" è stato ridefinito più di un critico e usato per riferirsi a opere scritte dopo il 1945, piuttosto che fino al 1930. Questa impostazione prevede l'idea che l'ideologia del modernismo sia stata significativamente ridisegnata dagli eventi di seconda guerra mondiale , in particolare dall' Olocausto e dal lancio della bomba atomica .

Il periodo postbellico lasciò le capitali europee in uno stato di totale sconvolgimento con l'urgenza di ricostruire economicamente e fisicamente e di riorganizzarsi politicamente. A Parigi (ex centro della cultura europea e ex capitale del mondo dell'arte) il clima generale dell'arte era disastrato. Importanti collezionisti, mercanti e artisti, scrittori e poeti modernisti erano fuggiti dall'Europa per New York e per l'America. I surrealisti e gli artisti moderni di ogni centro culturale europeo erano fuggiti dall'assalto dei nazisti per un rifugio sicuro negli Stati Uniti. Molti di quelli che non fuggirono morirono in guerra. Alcuni artisti, come Pablo Picasso , Henri Matisse e Pierre Bonnard , rimasero in Francia e sopravvissero.

Gli anni quaranta a New York annunciarono il trionfo dell' espressionismo astratto americano, un movimento modernista che univa le lezioni apprese da Henri Matisse, Pablo Picasso, il surrealismo, Joan Miró , il cubismo, i fauves e il primo modernismo con i grandi maestri americani come Hans Hofmann e John D. Graham . Gli artisti americani beneficiarono della presenza di Piet Mondrian , Fernand Léger , Max Ernst e del gruppo André Breton , della galleria di Pierre Matisse , della galleria della The Art of This Century gallery di Peggy Guggenheim e di numerosi altri fattori.

Parigi, inoltre, riconquistò gran parte della sua lucentezza negli anni cinquanta e sessanta come centro di una rinascita artistica, con scultori come Jean Tinguely e Nicolas Schöffer .

Il teatro dell'assurdo

Lo stesso argomento in dettaglio: Teatro dell'assurdo .

En attendant Godot di Samuel Beckett al Festival d'Avignon del 1978

Il termine " Teatro dell'assurdo " è applicato ai drammi , scritti principalmente da europei, che esprimono una condizione dell'esistenza incentrata sull'incomunicabilità. La costruzione logica e la discussione lasciano il posto a un discorso irrazionale e illogico, fino alla sua conclusione definitiva, il silenzio. Sebbene esistano precursori importanti, tra cui Alfred Jarry (1873-1907), Il teatro dell'assurdo viene generalmente fatto risalire all'inizio degli anni cinquanta con le commedie di Samuel Beckett .

Il termine fu coniato dal critico Martin Esslin nel suo saggio del 1960 Theatre of the Absurd , mettendolo in relazione a questi drammi ed utilizzandolo in modo simile all'uso che ne fa Albert Camus nel suo saggio del 1942, Il mito di Sisifo . L'Assurdo in questi spettacoli assume la forma della reazione dell'uomo a un mondo apparentemente senza significato, in cui è spesso come un burattino controllato o minacciato da forze esterne invisibili. Sebbene il termine sia applicato a una vasta gamma di opere teatrali, alcune caratteristiche coincidono in molte commedie: una commedia ampia, spesso simile al vaudeville , mescolata a immagini orribili o tragiche; personaggi catturati in situazioni senza speranza costretti a fare azioni ripetitive o prive di significato; l'uso dei cliché nei dialoghi, giochi di parole e nonsenso . I drammaturghi comunemente associati al teatro dell'assurdo includono Samuel Beckett (1906-1989), Eugène Ionesco (1909-1994), Jean Genet (1910-1986), Harold Pinter (1930-2008), Tom Stoppard (nato nel 1937), Aleksandr Vvedenskij (1904-1941), Daniil Charms (1905-1942), Friedrich Dürrenmatt (1921-1990), Alejandro Jodorowsky (nato nel 1929), Fernando Arrabal (nato nel 1932), Václav Havel (1936-2011) e Edward Albee (1928- 2016).

Pollock e le influenze dell'astrattismo

Lo stesso argomento in dettaglio: Espressionismo astratto .

Alla fine degli anni quaranta, l'approccio radicale alla pittura di Jackson Pollock aprì nuove prospettive all'arte contemporanea che lo seguì. In qualche misura Pollock si rese conto che il processo che porta alla realizzazione di un'opera d'arte era importante quanto l'opera d'arte stessa. Come le innovative reinvenzioni di Pablo Picasso nella pittura e nella scultura del primo Novecento attraverso il cubismo e la scultura costruita, Pollock ridefinì il modo in cui l'arte viene fatta. Il suo allontanarsi dalla pittura da cavalletto e dalla convenzionalità fu un segno liberatorio per gli artisti della sua era e per tutti coloro che sono venuti dopo, che si resero conto che il processo di Jackson Pollock - collocando una tela grezza e non tesa sul pavimento, per poi lasciar gocciolare e lanciare grumi e strati lineari di colore - aveva fatto saltare il modo di fare arte a lui precedente. L' espressionismo astratto generalmente ampliava e sviluppava le definizioni e le possibilità a disposizione degli artisti per la creazione di nuove opere d'arte. Gli altri espressionisti astratti seguirono la svolta di Pollock con nuove scoperte. In un certo senso le innovazioni di Jackson Pollock, Willem de Kooning , Franz Kline , Mark Rothko , Philip Guston , Hans Hofmann , Clyfford Still , Barnett Newman , Ad Reinhardt , Robert Motherwell , Peter Voulkos e altri hanno aperto le porte al rinnovamento di tutta l'arte che li ha seguiti.

I personaggi di rilievo nell'arte britannica

Dopo la seconda guerra mondiale, Henry Moore (1898-1986) fu considerato uno dei principali scultori britannici, conosciuto soprattutto per le sue sculture monumentali in bronzo semi astratte, che si trovano in tutto il mondo come opere d'arte pubbliche. Le sue forme sono solitamente astrazioni della figura umana, in genere raffiguranti figure materne e infantili, che solitamente suggeriscono il corpo femminile, a parte una fase degli anni cinquanta quando scolpiva gruppi familiari. Le sue forme sono generalmente perforate o contengono spazi vuoti.

Henry Moore , Nuclear Energy (1966). Di fronte al Kunsthaus Zürich , Svizzera.

Negli anni cinquanta, Moore iniziò a ricevere commissioni sempre più importanti, compresa una figura distesa per l'edificio dell' UNESCO a Parigi del 1958. Con commissioni sempre più numerose di opere d'arte pubbliche, le dimensioni delle sculture di Moore crebbero in modo significativo. Gli ultimi tre decenni della vita di Moore vide inoltre diverse importanti retrospettive che si svolsero in tutto il mondo, in particolare una mostra di spicco nell'estate del 1972 nel parco del Forte di Belvedere che domina Firenze . Alla fine degli anni settanta c'erano circa 40 mostre all'anno dedicate al suo lavoro. L'opera Nuclear Energy di Moore fu presentata al pubblico nel campus dell' Università di Chicago , nel dicembre del 1967, 25 anni dopo l'arrivo della squadra di fisici guidata da Enrico Fermi nella prima reazione nucleare controllata e autosufficiente. Sempre a Chicago , Moore ha commemorato la scienza con una grande meridiana di bronzo, chiamata Man Enters the Cosmos (1980), che fu commissionata per celebrare il programma di esplorazione spaziale .

La "Scuola di Londra" di pittura figurativa, tra cui Francis Bacon (1909-1992), Lucian Freud (1922-2011), Frank Auerbach (nato nel 1931), Leon Kossoff (nato nel 1926) e Michael Andrews (1928-1995), ricevettero un ampio riconoscimento internazionale.

Francis Bacon era un pittore figurativo britannico di origine irlandese noto per le sue immagini audaci, grafiche ed emotivamente crude. Le sue figure pittoriche ma astratte appaiono tipicamente isolate in gabbie geometriche di vetro o acciaio disposte su sfondi piatti e anonimi. Bacon ha iniziato a dipingere durante i suoi primi anni venti ma ha lavorò solo sporadicamente fino alla sua metà degli anni trenta. La sua svolta arrivò con il trittico del 1944 Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion che sancì la sua reputazione di cronista cinico della condizione umana. La sua produzione può essere descritta rozzamente come consistente in sequenze o variazioni su un singolo motivo; cominciando dalle teste maschili degli anni quaranta, i primi anni Cinquanta che urlavano i papi, e gli animali della metà fino alla fine degli anni cinquanta ed in seguito le figure solitarie sospese in strutture geometriche. Dalla metà degli anni sessanta ai primi anni settanta, Bacon produceva principalmente ritratti di amici straordinariamente compassionevoli. Dopo il suicidio del suo compagno George Dyer nel 1971, la sua arte divenne più personale, introversa ed incentrata su temi e motivi di morte. Durante la sua vita, Bacon fu ugualmente insultato e acclamato.

Lucian Freud era un pittore britannico di origini tedesche, noto soprattutto per il suo ritratto e le sue figure pittoriche, spesso impensate, e da molti considerato per queste, come il preminente artista britannico del suo tempo. Le sue opere sono note per la loro penetrazione psicologica e per il loro esame sul disagio della relazione tra artista e modella. Secondo William Grimes del New York Times , "Lucien Freud ei suoi contemporanei hanno trasformato la pittura figurativa nel XX secolo. In dipinti come Girl with a White Dog (1951–52), Freud ha messo il linguaggio della pittura europea tradizionale al servizio di uno stile di ritrattistica anti-romantico e conflittuale che metteva a nudo la facciata sociale del modello seduto. Gli uomini comuni, molti dei quali suoi amici, guardavano con occhi spalancati dalla tela, vulnerabili alla spietata ispezione dell'artista."

Gli anni sessanta al di la dell'espressionismo astratto

Lo stesso argomento in dettaglio: Color field e Arte povera .

Negli anni cinquanta e sessanta, nella pittura astratta, cominciarono ad apparire negli studi di artisti e nei circuiti delle avanguardie radicali diverse nuove direzioni come la hard edge painting e altre forme di astrattismo geometrico , spesso come reazione al soggettivismo dell'espressionismo astratto. Clement Greenberg divenne la voce della post-painterly abstraction quando curò un'influente mostra di nuova pittura che nel 1964 fu esposta in importanti musei d'arte negli Stati Uniti. Pittura color field , pittura hard-edge e l' astrazione lirica emersero come direzioni radicali nuove ed inaspettate.

Tuttavia, alla fine degli anni sessanta nacquero il postminimalismo , la process art e l' Arte povera che si proposero come concetti e movimenti rivoluzionari che ripercorrevano sia la pittura che la scultura, attraverso l'astrazione lirica, il postminimalista, e la prima arte concettuale . La Process Art ispirata da Pollock ha consentito agli artisti di sperimentare e utilizzare una diversa gamma di stili, contenuti, materiali, posizionamenti, senso del tempo, spazio plastico e reale. Nancy Graves , Ron Davis , Howard Hodgkin , Larry Poons , Jannis Kounellis , Brice Marden , Colin McCahon , Bruce Nauman , Richard Tuttle , Alan Saret , Walter Darby Bannard , Lynda Benglis , Dan Christensen , Larry Zox , Ronnie Landfield , Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra , Sam Gilliam , Mario Merz e Peter Reginato sono stati alcuni degli artisti più giovani che sono emersi durante l'era del tardo modernismo che generò il periodo di massimo splendore dell'arte della fine degli anni sessanta.

Pop Art

Lo stesso argomento in dettaglio: Pop art .

Roy Lichtenstein

Nel 1962 la Sidney Janis Gallery espose la prima grande mostra di gruppo pop art dal titolo The New Realists in una galleria d'arte a New York. Janis installò la mostra in un negozio sulla 57esima strada vicino alla sua galleria. L'esposizione generò clamore tra il mondo dell'arte e la New York School , e poi in tutto il mondo. Precedentemente, il termine "Pop Art" fu usato in Inghilterra nel 1958 da Lawrence Alloway , per descrivere i dipinti che celebravano il consumismo del secondo dopoguerra. Questo movimento si contrappose all'espressionismo astratto e il suo concentrarsi sull'interiorità ermeneutica e psicologica, a favore dell'arte che rappresentava e spesso celebrava la cultura del consumismo materiale, la pubblicità e l'iconografia dell'età della produzione di massa. I primi lavori di David Hockney e le opere di Richard Hamilton e Eduardo Paolozzi (che ha creato il rivoluzionario I was a Rich Man's Plaything , 1947) sono considerati esempi seminali del movimento Pop Art. Nel frattempo, nella scena della downtown nelle gallerie della 10th Street dell' East Village di New York , gli artisti stavano formulando una versione americana della pop art. Claes Oldenburg aveva il suo negozio e la Green Gallery sulla 57th Street cominciò a mostrare le opere di Tom Wesselmann e James Rosenquist . Più tardi Leo Castelli espose le opere di altri artisti americani, comprese quelle di Andy Warhol e Roy Lichtenstein . C'è una connessione tra le opere radicali di Marcel Duchamp e Man Ray , i ribelli dadaisti con senso dell' umorismo , e artisti pop come Claes Oldenburg, Andy Warhol e Roy Lichtenstein, i cui dipinti riproducono l'aspetto dei Ben-Day dot , un tecnica utilizzata nella riproduzione commerciale.

Minimalismo

Lo stesso argomento in dettaglio: Minimalismo , Musica minimalista e Postminimalismo .

Il minimalismo comprende movimenti in varie forme di arte e design, in particolare l'arte visiva e la musica, in cui gli artisti intendono esporre l'essenza o l'identità di un soggetto eliminando tutte le forme, caratteristiche o concetti non essenziali. Il minimalismo è qualsiasi progetto o stile in cui vengono utilizzati gli elementi più semplici e minimi per creare il massimo effetto.

Come movimento specifico nelle arti si identifica con gli sviluppi nell'arte occidentale del secondo dopoguerra, in particolare con le arti visive americane negli anni sessanta e nei primi anni settanta. Tra gli artisti di spicco associati a questo movimento ci sono Donald Judd , John McCracken , Agnes Martin , Dan Flavin , Robert Morris , Ronald Bladen , Anne Truitt e Frank Stella . Deriva dagli aspetti riduttivi del modernismo ed è spesso interpretato come una reazione contro l' espressionismo astratto e un ponte verso le pratiche artistiche postminimaliste . Nei primi anni sessanta il minimalismo sorse come un movimento astratto nell'arte (con le radici nell' astrattismo geometrico di Kazimir Severinovič Malevič , Bauhaus e Piet Mondrian ) respingendo l'idea della pittura relazionale e soggettiva, la complessità espressionismo astratto e dello zeitgeist emotivo, e polemiche presenti nell'area dell' action painting . Il minimalismo sosteneva che l'estrema semplicità poteva catturare tutta la rappresentazione del sublime necessario nell'arte. Il minimalismo viene da qualcuno inserito tra i precursori del postmodernismo, da altri tra i movimenti del postmoderno stesso. In quest'ultima prospettiva, il primo minimalismo ha prodotto opere moderniste avanzate, ma il movimento ha parzialmente abbandonato questa direzione quando alcuni artisti come Robert Morris hanno cambiato direzione in favore del movimento anti-form.

Hal Foster, nel suo saggio The Crux of Minimalism , esamina in quale misura Donald Judd e Robert Morris riconoscono e superano il Modernismo Greenbergiano nelle loro definizioni pubblicate di minimalismo e sostiene che il minimalismo non è un "vicolo cieco" del Modernismo, ma un "cambio di paradigma verso le pratiche postmoderne che continuano ad essere elaborate oggi".

I termini possono comprendere anche il movimento nella musica che presenta tale ripetizione e iterazione come quelle delle composizioni di La Monte Young , Terry Riley , Steve Reich , Philip Glass e John Adams . Le composizioni minimaliste sono talvolta note come Systems music. Il termine "minimalista" spesso si riferisce colloquialmente a tutto ciò che è spogliato fino all'essenziale. È stato anche usato per descrivere le opere teatrali ei romanzi di Samuel Beckett , i film di Robert Bresson , le storie di Raymond Carver e il design automobilistico di Colin Chapman .

Post-minimalismo

Spiral Jetty di Robert Smithson.

Alla fine degli anni sessanta Robert Pincus-Witten coniò il termine "postminimalismo" per descrivere l'arte derivata dal minimalismo che aveva contenuti e sfumature contestuali che il minimalismo rifiutava. Il termine fu applicato da Pincus-Whitten al lavoro di Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra e nuovo lavoro degli ex minimalisti Robert Smithson , Robert Morris , Sol LeWitt , Barry Le Va e altri. Altri minimalisti tra cui Donald Judd , Dan Flavin , Carl Andre , Agnes Martin , John McCracken e altri continuarono a produrre tele e sculture tardo moderniste per il resto della loro carriera.

Da allora, molti artisti hanno abbracciato stili minimalisti o post-minimalisti ed a loro fu legata l'etichetta " Postmoderno ".

Collage, assemblaggi, installazioni

Lo stesso argomento in dettaglio: Collage , Assemblage e Installazione (arte) .

In relazione all'espressionismo astratto c'era l'emergenza di combinare manufatti con materiali d'artista, allontanandosi dalle precedenti convenzioni della pittura e della scultura. Il lavoro di Robert Rauschenberg è un classico esempio di questa tendenza. Le sue "combines" degli anni cinquanta precorsero la pop art e le installazioni e assemblando grandi oggetti, come animali imbalsamati, uccelli e fotografie commerciali. Rauschenberg, Jasper Johns , Larry Rivers , John Chamberlain , Claes Oldenburg , George Segal , Jim Dine e Edward Kienholz sono stati importanti pionieri sia dell'astrazione che della pop art. Creando nuove convenzioni del fare arte, hanno aperto la strada, nei circoli di arte contemporanea colta, alla pratica radicale di includere nelle loro opere di materiali improbabili. Un altro pioniere del collage fu Joseph Cornell , le cui opere, più intimamente e di piccole dimensioni, furono considerate radicali sia per la sua iconografia personale che per l'uso del Ready-made .

Neo-Dada

Lo stesso argomento in dettaglio: Neo-Dada .

All'inizio del XX secolo Marcel Duchamp in una sua esposizione, presentò un orinatoio come scultura nella sua opera Fontana , sostenendo che ogni oggetto, per il solo fatto di essere esposto al pubblico può diventare un'opera d'arte. Duchamp battezzò questa tecnica di recupero degli oggetti trovati come " ready-made ". Fontana fu firmato dall'artista con lo pseudonimo "R. Mutt", e la esposizione sconvolse il mondo dell'arte nel 1917. Questo e gli altri lavori di Duchamp sono generalmente etichettati come Dada . Duchamp può essere visto come un precursore dell' arte concettuale , altri famosi esempi sono i 4'33" di John Cage , che sono quattro minuti e trentatré secondi di silenzio, e il disegno Erased de Kooning Drawing di Rauschenberg. Molte opere concettuali sono volte a dimostrare che l'arte è il risultato dello spettatore che osserva un oggetto o di un'azione come arte, non di qualità intrinseche dell'opera stessa. Scegliendo "un normale oggetto della vita quotidiana" e creando "un nuovo pensiero per quell'oggetto", Duchamp invitò gli spettatori a vedere Fontana come una scultura.

Marcel Duchamp rinunciò notoriamente all'arte "in favore degli scacchi". Il compositore d'avanguardia David Tudor ha creato un pezzo, Reunion (1968), scritto insieme a Lowell Cross , che presenta una partita di scacchi in cui ogni mossa attiva un effetto di illuminazione o proiezione. Duchamp e Cage hanno giocato una partita alla premiere del lavoro.

Steven Best e Douglas Kellner identificano Rauschenberg e Jasper Johns come parte della fase di transizione, influenzata da Duchamp, tra Modernismo e Postmodernismo. Entrambi utilizzano, nel loro lavoro, immagini di oggetti ordinari o gli oggetti stessi, pur mantenendo l'astrazione e gesti pittorici dell'alto modernismo.

Performance ed happening

Lo stesso argomento in dettaglio: Performance art , Happening e Fluxus .

L'artista Joseph Beuys nel 1978: Jeder Mensch ein Künstler — Auf dem Weg zur Freiheitsgestalt des sozialen Organismus - Ogni persona un artista — sulla strada della liberazione dall'organismo sociale

Durante la fine degli anni cinquanta ei sessanta, artisti con una vasta gamma di interessi iniziarono a spingere i confini dell'arte contemporanea sempre un po' più in la. Yves Klein in Francia, Carolee Schneemann , Yayoi Kusama , Charlotte Moorman e Yōko Ono a New York, e Joseph Beuys , Wolf Vostell e Nam June Paik in Germania sono stati pionieri delle opere d'arte basate sulla performance. Gruppi come The Living Theatre con Julian Beck e Judith Malina hanno collaborato con scultori e pittori creando ambienti, cambiando radicalmente il rapporto tra pubblico e performer, specialmente nella loro pièce Paradise Now . La Judson Dance Theatre , con sede alla Judson Memorial Church , a New York, da cui uscirono danzatori come Yvonne Rainer , Trisha Brown , Elaine Summers , Sally Gross , Simonne Forti , Deborah Hay , Lucinda Childs , Steve Paxton , ha collaborato con gli artisti Robert Morris , Robert Whitman , John Cage , Robert Rauschenberg e ingegneri come Billy Klüver . La Park Place Gallery era un centro per gli spettacoli musicali dei compositori elettronici Steve Reich , Philip Glass e altri artisti di spicco della performance, tra cui Joan Jonas .

Nello stesso periodo, diversi artisti d'avanguardia hanno creato happening , incontri misteriosi e spesso spontanei e non scritti di artisti, amici e parenti in varie località, spesso incorporando esercizi in assurdità, fisicità, costumi, nudità spontanea e vari casuali o apparentemente atti disconnessi. Tra i creatori di happening degni di nota ci sono Allan Kaprow , che per primo ha usato il termine nel 1958, Claes Oldenburg , Jim Dine , Red Grooms e Robert Whitman .

Intermedia e multi-media

Lo stesso argomento in dettaglio: Intermedia .

Un'altra tendenza dell'arte che è stata associata al termine postmoderno è l'uso di un numero di media diversi insieme. Intermedia è un termine coniato da Dick Higgins e destinato a trasmettere nuove forme d'arte sulla falsariga di Fluxus , poesia concreta , ready-made , performance art e computer art . Higgins è stato editore e fondatore della Something Else Press , un poeta concreto sposato con l'artista Alison Knowles e ammiratore di Marcel Duchamp . Ihab Hassan include "Intermedia, la fusione di forme, la confusione dei regni", nella sua lista delle caratteristiche dell'arte postmoderna. Una delle forme più comuni di "arte multimediale" è l'uso di videoregistratori e monitor CRT , definita video arte . Mentre la teoria di combinare più arti in un'unica arte è piuttosto antica, ed è stata ripresa periodicamente, ciò che ne fa il postmoderno è spesso la combinazione con la performance art, in cui il sottotesto drammatico viene rimosso, e ciò che rimane sono le specifiche dichiarazioni dell'artista o la dichiarazione concettuale della loro azione.

Fluxus

Lo stesso argomento in dettaglio: Fluxus .

Fluxus è stato battezzato e liberamente organizzato nel 1962 da George Maciunas (1931-1978), un artista americano di origine lituana. Fluxus fa risalire le sue origini ai corsi di composizione sperimentale di John Cage dal 1957 al 1959 presso la New School for Social Research di New York . Molti dei suoi studenti erano artisti che lavorano in altre discipline con poca o nessuna esperienza musicale. Gli studenti di Cage includevano i membri fondatori di Fluxus, Jackson Mac Low , Al Hansen , George Brecht e Dick Higgins .

Fluxus ha incoraggiato un'estetica fai-da-te, dando valore alla semplicità più che alla complessità. Come Dada prima di esso, Fluxus includeva una forte corrente anti-mercantilista e una sensibilità anti-arte , che disprezzava il convenzionale mondo dell'arte guidato dal mercato in favore di una pratica creativa centrata sull'artista. Gli artisti di Fluxus preferivano lavorare con qualsiasi materiale fosse a portata di mano.

Andreas Huyssen critica i tentativi di inserire Fluxus nel postmodernismo come "o il codice principale del postmodernismo o il movimento artistico in definitiva non rappresentabile - per così dire, il sublime del postmodernismo". Invece vede Fluxus come un fenomeno neo-dadaista all'interno della tradizione dell'avanguardia. Secondo alcuni Fluxus non rappresentò un gran progresso nello sviluppo di strategie artistiche, sebbene esprimesse una ribellione contro "la cultura gestita degli anni cinquanta, in cui un modernismo moderato e addomesticato serviva come supporto ideologico alla Guerra fredda ".

Note

Bibliografia

• Armstrong, Carol and de Zegher, Catherine (eds.), Women Artists as the Millennium , Cambridge, MA: October Books, MIT Press, 2006. ISBN 978-0262012263 .
• Aspray, William e Philip Kitcher, eds., History and Philosophy of Modern Mathematics, Minnesota Studies in the Philosophy of Science vol. XI, Minneapolis: University of Minnesota Press, 1988
• Baker, Houston A., Jr., Modernism and the Harlem Renaissance, Chicago: University of Chicago Press, 1987
• Berman, Marshall, All That Is Solid Melts Into Air: The Experience of Modernity. Second ed. London: Penguin , 1982. ISBN 0140109625 .
• Bradbury, Malcolm, & James McFarlane (eds.), Modernism: A Guide to European Literature 1890–1930 ( Penguin "Penguin Literary Criticism" series, 1978, ISBN 0140138323 ).
• Brush, Stephen G., The History of Modern Science: A Guide to the Second Scientific Revolution, 1800–1950, Ames, IA: Iowa State University Press, 1988
• Centre Georges Pompidou, Face a l'Histoire, 1933–1996 . Flammarion, 1996. ISBN 2858508984 .
• Crouch, Christopher, Modernism in art design and architecture , New York: St. Martins Press, 2000
• Eysteinsson, Astradur, The Concept of Modernism, Ithaca, NY: Cornell University Press, 1992
• Friedman, Julia . Beyond Symbolism and Surrealism: Alexei Remizov's Synthetic Art , Northwestern University Press, 2010. ISBN 0810126176 (Trade Cloth)
• Frascina, Francis, and Charles Harrison (eds.). Modern Art and Modernism: A Critical Anthology . Published in association with The Open University. London: Harper and Row, Ltd. Reprinted, London: Paul Chapman Publishing, Ltd., 1982.
• Gates, Henry Louis. The Norton Anthology of African American Literature . WW Norton & Company, Inc., 2004.
• Hughes, Robert, The Shock of the New: Art and the Century of Change (Gardners Books, 1991, ISBN 0500275823 ).
• Kenner, Hugh, The Pound Era (1971), Berkeley, CA: University of California Press, 1973
• Kern, Stephen, The Culture of Time and Space, Cambridge, MA: Harvard University Press, 1983
• Kolocotroni, Vassiliki et al. , ed., Modernism: An Anthology of Sources and Documents (Edinburgh: Edinburgh University Press, 1998).
• Levenson, Michael, (ed.), The Cambridge Companion to Modernism (Cambridge University Press, collana "Cambridge Companions to Literature", 1999, ISBN 052149866X ).
• Lewis, Pericles. The Cambridge Introduction to Modernism (Cambridge: Cambridge University Press, 2007).
• Nicholls, Peter, Modernisms: A Literary Guide (Hampshire and London: Macmillan , 1995).
• Pevsner, Nikolaus , Pioneers of Modern Design: From William Morris to Walter Gropius (New Haven, CT: Yale University Press, 2005, ISBN 0300105711 ).
• The Sources of Modern Architecture and Design , Thames & Hudson, collana "World of Art", 1985, ISBN 0500200726 ).
• Pollock, Griselda, Generations and Geographies in the Visual Arts . (Routledge, London, 1996. ISBN 0415141281 ).
• Pollock, Griselda, and Florence, Penny, Looking Back to the Future: Essays by Griselda Pollock from the 1990s . (New York: G&B New Arts Press, 2001. ISBN 9057011328 )
• Rachael Potter, Obscene Modernism and the Trade in Salacious Books , in Modernism/modernity , vol. 16, n. 1, gennaio 2009, ISSN 1071-6068 ( WC · ACNP ) .
• Sass, Louis A. (1992). Madness and Modernism: Insanity in the Light of Modern Art, Literature, and Thought . New York: Basic Books. Cited in Bauer, Amy (2004). "Cognition, Constraints, and Conceptual Blends in Modernist Music", in The Pleasure of Modernist Music . ISBN 1580461433 .
• Carl Schorske. Fin-de-Siècle Vienna: Politics and Culture . Vintage, 1980. ISBN 978-0394744780 .
• Schwartz, Sanford, The Matrix of Modernism: Pound, Eliot, and Early Twentieth Century Thought, Princeton, NJ: Princeton University Press, 1985
• Tyler, William J., ed. Modanizumu: Modernist Fiction from Japan, 1913–1938 . University of Hawai'i Press, 2008.
• Van Loo, Sofie (ed.), Gorge(l) . Royal Museum of Fine Arts, Antwerp, 2006. ISBN 978-9076979359 .
• Weir, David, Decadence and the Making of Modernism , 1995 , University of Massachusetts Press, ISBN 978-0870239922 .
• Weston, Richard, Modernism (Phaidon Press, 2001, ISBN 0714840998 ).
• de Zegher, Catherine, Inside the Visible . (Cambridge, MA: MIT Press, 1996).

Voci correlate

• Modernismo (letteratura)

Altri progetti

• Wikiquote contiene citazioni di o su modernismo
• Wikimedia Commons contiene immagini o altri file su modernismo

Collegamenti esterni

• ( EN ) Modernismo , su Enciclopedia Britannica , Encyclopædia Britannica, Inc.
• ( EN ) Opere riguardanti Modernismo , su Open Library , Internet Archive .
• Ballard, JG , sul Modernism.

Portale Architettura	Portale Arte	Portale Filosofia
Portale Letteratura	Portale Scienza e tecnica	Portale Teatro